一抹青灰、碎形影像，从事物的毛孔及表面特征开始观察，某种敏锐的线条，总像是不断的碰触创作者的末梢神经，藉由笔尖与跨媒材的探索，理解自身与所处空间环境的关系。旅居英国的青年艺术家任天宇，擅长透过绘画、复合媒材制作、摄影及动态影像的多元创作模式，表达她对日常生活与现代都会心灵的艺术反思，而对于创作母题中的想像成份，往往是要从关于：自然／城市；个体／群体；诗意的／冷酷的；放松的／紧张的，等如上的状态描述词，进一步理解，在图像与叙事之间产生的感受性与张力，同时这些不同的状态乍看矛盾对立，但却是表达一种生命体，透过创作而进入到一种抽离状态（或说超越状态）时，以一种鸟瞰式的视野，看见的整体动态变化。同时对于创作者而言，也是在过程中不断寻觅着自我的主体、社会结构中的群体性及个别角色位置，相互呼应，产生对话关系－藉由作品的视觉语言表达出来。

在艺术家多元的表现形式之中， 「动态影像」和「拼贴」 ，是她进一步深化创作语言及思考的重要表现。观看任天宇的早期作品，她多聚焦于「自然」与「城市」两者产生的辩证关系，人类近代文明，自工业蓬勃发展并带入资本主义的运作模式，彻底改变了自然的循环周期与自我修复及创生的速率，例如我们可以观察她作品「拼贴」为绘画与影像带来的效果，多产生一种不协调或冲突的特性，而拼贴的手法又像是一种「缝合」，把人类的意志、生产物，以及追求效率与利益的价值观念， “缝＂进了山川自然与这个世界本来给予的原生之力。

以此探讨真实和虚幻想像、自然和城市交界的模糊地带。除了「缝合」，另一方面，她也透过「切割」与「重组」的方式，让创作者的情感与感性内容，如残响般延留于画面之中。

《未见光前的静谧》展览图

复合媒材系列作品《未见光前的静谧》正是以此思考作为展开的典型创作。任天宇运用多层次的图像呈现了水面、船只、码头等等以及一些自然与城市元素彼此的融合，让整体充满了流动性和不确定感。

作品灵感，源自于艺术家自身对于「河流」的实地观察延伸的想像，探讨实景与想像之间的落差。

而在此系列的创作之后，也促使她她进一步反思，自身过往的成长经历，所形成对事物的刻板印象：例如以城市人的经验，理解自然呈现的印象，或说对于个体生命与集体意识的相对关系，这里面引发了许多的冲突及反思，但她并未试图通过作品为这一种差异进行弥合、抚平，而是将其保留为一种持续存在的张力，使个人经验中的不确定性成为视觉语言的重要组成部分。

另一方面，深入来说，在拼贴作品以不同的组件展示上墙，任天宇在原来的作品又覆上了一层半透明图纸，上面依旧也有新的拼贴图像造型，产生了多层影像上下相交叠的垂直对话关系，为图像带来新的解读。正如拼贴这艺术类型的标志性创作手法，不同层次的图像揭示了不同的意义。第一层图像代表了她过去拥有的刻板印象和被灌输的固有观念，第二层则表达了充满不确定性的现实处境。整个作品的完成始于与观众的互动，观众需要亲自撕开覆盖的部分才能看到下一层的作品。观众在观看伊始就被呼吁参与到互动中，这种以「撕开」为核心的参与机制在形式上强化了打破既有认知的隐喻，但同时也在一定程度上预设了作品的理解方式和观看角度是双向的，使观者更大的程度，可以沿着艺术家所构建的视觉呈现逻辑，进入作品内部。

《未见光前的静谧-3》

在《未见光前的静谧-3》中，任天宇以细腻的拼贴语言描述了她所看到的河面景色。这件作品呈现出一种漂浮感，仿佛现实与记忆交叠，观看作品的过程，我们的内心，或许会产生一种吊诡的状态，看到这个作品虽然整体呈现一抹宁静的光景，但却也隐隐的蓄积一种压抑的情愫。河岸与远方的海涛，动荡的水面、波纹和碎片化的自然纹理切片，传达出了一种流变的心理感受。同时在叙事上，也呈现了城市及自然环境之间微妙的张力，这是关于人与自然的对应，同时也是日常生活与社会集体之间，用另一种象征性的表达手法，凸显的现象观察。

而在任天宇的后期创作实践，《我的私人区域需要几把椅子-第四把椅子》可说是代表作之一，在这此时期的创作思索里，艺术家将移动的影像与翻页图书的载体形式，相互结合，借由识读方式的改变，探究人们在现代社会中不同沟通模式，在作品的组成元素中，尤其侧重于「讲电话」和「打文字」这两种不同的交流方式，双方在理解上产生的细微差异。

《我的私人区域需要几把椅子-第四把椅子》动态影像作品截图-1

作品的核心在于探讨于现代社会，要脱离「社群化」 （ s ocialization）连结的愈发不可能，而「个体」对于保有完整、独立、高品质的「个人空间」（ personal space ）渴望，在现实与心理方面的需求，反而更加强烈。

而「社群互动」与「个人空间」产生的矛盾状态，归根结柢跟「边界感」有所关联，涉及公开与隐私的边界，究竟是要开放还是保有界线？是人们面对社会化与保有自我，两者碰撞产生的问题。任天宇透过动态影像得创作手法，以抽象的画面语言和声音，强调了过于紧密的社交氛围可能对心理安全构成威胁。

《我的私人区域需要几把椅子-第四把椅子》动态影像作品截图-2

在内容探讨方面，她试图借此与观众探讨两个生活化的问题：一是我们如何在当代社会密切的人际交往中保护自己的私人空间不被打扰；二是为何我们往往更倾向文字交流，而非直接透过电话或面对面交谈。作品并未对沟通方式本身作出判断，而是将不安与回避持续置于观看场景之中，等待问题在观者的日常经验中得到延伸。深入来谈，任天宇的多组不同创作系列，讨论涉及了心理边界、隐私保护以及社交方式对心理状态的影响，由此反映出个人在现代社会中对安全感的诉求与探索。不过，作品并未试图对此问题进行结构性的分析，或对其背后的成因进行立场明确的批判，而是选择将不适与回避本身作为表达核心。

《我的私人区域需要几把椅子-第四把椅子》翻页图书

与之相对，翻页图书部分则以更为具体的叙事方式，记录了艺术家本人面对不同生活情境中对电话沟通的抗拒：例如突如其来的来电保持回避，或者在信息发送后焦虑等待，以及面对多次未接电话时的逃避反应。透过动态数位影像与实体翻页图书，也打破了线性叙事的单一性，以动态的识读方式，触发思考。而在构成形式上的简化、比喻和解构重组等手法，让创作最终呈现出一种以主观感受为核心的创作意象。

综观任天宇的创作，常能唤起我们日常生活中的共鸣，并引发对自身生活状态的重新检视。她以抽象与叙事结合的方式，将个人经验转化为可被感知的画面和情感投射的对象，使观众得以在作品中找到情绪与生活经验的对应点。这种创作方式，为观者带来一种阅读的亲近感。然而，她对感受与心理状态的持续关注，也在某程度上将作品的批判性维持在较为温和内敛的层面，保留了许多空隙，而为想像保留了空间。任天宇的创作虽关切社会性的讨论，但她并未试图深入展开对其背后社会结构与机制脉络的分析。

而更多的是，透过经验的共鸣、带有暧昧性的立场，表达艺术创作者介入现实的姿态。在克制与开放之间，任天宇的创作，让拼贴与动态影像，形成了一种对于现实与内在独特的关照方式。拼贴作品特有的拼合感与对不同媒材的包容，强化了一种不稳定与变化的状态。这种创作方式虽然能够承载她复杂的个人经验，但也使得作品更偏向呈现个体情绪和感受，而非对特定现象的明确定义与诠释。

作品不试图提供结论，而是邀请观者，在观看的过程带入自身的日常经验，延续对这些问题的感受与体察。