来源：余堃 Art Center 、iloveCHAO

艺术版画（Fine Art Prints）是艺术家与版画工作室之间密切合作的结果。

版画并非仅出现在用于商业销售的大批量创作当中。艺术家与版画工作室会合作完成有版数限制的作品，通过艺术家、画廊或出版商规定的特定渠道进行销售。

从结果的角度来说，它们是真正的艺术创作，对于艺术家而言，版画的重要性与其他纸上创作并无分别。

CHAO版画工作室每年邀请来自全世界范围内的优秀艺术家进行驻地创作。多位艺术家来到CHAO版画工作室进行创作，包括Gary Hill、Michael Caning、刘小东、颜磊、孟禄丁、张晓刚、隋建国等。

2021年艺术家杨君在CHAO开始了系列版画作品《鸟人》、《空城记》、《未知系统》、《未知坐标》的制作，2023年在创作完成后，CHAO团队来到了艺术家杨君的工作室，采访了艺术家近期的创作历程。

跨越三年的再次采访碰撞，艺术家杨君为CHAO带来了新的创作作品，以及在时间的变化中，艺术家如何坚持自己的方法，绘制了更为广阔的创作思路。

鸟人 Birdman

Silkscreen 85 x 58 cm

Canson Edition paper 102 x 78 cm

Printed in 6 colors

50 Edition

2021

Printed at CHAO Printmaking Studio ｜Beijing

空城记 Empty City

Aquatint , dry-point on copper plates 120 x 80 cm

Magenani paper 123 x 83 cm

Printed in 6 colors

Edition 50

2021

Printed at CHAO Printmaking Studio ｜Beijing

未知系统 Unknown system

Lithography & silkscreen 72 x 100 cm

Canson Edition paper 110 x 80 cm

Printed in 7 colors

Edition 30

2021

Printed at CHAO Printmaking Studio ｜Beijing

未知坐标 Unknown coordinates

Lithography & silkscreen 72 x 100 cm x 5

Canson Edition paper 110 x 80 cm

Printed in 2 colors

Edition 6

2021

Printed at CHAO Printmaking Studio ｜Beijing

“艺术也好，还是什么其他表现形式也好，有些东西做为工具，它其实就是这样。”

杨君制作《未知系统》石版画工作图

在采访中，杨君谈到从年少时美院的求学及执教经历，到德国近30年的旅居生活，再回到国内，经历了东西方社会进程的巨大转变，不再是偏执的谈论形式化真理，而是以更为全面性的格局去审视个体与庞大整体的不同存异。

1989年“中国现代艺术展”在北京东城区五四大街的中国美术馆举办。展览回顾总结了80年代以来的艺术运动和流派，同时也开启了九十年代中国前卫艺术的大门。

无题 Untitled

ASIANA: Contemporary Art from the FarEast

摄影，灯箱装置

300 x 400 cm

1995

从1989年的中国现代艺术展，到威尼斯双年展平行展“远东当代艺术展”中的装置《无题》，艺术家处在极具特色的社会转型时期，社会各项制度关系重建、旗帜性的压制造成集体性创伤反映在个人极具冲动的表现欲望中。

到近几年的《快乐蜗牛》、《游荡在夏夜里》、《圣山一号》、《北极狐的眼泪》，经历过长达几十年的文化变革与社会迁徙，从故乡去往德国再回到故乡，艺术家的地域记忆如一条隐形的线串联起具有时代烙印的历史回忆，鬼怪传说，个人经验，将带有民族性的世界审视从而转换成带有个人体验式的绘画语言。

圣山一号

布画油画 丙烯

700 x 900 cm

2022

北极狐的眼泪

布画油画 丙烯

1200 x 1500 cm

2022

Q: 在此次的CHAO版画艺术家驻留中，您使用版画这一媒介来创作作品，您如何理解版画与材料的关系？

A: 我很好奇石版、铜版、丝网等材料的属性，以及对这些材料腐蚀和转印之后画面的质感抱有期待。它的形式古老而有趣，和我们现在谈论的“媒介”是一样的，尤其从艺术的角度，它甚至更像“自媒体”，你可以从中找到被限制的涂鸦式快感，并且让这种快感通过复制传递出去。

在我看来，版画具有传播某种神秘信息的功能，当你在不止一个地方看到完全相同的画面，并且了解到它是在一些特定的专业技术空间里被人精心制造出来的时候，显然它不仅仅是“绘画”了。

Q: 您的艺术创作状态可以和我们谈一下吗？

A:我的创作状态不是固定的，有时候我会半夜起来画一张画，我很难向你描述这种场景，可能是静悄悄的也可能是带着冲动去拿起画笔，某种程度甚至会将身体因素投入进去。我以为艺术不应该是一种工作，相反它是在不工作状态下的身心运动。

镜花水月 （1号 2号 3号）

90 x 120 cm  x 3

丙烯 油画

2023

Q: 您认为艺术的创作最重要的是什么？

A: 真诚，由里而外的，不是要去表达的那种真诚，是内心故有的真诚。我认为艺术应该是这个世界最不真实的事物，正因如此，它反过来需要你用最真诚的态度去对待它。艺术本身就构成一种事实，它无需再去伪装、模仿或再现某种事实。

蒲公英

50 x 70 cm

丙烯 油画

2023

Q: 您在今年的创作中对于绘画的定义相对于之前有什么变化吗？

A: 没有什么变化，我不想成为画家式的画家，正如眼前的《这个世界》，它会伴随我往后的“余生”，成为我对这个不断变化的世界进行不断变化的描绘，若干年后它肯定不会是现在这个样子，我想我是一个涂鸦者。

The world（这个世界）

220 x 600 cm 

丙烯 油画（未完成）

2022 — ？

Q: 您之前生活在德国后面回到国内，对于当代艺术的想法变化会随着时间年代的不同而有不同的理解，您是如何理解当代艺术的呢？

A: “当代艺术”表面上只是一个现象，和古典艺术、现代艺术等一样，但艺术不只是由现象构成，就像早年我们看到过很前卫的作品，后来再看更前卫的东西。

40年过去了，“当代艺术”听起来像是一种发展了很久的事物，如今，我以为“当代（主义）艺术”可能相对于“当代艺术”更能激发出一些想象。

它不是样式上的不断更新，不是前不前卫或者激不激进，而是它够不够边缘化，够不够对将来某一个时期的现实可能产生影响。当下的现实是小红书、抖音和微视频，如果我想成为当下的英雄，会去当一位博主，而不是勉强地通过一个展览在只招揽了不到2百个观众面前发出嘶吼或娇滴声。‍

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杨君（J.Yang）20世纪60年代出生在中国，1985年毕业于中央美术学院，1992年旅居德国，现生活工作于北京和柏林。他创作方式多元，涉及摄影、绘画、影像和装置等。

【 杨君的艺术文献（图片） 】