2025年12月26日，由中国雕塑学会与湖北美术馆共同主办的“中国姿态·第七届中国雕塑展”在湖北美术馆向公众开放。作为中国雕塑领域极具影响力的学术品牌，本届展览由中国雕塑学会秘书长孙振华、副会长冀少峰担任总策展人，历经公开征集与严格评审，从800余件（组）投稿作品中遴选出入围作品90余件/组，分别来自100余位艺术家。

这些新作系统梳理了近三年来中国雕塑领域的创作成果，集中展现了当代雕塑家在本体探索、材料创新、观念表达等方面的学术思考。

展览不仅在一楼和二楼展厅呈现丰富作品，公共空间也被充分利用，让雕塑艺术走出封闭展厅，融入观众的观展动线，强化作品与观众的精神互动与沉浸体验。

作为主题的“中国姿态”

“中国姿态·中国雕塑展”自2008年由中国雕塑学会创立以来，始终以学术性为核心底色，成为观察中国当代雕塑发展脉络的重要窗口。本届展览延续“中国姿态”的核心主题。

上海市美术家协会主席、上海美术学院院长、中国雕塑学会会长曾成钢表示，“中国姿态”主题的始终延续，彰显了中国雕塑学会一贯的学术立场——用雕塑讲述中国故事，勾勒中国雕塑自身的发展轨迹。雕塑区别于其他艺术门类的特质在于以形体、空间与结构完成“表态”，而“姿态”一词恰好凝练了这门艺术的语言本质，成为贯穿展览始终的精神内核。

中国雕塑学会副会长、本次展览的策展人之一冀少峰指出，所谓“中国姿态”并非单一的风格标签，而是当代中国雕塑家以自身文化身份为根基，借助雕塑的空间、形体、媒介与材料等艺术语言，对行业使命、社会责任及时代挑战作出的自觉、自信、自强的回应。这种姿态既体现在对雕塑本体问题的执着探索，也蕴含着对中国文化传统的传承创新，更彰显着在世界艺术语境中的文化自信。

中国雕塑学会秘书长、本次展览策展人、湖北美术馆志愿者孙振华认为，“中国姿态”的核心蕴含着对中国问题的双重关注：一方面是对当下现实的关切，用艺术语言呈现抗洪、生态保护、城市建设等时代议题；另一方面是对历史传统的传承，通过传统工艺、文化符号的当代转化，彰显东方美学魅力。

在本次展览中，多件作品聚焦时代议题与社会现场，以雕塑语言记录当代中国的发展与变迁。马天羽的《victory - 建设者丰碑》为新中国成立以来默默奉献的城市建设者立传，以巨大扣件聚合三根脚手架钢管，钢管上镌刻的建设节点日期，将平凡建设者的付出凝结为永恒的艺术纪念，彰显劳动精神的时代价值。颜铭柯的《出三峡记》立足三峡移民三十年与乡村振兴的时代背景，以脐橙树为情感载体，塑造了五十九位不同年龄、身形的三峡移民在江边卵石滩等候船只的场景，还原移民面貌与时代特征，成为对三峡移民历史与乡村振兴实践的艺术铭记。而刘依涵的《额尔古纳河韵——迁徙之歌》则聚焦鄂温克族的迁徙历史与文化，展现该民族坚韧勇敢、与自然和谐共生的精神，传承少数民族文化基因。

在传统元素的当代转化方面，陈辉的《叠山》延续中国传统叠石美学，以当代材料与手法重构东方意蕴，让传统山水精神在当代雕塑中焕发新生；薛冰心、邹可的《此时·此刻》以宣纸为创作媒材，宣纸作为中国传统书画的视觉载体，在此成为生命经验的表达媒介。伴随水滴背景音，飞舞的纸屑与静态展示形成视觉、听觉、身体的多维动态体验，既承载着传统材料的文化内涵，又以开放语境邀请观众参与。

围绕雕塑本体问题展开

在曾成钢看来，本届展览以“面向未来、立足前沿”为学术定位，呈现出精致化、主题化、多元化的鲜明特征，在观念表达、材料运用与形式探索上均展现出超越往届的成熟度。

卫昆的《百年巨匠》作为祖国75华诞贺礼，塑造了吴昌硕、徐悲鸿、林风眠等十几位20世纪美术巨匠的形象，人物特征鲜活，神韵精准，在大体量创作中实现了每个形象的生动刻画。作品不仅彰显了当代雕塑教育的成果，更体现了艺术家对雕塑本体语言的持续探索，以及对传统艺术传承与发展的重视；韩子健的《古典风景-雪霁图》采用铸铜与综合材料，在传统山水人物形制中融入当下心境，让古典景观承载当代人生况味；钞子伟与钞子艺合作的《史迹》，以2米高的树脂作品为载体，以古今书籍为核心元素，串联起人类文明的发展脉络，将不同时代的智慧凝聚于一体，成为文明传承的具象缩影。

孙振华强调，第七届展览始终围绕雕塑本体的核心问题展开，材料、形体与空间仍是艺术家探索的核心方向，而对这些问题的研究，是雕塑家终身追求的课题。大数据统计显示，材料问题依旧是雕塑界最受关注的关键词。而在本届展览中，艺术家们对材料的探索不再局限于形式创新，更实现了从表层运用到精神表达的深度转化，呈现出细致化、个性化的成熟特质。

纸浆作为本次展览中极具代表性的材料，被多位艺术家赋予多元表达。

万里驰作品《不倔》以一片巨大的纸浆枯叶为载体，呈现了生命凋零与倔强共生的临界点：树叶虽已飘落，却未完全丧失生机，纸浆的轻盈质感与作品承载的厚重生命思考形成强烈反差。万里驰从20年前就开始尝试用纸模仿混凝土质感，后发现纸浆的可塑性与亲和性更具优势，便专注于纸浆创作。面对3D打印、AI造型等新技术的冲击，他坚持保留纤维本身的张力与本色，让材料自身传递艺术理念，展现出传统材料在当代语境中的生命力。

陈佳芸的《像砖》同样以纸浆为材料，将纸浆塑造成砖的形态并堆叠陈列，仅在一块砖上留下切口以暴露内部构造，巧妙完成材料转换的视觉游戏，若非细致观察，难以察觉其非传统砖材的本质。此外，王广瑞的《80000颗纸苗》将宣纸裁剪捻成细条，形成类似毛状物的视觉效果，打破人们对宣纸的固有认知，又以“新苗”的意象寓意传统纸文化的当代再生，让材料成为文化传承的载体。

艺术家们对多元材料的跨界运用，更拓展了雕塑的表达边界。在形体与空间探索中，艺术家们既坚守雕塑本体素养，又大胆突破传统边界。这些作品共同构成了展览的多元生态，印证了雕塑作为时代记录者的独特价值。

人工智能时代的雕塑何为？

人工智能时代为雕塑带来的挑战与机遇，成为本届展览集中探讨的核心议题。

孙振华坦言，传统雕塑面临着AI与3D打印技术的冲击。电脑可轻松生成雕塑模型，3D打印制作的作品在细致度与准确性上甚至超越手工，这一现实引发行业对雕塑家价值的深层思考：当机器能完成多数手工工作时，艺术家的核心价值何在？是否还需要坚持泥塑、手工编织等传统基本功训练？

除技术冲击外，娱乐至上的时代语境也对雕塑艺术构成挑战。在注意力被社交平台、短视频等轻松内容占据的当下，雕塑作为实体空间艺术，其欣赏需要观众投入时间与精力，难以像碎片化内容那样快速吸引眼球。孙振华表示，如何在众多娱乐形式中突围，为观众提供不可替代的审美体验，确立雕塑艺术的独特价值，是行业必须面对的现实课题。与能快速制造炫酷效果的网络内容相比，雕塑家耗费大量时间精力创作的作品，如何吸引观众关注、引发情感共鸣，是每一位从业者都应该思考的问题。

一批作品直接以技术为创作媒介，探讨人与技术、信息的关系。王甜的《Falliing》以木材为媒材，通过数字“下沉”形态，隐喻个体在高度数字化与算法驱动时代中的失落与迷失，成为对技术时代人文困境的艺术反思；李宜静的《情绪效应》中，热敏打印机持续工作，作品聚焦人的情绪与当代网络信息的关联，提出“网络情绪介入生理情绪反应”的议题——在网络时代，网络情绪某种程度上替代了大脑分泌的内啡肽，影响着人们的生理层面情绪调节，引发观众对信息时代情绪机制的思考。

此外，雕塑自身定义的模糊化也成为值得关注的问题之一。传统意义上的雕塑，被界定为固体材料制成的静态艺术，但当代创作早已打破这些边界：泡沫等轻质材料取代传统硬性材料，动态作品颠覆了“静止”的固有认知，跨界融合让雕塑与装置、影像等艺术门类的界限愈发模糊。

在项祎的作品《在场之缺》中，艺术家巧妙运用展厅内的光影效果，以一只翅膀为实体基础，通过光影的巧妙映衬，营造出了一双翅膀的视觉效果，吸引了不少观众驻足打卡。这种艺术手法不仅增强了作品的视觉冲击力，更赋予了作品丰富的象征意义，让观众在欣赏的过程中能够感受到一种虚实相生、动静结合的独特美感。而李群威的《石舟天问》悬在半空，在电机的驱动下就像一艘正在行驶的飞船。作品融合石头和动态灯光等元素，旨在探讨自然与科技的交融与冲突。

孙振华表示，边界突破虽为雕塑注入活力，却也让专业人士与普通观众都陷入困惑——究竟什么是雕塑？这一困惑不仅存在于观众层面，就连资深教授与雕塑家也难以给出明确答案，而这正是当代雕塑面临的根本性转变。

对艺术家个体而言，自我突破与创新的困境同样突出。曾成钢指出，艺术家若反复使用同一种艺术形式，易引发观众视觉疲劳，而在坚守核心创作理念的同时实现持续创新，极具挑战性。如何在传承本体素养的基础上突破自我，在时代变化中找准创作方向，成为每一位雕塑家必须应对的课题。

以更包容的心态去看雕塑

面对这些挑战，展览中的艺术家们以积极姿态作出回应，在传统与新兴技术、艺术与时代生活之间寻找平衡。

尤其是，年轻一代表现出的高度创作自觉，让曾成钢感到欣喜：他们既坚持雕塑作为手工艺的本质埋头“动手”创作，彰显对艺术的执着追求，又主动拥抱新技术、新观念，将个人创作融入时代语境与社会现场，以雕塑语言记录和表达时代。

周春林的《千钧一发》则以简素的材料创造出极强的视觉张力，用自身剪断的长发编织成绳，将一块地基石悬空吊起——地基石象征抑郁症期间承受的压力，长发绳代表瘦弱的身体，渺小的发丝凝聚成超越自身百倍重量的力量，成为生命韧性的艺术表达；而孙涵的《编织》以重复、交叉的编织语言构建空间，始于2022年的该系列作品，隐喻着当时22岁的艺术家离开家乡求学后，在身份离散与重构中寻找精神坐标与文化归属的过程，让空间形态成为情感表达的载体。

另有作品以技术为手段实现艺术表达的创新。

艾格格的《陀螺三部曲：圆舞》借助电机控制20个铅笔头，在鞭响后同步旋转直至先后停止，循环往复。小小的铅笔头既是即将用尽的残骸，又似短暂起舞的生命，生命不息，奋斗不止；张一丁的《弹跳》则利用乒乓球等日常物品搭建持续运行的系统，无裁判、无明确起点与输赢，仅以持续的轨迹与回响构成互动体验，打破传统雕塑的静态属性，构建起人与作品的动态关联。

这些创作实践印证了孙振华的观点：虽然当代雕塑突破了传统定义的边界使得雕塑的定义愈发模糊，但艺术家的专业素养仍在作品中留下痕迹。那些经过长期训练形成的空间处理能力、环境感知力与材料把控力，虽需专业人士细细体会，却成为雕塑艺术跨界发展中不可剥离的核心基因。而这种边界突破与基因延续的平衡，正是当代雕塑的活力所在。

孙振华提出要秉持包容心态看待雕塑的边界突破。艺术的发展从未停滞，雕塑的定义模糊化恰恰是其生命力的体现。行业不应固守传统定义，而应以宽容的心态接纳跨界作品，鼓励艺术家在本体基础上大胆探索。这种探索并非无底线的突破，而是在坚守核心素养前提下的创新，最终将推动雕塑艺术形成更丰富、更多元的生态格局。

展览将持续至2026年2月24日，展期跨越新春佳节。

结语：

自2019年第五届起，中国雕塑展长期落户湖北美术馆并确立三年一届的常态化展览机制，这一合作模式不仅实现了国家一级学会与国家重点美术馆的资源互补，更构建起稳定的学术传播平台，持续推动雕塑艺术贴近大众、关切现实。第六届展览曾获文化和旅游部全国美术馆优秀项目提名。

“中国雕塑学会与湖北美术馆的持续合作，更让这一学术理念得以稳步落地，从展览布置到作品呈现，每一届都实现自我超越，为雕塑艺术的传播与发展注入持久动力。”曾成钢强调，“中国姿态”的艺术价值核心，在于通过雕塑艺术让世界了解当代中国的社会发展与文化艺术成就，为提升中国文化自信、推动文化复兴贡献力量。中国雕塑学会与湖北美术馆的持续合作，正是为了将这一品牌推向世界，让中国雕塑在世界艺术语境中发出清晰的声音。