静谧、诗意是观看许振在韩建美术馆最新个展“止语”时最大的体会，之所以产生这样的感受，一方面源于展场氛围的营造，整个展场进行了精心的设计，作品错落有致，架上绘画、雕塑、古典家具再配合上灯光，营造出了一个既当代又具有传统氛围的场域，相较于单纯的绘画展示，增加了观众观展时的趣味，也为观众更好理解作品提供了基础；其次得益于艺术家作品本身所传递出的信息和能量，远看有细节，吸引着观众走近，近看有能量，能够留住观众驻足观看，这便是许振作品的魅力之所在。

展厅现场

就像此次展览的主题“止语”，也充满了禅意，就字面意义来说，是不说，艺术家为了防止意义的单一性，在主题的后面又加了一句话“静之益，境之美，心之悟”，在这其中，许振更强调的是“心之悟”，他希望观众进入到这个场域之后，能够用心感受，在与作品的对话中发现自己。

这点非常重要，人们在百忙的日常生活中，很多时候会将“自我”忽略掉，这也是为什么生病了之后，常常感慨对不起“自己”。

许振艺术创作中，很重要的一个核心便是对生命的关注关照，在许振看来“作为艺术家来说，如果要是失去了感动，就失去了艺术的生命力，还能感动就好办。”

这也与他在梅里雪山的一段经历有关，当时正值梅雨季节，按照常理是很难看到雪山的，但许振坚信自己可以看到，并且真就看到了，许振认为这是自然对自己的接受，并深受感动不自觉的泪流满面，这种切身的经历对其影响非常大，直接导致其创作轨迹的改变，转向抽象的创作。

“人的一生如果要没有经历过一次不期而遇的流泪，你就无法体会到生命最微妙的东西。”许振说。

开幕现场表演

这也是为什么许振的作品中会充满诗意，那种静谧、幽深为何会如此吸引人，尤其是对于经历过疫情的我们来说，亲近自然、与自然融为一体是多么的珍贵，保护自然又显得是多么的重要。更为重要的是要顺势而为，要活的自由、自在，艺术创作也同样如此。

对话

雅昌艺术网：首先谈谈此次展览“止语”，作为您最新的个展，您想借助此次展览传达的或者想要向观众诉说的是什么？

许振：展览主题是与策展人的探讨中确定的，作为主题不希望它是字面意思，也容易产生误解，所以我们在后面又补充了九个字：静之益，境之美，心之悟。

当然，也和我最新创作的作品有关，策展人认为这批作品的画面比较空灵，充满诗意，艺术作品具有表情达意的作用，表现语言所无法表达的东西，就像中国画中的留白，无话处皆成妙境。

放在当下的环境也很贴切，“止语”不是不说话，而是停止说那些无用的废话，虚伪的话。疫情这些年，包括当下，话没少说，但当说的话、信息与事实产生一些错位时，我们就要反思了。

展厅现场

雅昌艺术网：在展览中可以看到，这批新作中的一些作品尺幅非常小，形式多样与我们看到的中国画的形式非常不一样，能否谈谈您在创作时的思考？首先为什么会采用这种小尺幅的形式？

许振：这些小作品是用来“玩”的，就像小孩的玩具一样。我觉得画画不需要牵强的仪式或者搞得那么庄重，庄重不是表现在形式表面。对作品的敬畏表现在一种自由放松。

艺术创作是感性和理性的完美结合，才能够呈现出好的作品。小画的创作，过程是随机的，也是第一次呈现。这些小作品像手稿一样，想传递艺术创作或者绘画，不是制作工艺品，艺术创作需要工匠精神，但别忘了它不是工匠干的活，工匠追求完美，追求器物的完美，器型百分百圆，釉色是什么不能改变，是一种工艺、技术上的完美，但艺术家的工匠精神不能这样体现。艺术语言不追求完美，而是尊重生命、真实。

展厅现场

雅昌艺术网：这批作品是您疫情期间创作的吗？

许振：基本是疫情期间创作，和以往最大的区别是，不再出现有形可见的东西。创作中，我把有形可见的世界，还原成纯粹的色彩、线条，画面构成。把具象的东西抽象化，然后再用抽象语言呈现出来，像音乐创作。

雅昌艺术网：为什么会有这种转变？

许振：这与我在梅里雪山的一次经历有关。

梅雨季节是很难看到梅里雪山的，刚好我去的时候赶上了，但我坚信能够看到，然后果然看到了，当时周围没有人，梅里雪山太子山突然就显现出来，我很激动，不自觉的跪下来磕了头，泪流满面。这就是自然的力量，当时我有种被自然接受的感觉，就是它为我打开，这对我影响很大。那是一种精神化的东西，是无形的。

人的一生如果要没有经历过一次不期而遇的流泪，你就无法体会到生命最微妙的东西，也是这次经历改变了我的创作轨迹，创作中放弃掉多余的东西。

展厅现场

雅昌艺术网：您更强调的是“心之悟”，能否展开谈谈？您希望观众来到展场或者面对您的作品时，是怎样一种状态？或者该怎样来观看您的作品？

许振：艺术欣赏应该是主客体融合，面对作品时不要用太多理性。绘画不是文字，语言是语言，画面是画面，不是1+2等于几，也不是象征主义，那种绘画肤浅，太符号化，像说明书一样。

“心之悟”强调的是面对绘画时，不光凭眼睛看到和文字表达，要静下心感受。

为此，在展览的展陈方面我们做了视域空间设计，观众来到美术馆，不仅仅是观看作品，作品与作品之间的关系，通过灯光、空间共同叙述，希望观众将自己放在场域里，听着淡淡音乐，去体会，体会自己。

至于感受到什么，每个人都不一样，有观众反馈感受到了禅意，有人感到很宁静，有人想流泪。其实最重要的是通过展览和自己沟通，这些观众能够有这种体会，一定是触摸到被忽略了的自己。

人们在生活中，很多时候都是理性的去处理事情，灵魂被肉身拖累的时间太长，从而忘掉自己，这也是为什么很多人生病后，才感到忽略了自己，正常的关系灵魂与肉身应该是一体的。

展厅现场

雅昌艺术网：了解到您在创作时，会将自己放空，让自己进入到禅定的状态，再去进行创造，观众的反应和您的创作方式应该有关，能够从作品中感受到您创作时的能量。

许振：早期创作时，很容易心浮气躁，所以会尽量的让自己平静下来，其实仪式本身不重要，是通过仪式整理自己。

画家和艺术家如果有区别的话，画家是一种技能，艺术家是用心在画画，这点很关键，我在仪式过程中，让自己从内心进入作品，然后表现，捕捉那瞬间乍现的灵光。

雅昌艺术网：此次作品也是您水韵青花的最新实践，您是水韵青花的开创者，在作品中也会看到上面盖上“水韵青花”的章，了解到“水韵青花”的产生与您2010年在黄山的一段经历有关，能否谈谈您当时的感受？

许振：当时，我在黄山从光明顶往北海去的路上，刚好雨过天晴，眼前的云海似云非云似雾非雾，山形树影全都笼罩在天青色里边，周围也没有人，此情此景一人收眼底，被深深的震撼，仙境、天国我们没去过，可能就是这样，回家后就尝试把当时的视觉感精神化。

开始尝试画了几张，大家觉得挺好，开始画的过程中基本用传统笔墨，后来发现用单纯颜色更好，当然颜料和墨不一样，墨能分100层，从浓到淡，色彩像画水墨那样，就会脏掉。为了解决问题，就不断的简化画面，由于技法与传统不一样，又因为用水，颜色想到青花，所以就叫“水韵青花”。

雅昌艺术网：可以看到在您的创作中，自然是非常重要的，您是如何看待自然的？

许振：人作为万物组成部分，既身在自然之中，又要与自然融为一体，我们要遵循大自然的阴晴雨露，春夏秋冬。当春天到来，该绽放就要充分绽放。夏天到来的时候，阳气比较旺盛，就需要找遮阴的地方。

我们要学习自然，该表现的时候要好好表现，比如你是个演员，该上台时说不行了，那就不对了，下了舞台以后，还把自己当皇上也不对。

雅昌艺术网：唐代张璪提出“外师造化，中得心源”，具体到艺术创作中，如何在作品中体现“自然精神”？您会经常去写生吗？好像现在中国画大家很少去写生了，您是如何看待这个问题的？

许振：现在很多画家不写生了，不同阶段对写生的理解不一样，比如学生阶段，写生是到自然中观察，要掌握最基本描摹自然的能力，再现自然的能力。写生来说取舍非常重要，要锻炼自己汲取自然中最有价值那部分的能力和眼光。

还有，写生最为重要的是感受，我曾经冬天下着雪刻意在黄山写生，把自己置于自然之中，雪落画纸上，寒风吹着，旁边有松树、石头，和工作室环境、状态和心态完全不一样的。

我想体验把自己置于那种环境之下，是什么状态？当自己与环境融为一体时是什么感觉？会产生什么样情愫？也就是在创作中，要将自己置于真实的、活生生的环境中，感受到了什么？什么是和其他地方不一样？这种不一样很有价值，会激发出不一样的东西。

雅昌艺术网：能否谈谈当下，艺术创作中您正在思考和想要解决的问题是什么？

许振：这是一个很难回答的问题，时代变了，并且我们正处在一个不确定的时段，人工智能的快速迭代正在深刻地改变着这个世界。

就好比工业社会的发展，照相机的出现有了绘画终结论，让绘画从过去作为记录和宣传功能独立出来，绘画回到绘画本身。随着时代发展，人们对世界认知在发展，今天我们对绘画的理解不能够仅限在过去，线条功底如何，姿势对不对，造型准不准，符合不符合古典绘画东西等，不是说古典不好，古典对应它那个时代已经完成它的使命了。

在我看来，绘画是由物质和精神构成的，精神层面，绘画是人们精神领域走向去蔽的重要标志。当然，作为艺术家能走多远，我不去做过多的预测，还是坚持一点，做一个纯粹的艺术家。所有的风格说、语言说、地域说、材料说，把绘画推到极致时，这些东西都不是重要的，艺术一定跟这个时代有关，要表现出对这个时代的思考，时光流逝回过头来要用“时代之眼”看，作品要跟时代有关系。

还有，艺术家的创作是一种对生命的关注关照，所有的问题都会牵扯到个体的生命，人的自由。作为艺术家来说，如果失去了感动，就失去艺术的生命力，还能感动就好办。

关于韩建美术馆

韩建美术馆作为北京西南地区第一家当代美术馆，场馆位于良乡，展厅面积1600平方米，是北京韩建集团全资打造的文化艺术项目，是韩建集团旗下文旅产业板块的一家文化艺术机构。韩建美术馆创办于2020年10月，是以承办国内外艺术家展览、公共教育、文化沙龙、生活美学空间于一体的艺术机构，倡导让艺术亲近美好生活的理念。