对谈回顾

2025年7月26日，《学院对岸——艺术市场的风景》讲座于深圳雅昌艺术中心顺利举行。本次对谈将深入探讨艺术教育与市场实践的对话关系，特邀美院教授、职业艺术家、画廊主等多元视角代表，共同剖析人才所需的综合能力体系。

本次对谈不仅关注某一专业的教学转型，更将重点讨论在AI时代背景下，艺术创作者如何构建包含传统技法、数字技能、商业思维、跨界协作等在内的复合型能力框架。通过分析艺术市场真实案例，与会嘉宾将分享如何将学院派的专业素养转化为市场竞争力，探讨青年艺术家在保持艺术个性的同时，如何培养项目运营、品牌塑造、版权保护等实务能力。

对谈现场

对谈内容

广州美术学院版画系——黄肖铭教授

黄教授从2006年任教至今,观察到一届届学生最大的变化是什么?特别是过去和现在的学生在目标感上是否有显著差异?

教书这么多年来，确实能明显感受到每一届孩子的变化。最让我感慨的是，现在孩子们的目标感和我们最早那批学生很不一样了。以前的学生更像是在'找自己'，每个人都有自己的艺术追求，可能不够成熟但很有个性。现在的孩子呢，更像是“找认可”，很容易被各种流行趋势带着走。早期的学⽣更明确个⼈创作⽅向，⽽当代学⽣更多受社会期望影响选择创作内容。

举个例子，现在班上经常会出现好几个学生画风特别像的情况，这可能跟现在资讯太发达有关系——刷几个短视频就能学到最新技法，孩子们的技术进步确实比我们那时候快多了。但是，他们线下不太活跃，都是在微信上才主动沟通问问题，面对面交流时常常不知道怎么表达。

要说优势的话，现在的学生在视野上通过国际展览、数字媒体等渠道，接触全球艺术资源的⼴度远超往届。但⽣活体验与感知缺失容易导致创作"悬浮" ，学⽣过度关注技法炫技⽽缺乏真情实感。现在的孩子眼界是真开阔，动动手指就能看到全球顶尖展览。不过有时候我会担心，他们画得越来越“漂亮”，但作品里那种打动人心的生活气息反而变少了。这个现象还挺值得我们教育工作者思考的。"

您会鼓励学生尽早接触商业项目吗？

当然支持！我觉得在校期间适当接触商业项目——比如和出版社合作、接一些设计委托——对学生成长其实特别有帮助。很多人担心商业化会限制创作自由，但以我的经验来看，真正优秀的学生反而能在甲方需求和自我表达之间找到平衡。市场实践与学生的个性发展可以共存。

这类学生通常有三个特点：专业功底扎实、能快速理解客户需求，还有一点很关键——风格适应能力强。比如有的项目需要偏商业化的A类风格，有的则需要更实验性的B类风格，我会根据学生的特长推荐合适的合作机会，这样既能满足甲方，又能让学生积累实战经验，算是一种“双向成长”吧。

当然，我的建议是：别太早盲目接单，大一大二先打好基础，等能力扎实了再去尝试。毕竟，市场实践和个性发展不冲突，关键是怎么在商业环境中保持自己的艺术判断力。"

深圳插画协会秘书长——刘翔

当前国内插画行业最紧缺什么特质的艺术家? 或者有没有特定风格的艺术家更受市场青睐?

其实现在市场最缺的不是“画得最好”的插画师，而是能精准解决问题的创作者。具体来说，有三类特质：

l 商业思维+艺术表达的平衡能力——就像米开朗基罗给教皇画壁画，既满足甲方需求，又能留下传世艺术。现在的品牌方也一样，他们需要插画师既能理解市场趋势，又能注入独特创意。

l 风格适应性强——比如农夫山泉曾邀请英国插画师设计花卉类插画作品与瓶身包装做联动，成功出圈并极大的提升了品牌调性。市场不一定追捧某一种固定风格，但拥有鲜明的艺术视觉表达，且能灵活调整视觉语言与商业需求场景适配的插画师机会更多。

l 技术流程标准化——越来越多的商业项目对创意作品要求分层文件管理，单幅作品可能拆分成上百个元素，方便进行各种延展应用（比如海报、包装、动态广告、商业美陈等），不同的应用形式往往对应着不同的技术实施标准。如果学生只会“闷头画”，不懂商业的场景、应用流程和实施标准，接单时很容易出现不必要的麻烦。

学院教育与目前的插画市场该如何衔接?

插画在某种角度可以被理解为商业应⽤艺术，他的核⼼在于平衡商业诉求与艺术表达，"我觉得衔接的关键是让学生早点建立“商业艺术”的认知，我有几个建议：

以赛代练：比如深圳市插画协会主办的CIB全国插画双年展，今年已经是第十届了，现在活跃在商业市场的头部插画师，绝大多数是在CIB获奖后被品牌方看到开始走进市场。参与顶级赛事，一是能了解当下周遭其他创作者们的创意实力，二是通过斩获奖项迅速被外界看见。像第八届、第九届我们均收到了近10万件投稿作品，最终入围的也就一千来件。但这些年我们也和众多品牌开始设置主题赛道或专项赛事、共创项目，我们也很欣慰看到越来越多的年轻创作者们的天马行空创作，并通过佳作开始跟头部商业品牌建立合作，甚至有很多高校学生因为赛事获奖而直接拿到了大厂的offer。赛事活动也是创作者们去链接商业市场很重要的‘敲门砖’。

CIB全国插画双年展

产业联动：插画协会的slogan是“插画连接一切可能”，我们近些年来致力于跟各种产业联动。新兴的产业有如我们与各个手机大厂共建屏显端的内容生态，现如今互联网、通讯工具、屏显设备的大量使用，像华为、荣耀、OPPO等屏显端生态有大量的内容需求，像最简单的壁纸、主题、表盘、皮肤、抖音的特效等等，其实都有大量的直接的插画内容应用场景。单华为一个太空人的表盘设计，就创作过单年度表盘皮肤创收1.2亿的变现神话。传统的产业如文博文旅，这两年的文创火，有太多博物馆文创单品年销破亿，都是创意内容赋能转换的结果；再如纺织服装产业，同样有太多的创意设计、花稿、面料印花的需求，但目前创作者跟产业端之间还缺乏足够好的链接通道。院校教育在产业联动方面也可以多多关注。

课程“实战化”：像前面提到的产业联动，怎么在教学过程中让学生有效的直接接触商业市场、接触项目，从“实战”中成长。无论是商业课程进到高校课程体系，还是多一些学生走出来跟一线市场去接轨的通道，我认为都是值得当下的专业教育去探讨的。—— 市场不缺好画家，缺的是“懂商业的创作者”。

插画文旅文创应用

您认为插画行业目前最急需解决的痛点是什么？艺术市场化比较常见的路径有哪些?

社会发展迭代速度极快，科技不断在发展、直接的创作工具或是辅助工具也不断在发生变化，高校的实验室/多媒体设备可能3-5年就会被淘汰，创作者群体需要持续动态调整，不能固守单⼀模式。在当下这个日新月异的新时代，扎实掌握文化课和艺术专业课程，保持艺术审美能力、作品鉴赏能力，创作把控能力在线是最为重要的。这“几把刷子”AI代替不了。当然在AI普及后，传统的基础的如美工等岗位减少，但也催生了如“AI图库训练师”等新兴高价值角色。关注商业需求是必要的，但关键在于洞察本质、发挥所长，我们需要辩证看待商业需求，需要关注但也避免盲目追随。

在创作原则上，保持个人艺术表达和特色标签，在商业需求和个人特质间寻找适配点，避免完全妥协于甲方需求而丧失自我。我们需要拥抱不可逆的科技变革，建立动态发展的思维模式，持续学习新事物、新科技、新工具，多参与行业协会组织的各类活动，多关注外界在发生的事情，保持对市场变化的敏感度，培养个人独特创作视角，通过"升级打怪"式的持续进步应对行业变革。

插画商业内容合作

插画艺术的市场化路径呈现多元化趋势，常见的有如商业委托合作：为品牌、出版物、游戏、影视等提供内容创作。创作者打造具有辨识度的个人风格或角色形象，进行周边衍生品开发、版权授权。在社交平台展示作品积累影响力，并通过在线课程、教程、创作分享等实现知识变现等等。不要局限在单一的艺术市场思维里，多去发现更广的商业应用场景。

设计师——李佳蔓

可以跟我们分享下毕业后多重工作身份所带来的启发吗？各个工作内容是否会相互促进？

毕业后，我拥抱了展览视觉设计、主持人、活动宣传策划等多重职业身份。这种“斜杠”状态，既是我的主动选择，也带来了独特的挑战与机遇。它要求我在不同场景下灵活切换专业形象和工作模式，这本身就是一个不断学习和适应的过程。我的专业起点是视觉传达（动画方向）。第一次转型的契机源于参与了《视界·是界——广州美术学院水彩画系水性综合与跨界拓展工作室邀请展》的展览设计，这成为我跳出舒适区的实验性尝试。驱动我不断跨越角色的核心动力，是对个人热爱领域的持续深耕。在木星美术馆工作期间，我同时肩负公教活动策划执行与展览设计师的双重职责。这促使我主动发掘自身特长（如沟通协调、创意视觉化）以此来匹配我的工作需求。

设计师——李佳蔓日常工作照

一个标志性的能力突破点，是在策划某次纤维艺术展时，我从幕后走到台前担任主持人。通过有意识的心理建设（克服初期的不自信，逐步建立专业表达的“资格感”），我成功地将自身对展览内容的深度理解（作为核心策展参与者之一）转化为清晰、有感染力的公众表达。这次经历深刻印证：专业深度是公众表达的坚实底气。在参与粉丸的个人展设计时，我的角色再次延展：从视觉设计主导者，同步介入媒体宣传策略。我们借鉴了类似“追星文化”的预热模式，在微博/小红书等平台分阶段释放展览信息、精心构建话题、持续制造观众期待感。这种整合营销思维，让视觉设计与传播推广形成了有机联动。

可以分享“揪咪喵”的创作过程所带来的收获和成果吗？

艺术IP——‘揪咪喵’

“揪咪喵”这个IP形象的诞生，最初源于一个非常个人化的需求——它是我在工作高压下，为自己创造的一个情感出口和治愈伙伴。其核心视觉语言（甜美、软萌、极具亲和力）正是为了提供当下人们亟需的情绪价值和心灵慰藉。

看着“揪咪”一步步走出我的个人世界，是我最欣喜的经历， 从最初的随手涂鸦，到登陆草莓音乐节，成为现场充满活力的视觉符号，与年轻乐迷产生共鸣。再到接洽商业合作： 与摩登天空合作开发音乐节限定周边，成功将IP影响力转化为商业价值；随后又应用于地方文旅局主办的咖啡节，触达更广泛的人群。在与覔书店与XTOOL激光切割工坊的合作中，则探索了“揪咪”在创意工作坊和实体产品中的新可能。

“揪咪”带给我的核心启示是，要珍视微小灵感的潜力： 不要轻视任何一个源于内心的创作冲动。一个看似简单的、服务于自身情感需求的小灵感，在持续投入和机遇的催化下，完全可能生长出意想不到的枝桠，打开通往广阔天地的门。

广州美术学院版画系——甘明智教授

在日常教学中,您更倾向于“主题先导”(如设定社会议题)还是“技法材料驱动”,为什么呢?   

“主题先导”与“技法材料驱动”并非二元对立的选择题。我更倾向于视其为相互渗透、彼此启发的动态过程。不过，从教学流程的设计上，我们通常会以“主题先导”作为创作的起点和思考的锚点。我们要求学生扎实掌握传统工艺与材料特性，这是表达的基础和底层的“手艺”。对技法的精研本身就是一种修行，是理解艺术语言不可或缺的路径。

更重要的是，我们高度重视技术在运用中所承载的人文关怀与思考深度。在AI技术冲击的当下，艺术创作的独特价值恰恰在于其不可替代的人文温度、个体视角与批判性思考。技术是手段，最终指向的是“人”本身——人的情感、人的处境、人的思想。

因此，我们的具体教学路径常遵循“因材施教”原则，并采用“母题引导”的方法：

设定宽泛母题： 课程初期，我会提供一个具有包容性和启发性的核心词或概念（如“边界”、“记忆”、“共生”）。这并非限制，而是为学生提供一个思考的支点和探索的范畴，避免创作初期陷入技法或形式的空洞炫技。

个性化主题深化： 学生基于自身兴趣、经历和敏感点，在母题的框架下自主选定具体而独特的创作主题。这确保了创作的原动力来源于个体内在驱动。

自由选择技法媒介： 主题确定后，学生拥有充分的自主权选择最能承载其观念的表达技法和材料工具。无论是传统绘画、雕塑、装置，还是数字媒体、影像，只要服务于主题表达，我们都予以支持和引导。

跨学科思维建构： 我们特别鼓励并引导学生将选定的主题与哲学思辨、文学意象、社会观察、历史脉络等建立深层连接。这并非简单的“贴标签”，而是帮助他们梳理作品背后的逻辑体系，构建起支撑创作观念的思维骨架，使作品具有超越视觉层面的思想重量。

您是否建议学生在校期间接触艺术市场(如参加市集,画廊代理)过早商业化是否会影响创作纯粹性?

我尤为珍视本科阶段这段宝贵的“创作真空期”。在这个相对远离商业压力和市场干扰的环境中，学生得以最大程度地释放想象力，进行纯粹的探索和实验，勇敢试错。这份自由探索的空间，对于培养具有原创精神和独立思考能力的未来艺术家至关重要。

总结来说： “主题引导”为我们提供了思想聚焦和人文深化的入口；“技法自由”保障了个性化表达的充分实现；而对“匠人精神”的坚守（技艺+人文）和“跨学科连接”的强调，则是我们回应AI时代挑战、培养具有独特人文价值与核心竞争力艺术人才的核心答案。本科阶段的“真空期”正是孕育这一切的沃土。

在教学中如何引导学生从”作业思维”转向”作品思维”形成个人艺术语言,是否有成功的学生案例可以分享?

艺术创作的核心是表达，而不仅仅是技术训练。我鼓励学生将日常观察、记忆甚至情绪转化为创作的起点，让作品成为生活的延伸，而非单纯的教学成果。比如，通过长期记录某种视觉习惯或生活痕迹，逐渐形成独特的视觉语言。  

艺术行业无法回避市场因素，但真正的艺术家应当在商业成功的基础上，仍然保持创作的独立性和实验性。教学中，我会引导学生思考：如何在符合市场需求的同时，仍然让作品承载个人观念，如何在商业合作中不丧失艺术探索的锐度。  画廊既是市场推手，也是艺术价值的塑造者，如何平衡学术性和商业性，是艺术家和机构共同面对的课题。

而对于学生来讲；短期热度容易，长期创作很难。真正的艺术家需要稳定的创作习惯，而非依赖偶然的灵感爆发。  所以要参考借鉴成熟艺术家的创作方法论、职业路径，对年轻一代有重要参考价值，尤其是他们如何在市场环境中保持创作自由。  

艺术创作不能仅凭纯粹的感性或偶尔的激情，所以我希望引导学生在具体的课堂练习中建构适合自己解决问题的逻辑。同时，这也避免他们停留在局部的技法训练中。“作品思维”的建立也源于此。 

唤醒画廊主理人——张巡

从画廊主理人角度谈谈您所代理或选择的青年艺术家的共性有哪些?

在遴选艺术家时，我最为看重的核心特质，是 “视角的不可替代性”。这绝非仅仅指视觉上的独特风格，还有艺术家个人的观察力，在此技术上构建鲜明的识别系统——无论是图像语言、象征性的图腾符号，还是材料运用的独创性都是构成其艺术表达的核心密码。

深厚的人文思辨： 创作必须根植于人文土壤，蕴含对社会、历史、文化或个体生命的深度观察与思考。避免沦为空洞的形式或技术炫技——这正是区别于AI生成内容的关键：作品承载着艺术家独有的生命体验与智性叩问。

敏锐的社会触觉与独立精神： 艺术家需对当下社会现象、时代议题保持感知，并在作品中体现不驯服的思辨力或世界观表达。这份“反叛”或“审视”，是艺术活力的源泉。

我们的实践更倾向于以“创作内核”为主导的体系。这源于我作为主理人的核心信念：风格是变化的，而驱动创作的深层思考、独特视角与人文关怀，才是艺术家真正价值的锚点。我们更关注作品背后的灵魂。

唤醒画廊过往展览

可以跟我们谈谈耍惹石主吗？

与几位好友共同在深圳的 “三馆联展”，是一次极具挑战也无比兴奋的旅程。因呈现其部分作品（最大件达 1.2吨/1200㎡，普遍在 3-8米 巨幅），我们摒弃单一展厅模式，精心选择了三个气质迥异的空间：

专业画廊： 呈现相对精致、更具研究性的作品，构建学术语境。

金啤坊艺术街区： 利用其粗粝的工业遗址氛围与开放式城市空间，我们将作品融入其中，形成一种“野生丛林”式的震撼体验——艺术与历史废墟、公共场域发生直接对话。

满京华美术馆： 打造沉浸式巨型装置剧场。为展示其最大尺幅作品，甚至动用了起重机进行吊装，将空间的工业感与作品的原始能量推向极致。

深圳唤醒画廊——耍惹石主作品现场

满京华美术馆——耍惹石主作品现场

金啤坊遗址——耍惹石主作品现场

耍惹石主他是我合作过最纯粹、最具原始生命力的艺术家之一。他深扎故土的养分，坚持每年深入彝族聚居地采风2-3次，每次长达1-2个月。这种对母体文化的沉浸，是其创作不竭的源头活水。最让我感到纯粹和动容的是——他近乎将所有收入投入创作，购买巨量画材。为维持这种规模，他大量运用回收广告布等非传统“消耗性”材料，赋予废弃物以磅礴的艺术生命。 他的画布上，彝族古老的“摩羯金”围坐仪式、生生不息的“火塘”文化基因，与极具张力的抽象图形、神秘的民族图腾完美交融，形成一种跨越时空的视觉史诗。

​此前知名平台 “一条”也为其做了专篇推送和采访，董友溪导演短片作品《耍惹石主》入围第17届FIRST青年电影节，加之此次“三馆联展”艺术项目共同扩展了艺术家的公众熟知度。 展览期间，售出超过20件大尺幅作品（其中许多高度超过2米），有力证明了其独特艺术价值在收藏领域的强大吸引力。耍惹石主的案例深刻印证：当艺术家的创作拥有不可撼动的精神内核与视觉力量，并能找到与之共振的呈现方式时，市场与学术的认可是水到渠成的。

青年艺术家李惠诃

作为艺术家,毕业至今你还有持续创作吗?创作动力来自哪里？

是的，我始终没有停止创作。从五年前（21岁）开启第一个系列创作至今，这条探索之路一直在延伸。

早期作品以绘画为主。相较于文字，视觉语言是我更自然、更擅长的表达通道。那时的创作状态，可以用一种“视觉化的质朴感” 来形容——直接、未加修饰，是我内心感受最诚实的投射。

《给塔皮埃斯的回信》

《塔皮埃斯的来信》与《给塔皮埃斯的回信》（研一时期作品）标志着一个重要转变。我开始突破纯绘画的边界，混合运用手绘与实物拼贴。选择“信封”作为载体，其本身就蕴含着深刻的隐喻——我在尝试拆解、重构“真实”与“虚幻”的边界线。

进入美院研究生阶段，我深度反思了“相机时代高度写实绘画的独特价值”。这促使我的创作语言发生显著演变：从早期具象可辨的形象，逐渐走向彻底的抽象领域。这一转变的核心意图，在于制造一种“视觉真实性的认知矛盾”——让观众难以清晰分辨画布上的痕迹，究竟是手绘的笔触，还是实物的拓印？这模糊地带本身，就是我想探讨的命题。

《书说系列》

进入社会后，我开启了 《书说》系列。告别了学业压力，我感受到一种前所未有的创作自由。这个系列延续了抽象的语言，但主题转向更为宏大的哲学思辨——关于“永恒”的追问与沉思。工作状态反而为这种深层思考提供了新的土壤。

支撑我持续创作的，绝非外在压力或功利目标，而是源于内心深处对艺术本身不可动摇的热爱。这份热爱，是我最重要的精神锚点与情绪价值源泉。它驱动我不断提问、实验、表达，将创作化为一种必须的生命实践。

艺术家个展海报

《诗篇系列》

你对即将毕业的学弟学妹们有什么好的建议和寄语吗?

我的核心建议，聚焦于一个看似简单却至关重要的命题：审视你内心的“热爱”是否足够真实与纯粹。自我拷问“热爱的真实度”： 站在创作生涯的起点，请诚实地叩问自己：这份对艺术的热情，究竟有多深？它是否足以穿透未来可能遇到的迷雾、坎坷与诱惑？热爱是破壁的利刃： 如果答案是坚定而清晰的，那么请相信，这份真诚的热爱，本身就蕴含着强大的力量——它足以帮你化解前行路上80%的艰难险阻。它让坚持不再仅仅是坚持，而成为一种融入生命的自然需求。

让热爱成为生命底色： 真正的热爱，会让艺术创作超越职业或爱好的范畴，逐渐成为你“生活不可分割的组成部分”，如同呼吸般自然。它为你提供源源不断的内驱力，也定义着你作为创作者的存在方式。

观众提问

AI在艺术创作中的⻆⾊与影响，如何界定⼯具辅助与创作本质的边界，艺术家的应对策略是什么？

甘教授和黄教授共同回答：

对创作具有辅助特性，如果说人的创意如⽕花那么AI就如汽油的作用能放⼤和深化初始想法。从视觉形式辅助发展为内容层⾯的深度参与。比如新兴职业: AI训练师需要具备⾼级审美品位（⾮技术性能⼒）。建议交叉使⽤多种AI⼯具，但需明确⻛格需求描述这就需要艺术家给出主导的口令。

所以艺术家与技师的核⼼差异在于审美能⼒和创意⽔平。而我们必须拥抱科技，但创意核⼼仍需⼈类主导主客体关系再思考。

所以根本问题史搞清楚"谁是谁的⼯具"——AI应服务于艺术家⽽⾮替代⽤AI弥补创作短板，但需保持明确诉求和主导权，若完全可被AI替代，说明艺术家⾃⾝存在定位问题。

广美青年教师——刘叶子

论坛总结：艺术、市场与自我坚守  

金钱的意义是“买枪买炮”——它不仅是生存的保障，更是继续革命的燃料。在今天的艺术生态中，我们需要用学术的深度保护创作，用市场的广度传播价值。被看见，是一种能力；去看见，是一种选择。无论你是艺术家、策展人、设计师，还是任何领域的实践者，“做事情”的前提，是让自己的内心有一个清晰的形状。  

艺术之路漫长，有时明亮，有时幽暗，但只要我们仍在行动，光就不会消失。愿各位始终保有创造的锐气，市场的智慧，以及那颗不被轻易磨灭的初心。

对谈合照

对谈信息

主办方

深圳市艺初心文化传播有限公司

协办方

深圳市恒程汇文化科技有限公司

雅昌文化艺术中心（深圳）

深圳市唤醒画廊

对谈地点

雅昌文化艺术中心（深圳）