展览地点：悉畔画廊 | Scieppan Gallery

Shop 2/1 Francis St, Darlinghurst NSW AUSTRALIA 2010

展览时间：2023年10月7日－11月4日

周一至周六 10am－5pm

"矩阵是一种可以制作另一幅图像的东西。"

（查克·克洛斯，摘自《查克·克洛斯的过程与合作》，作者：特里·苏尔坦，普雷斯泰尔，慕尼黑，2014年）

在与四位艺术家的对话中，安吉拉·海森、安德鲁·托特曼、李宏和张华洁讨论了这次展览标题中关键词的使用。

对于第一个词“画笔“，他们认为在不同的绘画技巧中，手的运动和手势表达，不仅提供了概念和画布或是画板之间的媒介，而且从本质上开始了创作的过程。

第二个词“矩阵”是认识到概念的形成必须从一个刺激点开始，然后传导到技术和材料。这是一种三方面的舞蹈，在几乎无意识的思维、手势和应用材料的表面之间协同演绎。一旦学会了，这个舞蹈既是有意识的，又是直觉的，同时涉及到整个动作以及思维。

更普遍地说，矩阵这个术语本质上表示一种计划或公式，一项引导任务，允许个人内容和叙事叠加在其中。对于这些艺术家来说，矩阵是连接的基本要素，为版画和绘画提供了构建材料。

尽管四位艺术家在完全不同的背景中完善了他们的创作技巧，并使用了各种不同的技术，但他们在手势表现主义的重要性上达成了统一。这种基本以及可定义的表达方式将四位艺术家联系在一起。它为艺术家的独特创作提供了一个框架。这样的表现形式通过沉浸在大自然，以及风景中光线和形状的密码中获得启发，以及对转瞬即逝的光线、季节变化的思考，为观者带来了一种发人深省的探索。

值得注意的是，由自然环境的影响产生了抽象的图像；在手势的即时性、绘画的材料性和表达的自发性中，他们创造了抽象作品。

尽管抽象既是非具象的，又是非代表性的，但它仍然传达意义，就像任何其他的交流一样。它为其内容提供了形式框架和观众重新解释的参考。抽象有能力拆解传统的理解结构，同时表达个体经验。最重要的是，抽象是一种无法定义的语言。

传统的版画被定义为通过一个单独的印刷表面（或“矩阵“，即蚀刻版、石头、木块或模板）制作的作品，这个印刷表面被置于艺术家的手和最终画面之间。海森和托特曼都在他们的创作中使用版画技术。

安吉拉·海森｜北领地的布罗德米尔站2018｜多木刻印刷｜50x170cm

作为悉尼的一位艺术家，海森在各种国际和澳大利亚国内的场馆展出过。在过去的十六年里，她探索了包括绘画、版画和最近的雕塑在内的一系列创作形式。

海森受到北领地多棱角的灌木和风化的岩石形态的影响，通过多层次的形状和颜色的纹理，与这片土地产生了联系。

这是一个气候恶劣，受潮湿和干燥季节支配，通常炎热和潮湿的环境。多木版技术使海森能够叠加大量的纹理、颜色和形状，这些元素都反映了那片尘土飞扬的土地、灌木桉树和岩石形态。这些不仅是当代的象征，还与古老时代的灵性产生共鸣。

海森的图像起源于自然界的各个方面，从小型种子荚到围绕着西湾地区景观的巨大岩石结构。通过多木块技术，海森在透明的颜色之上叠加形状，建立了一种永恒、飘渺的古老感觉。

海森的作品呈现出一种既即时又永恒的表现与抽象的交汇。正如她所解释的那样，这个景观的不变性唤起了与过去生活的共鸣... “我的兴趣在于从大自然中作为人类连接看到人格化的元素”。

托特曼在成为版画家和画家多年后，作品在世界各地的博物馆和画廊展出。

安德鲁·托特曼｜水平之光 2023｜多版与糨纸｜66.5x50cm

传统上，版画要求秩序、精确和系统化。然而，在准备版画板或块（矩阵）的结构中，总是有一种发现和揭示的感觉，因为图像是从原始图像印刷而来的。

通过他的手势表现方法，托特曼享受着那种可控的不可预测性。这可以从透明颜色的节奏性扫描线和形状中看出，这些形状在表面上产生了一种羽毛般的、脉动的光线。托特曼总是受到纯粹色彩的启发，他将许多丰富的宝石颜料叠加在一起，配以抒情的手势表现。他轻轻地触摸世界，用引人入胜的轻柔波浪触碰着，从最宽的画笔触，逐渐精炼到无限微小的触碰。最终的图像既具有诱人性又具有沉浸性。

尽管本质上是抽象的，但托特曼坚称他的动力来自于自然界的变化，来自于季节、月亮和潮汐的循环。他说：“我发现艺术（形式和表面）与人类精神和变化、自然世界中的可变性之间有着联系。”

张华洁在中国和澳大利亚举办过多次展览，是一位涉足电影、观念摄影和绘画以及装置等多个领域的艺术家。

张华洁｜山海哀歌·第5号 2022｜综合材料｜122 x 198cm

从土地中汲取他的视觉概念，张华洁发现即使是自然界最小的层面也可以成为有价值的材料和主题的来源。对自然环境的兴趣也体现在一些从自然中发现和再创造的物体上，这些物体，比如被森林大火烧毁的树木，被艺术家独特地呈现为绘画和装置雕塑。

张华洁的抽象作品通常使用真实的碎矿物和土壤、贝壳以及从这些材料中获得的颜料制作。这种有丰富肌理的作品质感，可以一直回溯到几十年前，受欧美抽象主义运动启发的传统。同时，具有东方空寂美学背景的张华洁也在浓重肌理和使用真实土壤材料中发展了澳洲土著艺术的传统。因此，这些作品既关于土地，也属于历史和当下，它表达了不确定性，就像自然的不断变化一样。由于这些作品是非具象的，使得肌理和颜色，拥有一种冥想的美感和神秘的精神指向，令人沉浸其中。

自2007年以来，李宏一直在澳大利亚、中国和国际上展出作品。现在居住和工作在悉尼，李宏的背景还包括木刻印刷和绘画。

李宏｜飘过的春风 2023｜布面油画｜180x120cm

在这些绘画中，李宏的概念受到了自然景观的启发。简化的形状和“几乎”雕刻出的形态似乎让人联想到在木块上刻出的轮廓。厚涂抹的油彩形成了一个充满波纹的标志，捕捉了光线，呈现出独立的脉动阴影和反射。通过将油彩涂抹成深深的槽纹重新确定了结构，一个复杂交错和重叠的构图，提供了一种间接的意象。

使用大自然和谐的颜色，李宏意图描绘春天的象征性表现，让人回想起树叶上的斑驳光影和空气中的微风，它是“对生死循环的庆祝”。在自然的启发下，这些绘画与灌木地创造出的深影和跳动的光线相呼应；形状被简化和风格化，但又能生动地表现出切过人们路径的光线。作为季节不屈不挠的一部分，艺术家将春天视为“信仰和希望的象征”。

在一个时代不断政治化的视觉艺术时代，看到一群以探索自然界为抱负的艺术家是令人耳目一新的。这些艺术家都非常“当下”，提供了他们与土地互动的个人经历和见解。手势表达的语义潜力是这些图像的抽象特质所固有的。观众对抽象有着即时的情感回应，因为抽象超越了语言。它表达了难以言表的、耐人寻味的东西。

————— 米歇尔·瓦茨 2023年9月，澳大利亚悉尼