“每次作画，就像下围棋似的，我总是先将浓黑的墨放在白净的宣纸上，然后慢慢游走，将我心里的记忆和想象带动起来。”刘巨德习惯用一米长的大笔，几个小时举着笔作画。他的创作没有预设，是通过抽象的点和线在纸上不断旋转游走，慢慢幻化出了物。

他笔下的作品是一个个活着的生命，“它们有形有色，有气有骨，有风貌，是一个活态，是自己生长出来的。”刘巨德认为画画的过程就是模仿道生万物的过程。“形、色、线、光犹如一个抽象的空框，万物皆聚合在空框的有无间，常人把一张纸一块画布视为一个容器，只考虑将某个物象或众多物象放进去。我则想象在抽象的空间内生出物象，物象和空间在我心里是一个不可分割的场，他们互生互长。”

刘巨德1970年毕业于中央工艺美术学院，1978年考取该院研究生，1980年毕业留校任教。本科学习于陶瓷美术系，研究生时跟随导师庞薰琹研习中国传统艺术与西方现代绘画比较，工作后给吴冠中先生做助教，中西兼修。他认为：“面对万物，西方人要‘打开看’，要剖析，讲究结构准确，而国人‘抱着听’，听之以气，讲究气韵生动。”他的作品无论国画、油画、陶艺还是雕塑，都一脉相承。

近日，由清华大学美术学院作为学术支持的“游走——刘巨德艺术作品展”在北京悦阳空间展出。展览展出了刘巨德的国画、陶塑、瓷艺作品70余件，都是他近几年来艺术探索的代表性创作，反映了他心游故土，逆流而上，寻源问道的艺术情怀。

刘巨德说自己是来自“后草地”的人。他喜欢画草，也喜欢画沙漠。无论是画草还是沙漠，都是他对生命的思考和追问。他“用看不见的去画看得见的，用看得见的，去画看不见的。”游走在画作的每一个角落。

艺术家 刘巨德

【对话】

雅昌艺术网：请您为我们介绍一下此次展览的名称“游走”，有着怎样的含义？

刘巨德：“游走”是我作画的一种状态、一种方式。每次作画，就像下围棋似的，我总是先将浓黑的墨放在白净的宣纸上，然后慢慢游走，将我心里的记忆和想象带动起来。我的创作没有预设，不是先入为主。那些墨块、墨点、墨线是什么物象，似是而非，我并不完全清楚。一个点可以幻化万物，范围很广。一条线曲线可以变成山、水、人、草等等。正是这种不确定性的抽象点、线关系，引发着我，牵动着我跟它游走。即千笔万笔非一笔是物，最终又都幻化出了物。

雅昌艺术网：逐渐幻化的过程非常微妙，包含了您的情感，也调动很多思绪。此次展览展出了您一件新作《花开后草地》，请您就这件作品具体为我们讲讲“游走”“幻化”的过程。

刘巨德：这件作品的创作过程有一段录像。当时是一位学生过生日收到了一束小花，她希望我根据这束花来画一张画。我看着小花突然想到了我记忆中童年的草原，这束花就是一个引子，也像一个音符，我要根据这个音符创作一个大的交响乐。于是我铺开一张白色宣纸，拿一米长的大笔蘸上浓墨，通过抽象的点和线在纸上不断旋转游走，逐渐形成点线抽象的韵律，弥漫全纸。我作画不是从局部去延伸，而是同时生发。当线和点画的越来越多，越密的时候，草的感觉逐渐浮现，花也要开放了。花开在哪里，要看草的意愿。我画的时候不是一朵花、一根草的画，而是全面铺开，最后变成了草，变成了花。之后是着色，这是一个补气的过程。着色不是在模仿草的颜色，是将画作的气韵壮大，让空间更饱满。

我根据记忆中后草地秋季的颜色，调出土橙色和灰墨，这时的墨在我眼里已不是墨，是冷暖。在着色的过程当中，色也变成了点和线。黑点、红点、白点、黄点、灰点、实点、虚点、书写的点、抖落的点，密密麻麻。这幅作品以点为主，线是第二位的，花朵纷繁，有序又无序，分布各个角落。我在创作时也在用心触摸着画面的每一个角落，让气在画中游走。

这种作画过程是凭着记忆、想象和直觉，似花非花，似草非草。我觉得画必须要有似是而非才会更好，有似与不似的感觉。让画作的每一个角落和整体游动起来，才有活气，才更生动，有情又有道，用看不见的去画看得见的，用看得见的，去画看不见的，方能从有限中通向无限。

雅昌艺术网：这次展出很多2023年的新作，这批作品与以往相比有哪些变化？

刘巨德：此次展出的小作品较多，大作品少，年度跨越较大，从最早80年代的作品，到现在的都有。整体看上去变化还是挺大，整体风格也并不统一，但个人特点明显，一看就是我的作品，最重要的原因是我探索的“点”一直没变，都带着我的影子。

我无法重复自己的画，一落笔就会跟感觉走，气韵带着我走，抽象点线韵律推着我走。第一笔一落，其情其动就像无形律动开始游走，没有预设，只有变化。

雅昌艺术网：您的作品中西相融，您是如何理解中国传统文化与西方文化相结合的？

刘巨德：中西方绘画有很多是相通的。我在研究生期间，导师庞先生就让我们进行中国传统艺术与西方现代艺术的比较研究。我发现中西方有很多共同之处，西方一些大的巨作和中国山水很像，整个建构是一样的。

面对万物，西方人要“打开看”，要剖析，讲究结构准确，而国人“抱着听”，听之以气，讲究气韵生动。前者找看得见的，后者找看不见的，这是文化的差异。“打开看”和“抱着听”是两条一实一虚互补的路，他们都是人类的智慧。从后期印象派以后，这两条路的亲和信大大增强，既相向而行，又距离贴近。当然古典艺术中也早存在着这种差异的亲和性，到后期印象派几乎重合了，都在探秘那个神秘而不可琢磨的“道”，塞尚叫隐秘的“根”。

我看中西经典绘画，是在找他们的相似之处。相似是在背后，在根部，看不见，只要看见了，中西绘画自然而然地会结合。我的绘画创作是中西自然而然地融合，是内在的，不是外在的，不是人为的，不是预设的。

雀鸟灵光 145cm×363cm 2016 绘画 纸本水墨

雅昌艺术网：您刚才谈到画作是慢慢生长的，能感受到您是对生命的敬畏和感悟，在艺术创作中您也强调对于生命的体悟，请就此谈谈您的创作感悟。

刘巨德：绘画也是一个生命，一幅画也是一个活的生命。它们有形有色，有气有骨，有风貌，是一个活态，是自己生长出来的。

画画的过程就是模仿道生万物的过程。“道”是中国人对终极真理追寻的一个称谓，代表了中国哲人的自然观、宇宙观、生命观。

绘画是一个观道、悟道的过程，就像庖丁解牛一样，一开始看起来是牛，最后心里没有牛。庖丁好“道”也，我也是好“道者”。古人早就说过“画即道”“以一管之笔拟太虚之体。”我感觉自己离古人越来越近，心灵与古人更贴近。绘画旨在模拟道生万物，万物生道的博大情怀和宇宙之理。

雅昌艺术网：此次在一楼展出了一件装置艺术“流沙湾”，请谈一谈您关于这件作品背后的故事。

刘巨德： 这件作品是我童年的记忆，也是我对生命的感悟，是体验生命的结果。我小时候上学要走很长的路，经过一片沙丘时经常有动物的遗骨，尤其是晚上骨头上的磷火闪闪发光，走的时候很害怕。

长大之后我才知道那是磷光，像是萤火虫一样一闪一闪。我觉得那些磷光代表着生命，一闪一闪而来，一闪一闪而去，每个人都是如此，生命里的能量就是那一束光。

关于这段记忆我写过一首诗：

风吹绿了羊头骨

看见青铜

想找一个背风的地方

趁着黄沙埋尽前

说出自己生前的谜

流沙听着沉默无语

不停地掩埋

也掩埋着自己

这件作品是我对生命的一种思考。沙丘的外形是一只和平鸽，希望和平永在。

雅昌艺术网：您经常写诗，在创作中多次提及音乐的韵律节奏，您觉得诗歌、文学、音乐在您的艺术创作中起着怎样的作用？

刘巨德：这些对于艺术创作都很重要，尤其是绘画，它需要诗歌、文学、音乐的滋养。文学探索人的灵魂，音乐探索宇宙的虚空，绘画也一样，是认识人的灵魂和宇宙虚空的另一种方式。

我的老师庞薰琹先生曾讲过“装饰艺术”，他说：“装，藏也，宇宙大理在内看不见。饰文采也，生命之节律。”装饰艺术实际是以天地大道倾诉人性之情的艺术称谓，囊括了纯艺术、设计艺术、以及文学、诗歌、音乐等，很讲究形式，不求形似，而重生命的节律和韵态。所以庞先生研究装饰艺术，被称为形式主义，装饰艺术实际是一个形而上的纯艺术。通过我们的实践和其他理论研读，我觉得庞先生解释非常准确。庞先生非常喜欢音乐，经常用音乐来讲绘画，文学、诗歌、音乐，在我脑海里是不分家的。

雅昌艺术网：谢谢！