西方美术史记载，十五世纪风景画开始从人物画的陪衬地位剥离而形成独立的画种以来，经过几代画家的逐渐完善，直至十七世纪“荷兰小画派”斯达尔(T.VAN RUISDAEL16291682)，维米尔(J.VERMEER1632一-1675)和霍贝玛(H.HOBBEMA1638-1709)对风景画创作所贡献，风景画终于走进了寻常百姓家，从而使风景画成为一个深受全社会各阶层人们赞赏的大众化的画种，在欧洲的画坛争得与人物画平起平坐的十八世纪以后，随着欧洲工业化的进展和科学技术的发展，工业机器生产的锡管装的油画颜色，丹配拉颜色相继问世，使画家可以携带它外出写生，这样使风景画取得了决定性的发展，因为画家可以直接从自然中对景写生，以往风景画不曾涉及的自然景象，如风、雨、晴晦、朝霞晚霞、雾霭以及瞬息万变的天空中的云彩在画家写生的笔下诞生了。十九世纪下半叶，印象派以善长表现自然界的外光和色彩的变化，从而将风景画创作推向了高峰。

自十七世纪风景画进入千家万户，随着风景画家能从社会不断得到订货，风景画家的社会地位逐渐提高了，于是在欧洲各国的美术院校相继开设了风景画工作室，聘请社会上知名的风景画家任教，正规地系统培养科班出身的风景画家也就开始了。在风景画工作室中每年有两次到大自然中去对景写生，行风景的基本练习，可以是素描和可以使用色彩的，其目的是要求学生研究自然景物的生长规律，感受自然界景色的壮美，广阔，变化和恢弘，体验农村田园诗般的抒情优美。具体作业要求说来简单，但要画好却不容易。基本训练之一是画树，画单棵的树，要有树干，树枝，树叉和树叶，不管用什么把树画成伞状就成，因为一棵树是个物体，它体积因而占有一定的空间，而且还有透视，要表现好就必须观察和表现树的外形边线的虚与实，加光的照射，他也就有明有暗，树叶就得归纳成一丛丛，一簇簇，画时还得注意其伞状的整体。其二是画大地，既要画出大地的辽阔和深远感，而且还要出丘陵地，不平坦地的起伏凹凸。山有脉，水有源，而且山势一层层一层的，它的层次和脉络借助明暗和色彩表现出深远感和层次感。水有源就必须注意研究堤岸与河水，小溪之间的关系，水的颜色也随着天空和岸旁的权树木花草的倒影而变化，而且画水还要注意表现其深远感和空间感。其三是画天空，我们知道高空中有浮动的云层，这些云层是随着季节，气候，时间和天空中的水滴，冰晶聚集程度不同而变幻莫测，而且高空中的云彩是一层一层的，云层之间因阳光照射差异而形成多种多样的造型和色彩，更重要的是高空空中不是平直的天幕而是呈穹窿状的，云层随着高空的风吹草动而游动着，有散有合，有厚有薄，因而比画树，画大地来得复杂和困难。但尽管如此，天空空和云彩是一幅风景画不可或缺的部分，甚至是重要的部分。

画天空是风景工作室基本训练的主要作业，它要求学生将画幅地面画低，使画幅的2/3面积可以画天空，我在上世纪五十年代中期在捷克斯洛伐克布拉格美术学院弗拉塔教授(VL.RÁDA)风景和肖像画工作室学习期间，曾六次下到农村对景写生，而后在美术院校任教时也曾带学生下基层深入生活不忘写生天空。我体会要画好天空和云彩，必须注意将画面天空的音部分，分成三个区域，画面上部的天空是“高远”的感觉，画面的色调相对要强烈些，云彩的明暗，色调对比可以强烈些，中间区域是“深远”的感觉觉，这里的蓝天白云都应稍带点“冷”味的色调和相对减弱明暗和色彩的对比，而地平线附近则属于“平远的感觉了”，这里的天空色彩应该偏紫(不是兰紫!)云彩的对比则更弱了。作画时必须加强记忆，学会归纳，寻找对比，因为，云影是浮动的，浮动有时很迅速，瞬息万变，因此画天空时通过观察迅迅速将云彩外形在画面初步画出，以不变应万变，切记边画边改。云彩本身是有体积的，而且是一层一层的，在阳光照射下就有明暗，画时注意色调的变化七和边线的虚与实的变化，使之形成漂浮在高空的感觉。云彩也不能画的太精细，太具体，因为云彩本身毕竟是水滴和冰晶聚集而形成悬浮物， 云彩太像棉花团是不好看的。

风景画工作室除了让学生在大自然中直接对景的精神，以便画出的风景画能表现出大自然的灵魂

对景写生，进行基本训练，同时也要求学生研究大自然景物的生长规律，感受大自然的“美”，追寻大自然的“美”，追寻大自然的精神，以便画出的风景画能表现出大自然的灵魂，使人们在欣赏风景画时领略到自然界的抒情优美，感受到自然界狂风暴雨的变幻莫测……从而产生亲近大自然，向往“原生态”鲜活大自然的冲动。这就是风景画艺术对人们的情感和审美情趣起到的潜移默化的社会效应。