首饰艺术，是佩戴在身体上的微型宇宙，将材料、工艺、文化符号与个人叙事浓缩于方寸之间，身体便成了一座流动的美术馆。它既是私密的身份隐喻，又是张扬的社会宣言。从远古的护身符到当代的概念装置，首饰不断重新定义着身体与空间的对话方式。

2009—2012年，贺亚楠在格拉斯哥艺术学院首饰与银器设计专业学习，GSA以其身后的工艺传统和先锋的实验精神闻名。课程植根于英国金工艺术的历史脉络，同时鼓励跨学科探索，涵盖传统金属锻造、珐琅、宝石镶嵌，以及当代数字制造（如3D打印、激光切割）等技法。在这里，“材料即语言”——无论是贵金属、回收物，还是综合媒介，都能成为表达的载体。导师团队由活跃于行业的艺术家和匠人组成，他们不仅教授学生技艺，也引导学生们从文化、社会、身体关系等维度重新思考首饰与器物的意义。在GSA的学习，是一场“手与脑的双重训练”。锯切、焊接、錾刻、铸造......在工作室的敲打声中，她学会了与金属“对话”，也体会到传统工艺的精确与温度。三年的学习经历对贺亚楠的影响深刻，每个课题的sketchbook，不仅是记录创作的过程，更是思维的可视化呈现，让她形成了个人艺术创作的方式。通过每个项目的研究-发展-想法建立-作品制作，这个过程也是做事情的逻辑，她养成了用设计思维去解决问题的习惯。金工技术课程中对细节和技术的要求，培养了做事情的缜密性和全局把控的意识能力。

Sketchbook创作过程，2011，综合材料

在英国学习期间，去逛博物馆和美术馆是贺亚楠生活中重要的一部分。英国的博物馆资源是全球高端的，除了众所周知的大英博物馆、英国国家画廊、泰特和维多利亚&阿尔伯特博物馆，还有许多小众的私人博物馆（华莱士收藏馆、约翰·索恩爵士博物馆等）。她尤其喜欢在一件艺术品前驻足，尝试思考它的线条、形状、颜色、构图、材质和主题，感受它传递的情感。亚历山大·麦昆把维多利亚和阿尔伯特博物馆描述成给他启发和灵感的地方，甚至希望自己可以被整夜关在里面不出来。由此可见，频繁的观展经历让她在艺术创作中汲取大量的想法和灵感，也培养了对艺术品的鉴赏力和个人审美观。艺术是一场没有规则的感官游戏。

除了从博物馆中的展品和展览中让自己保持前卫的想法，收集在生活或旅行中遇到的感兴趣的文化符号、物体元素、自然形态或某个瞬间或某种个人记忆感受作为设计语言，也是贺亚楠个人日常创作的方式。思考不同材质如何表达主题，先通过绘画进行探索，研究如何通过一些元素、材料等媒介去表达自己期待传递的情感，再亲手制作出来展示给参观者，她相信艺术语言的力量是强大的、可抚慰人心和沁人心脾的。

“岁月之痕·胸针5” 2012，氧化银、铜镀24K金

对于贺亚楠来说，珠宝首饰不仅仅是装饰品，它是历史、文化和人类接触之间的对话。近期在伦敦手工艺周LCW25: Unanchored Crafting和2025上海Aart上海城市艺术博览会展览中，她选择了“岁月之痕”主题系列艺术首饰作品去参展，这个系列的作品也曾荣获GSA“Richard Hubbard Arroll Memorial Prize”奖项。她一直对中国传统文化很感兴趣，特别是中国传统建筑。创作思路是从其复杂的结构和装饰图案中汲取灵感，通过元素重新组合和排列，唤起流畅的节奏感和视觉扩展，通过将氧化银（一种银的做旧处理方式）与金箔等对比材料相结合的方式，实现了现代与永恒并存的设计理念，传统和创新和谐共生。让佩戴者能够以微妙和优雅的方式携带文化遗产片段。

2025上海Aart上海城市艺术博览会展览

首饰艺术早已突破金银宝石的传统框架，转而探索材料的哲学表达和跨媒介的边界溶解。科技介质：可穿戴LED首饰（如Anouk Wipprecht的智能头饰）通过传感器与佩戴者心跳互动，让首饰成为“活”的电子皮肤。可食用首饰：巴西艺术家Lucia Cuba用藜麦与蜂蜡制作短暂存续的项链，探讨消费与消亡。

艺术的力量，是一种超越语言、时空和文化的无形力量，它既能温柔地抚慰灵魂，又能猛烈地撞击思想。作为一名艺术首饰设计师，贺亚楠始终在重新定义“首饰”的边界—它可以是佩戴的艺术，可触摸的诗歌，甚至是社会批判的载体。未来她希望继续探索不同材料的结合和科技工艺，让金属艺术在当代语境中持续发声。

（作者：王丰）