文 | 马怡诺 刘凌越

　　摘 要：在全球化与本土化存在越来越多不确定关系的当下，中国当代艺术的理论建构与实践方向始终是艺术界关注的焦点。近日，七位长期深耕于该领域的专家学者汇聚一堂，围绕中国艺术的当代内涵与艺术思想的未来路径展开了一次为期四天的深度对话。本次论坛立足于中国艺术发展的现实土壤与历史脉络，从多元的学术视角中提炼关键议题，剖析现实困境，凝聚思想共识，探索未来可能。本文将基于讨论核心，对论坛所形成的学术观点与思想碰撞进行系统梳理与延伸论述，为中国当代艺术生态的健康发展与话语体系的本土建构提供坚实的理论参照与学理支撑。

　　关键词：艺术批评，当代艺术，艺术史，思想史，家族史

　　当代艺术的发展始终与时代精神同频共振，而艺术批评作为艺术生态的核心组成部分，承担着阐释作品、引领思潮、反思现实、建构价值的重要使命。自改革开放以来，中国当代艺术历经四十余年的迭代发展，从80年代“85美术新潮”的启蒙呐喊，到90年代的专业化转型，再到21世纪以来的多元分化，逐步从以编辑部为主战场到以美术馆为表达场域，形成了兼具本土特色与全球视野的发展布局。但与此同时，中国当代艺术也面临着诸多困境：本土话语体系建构滞后，过度依赖西方理论;艺术批评独立性弱化，受资本与权力裹挟;艺术史与思想史研究脱节，学科壁垒凸显;技术变革与人文精神失衡，艺术创作陷入功利化与同质化;代际传承断裂，艺术发展缺乏清晰指引等。这些问题共同制约着中国当代艺术的发展，也成为艺术批评界亟待回应与破解的核心命题。

　　在此背景下，首届艺术望三清论坛于2026年1月8日至11日在江西上饶市三清山枫林镇八磜村的望三清·艺术聚落如期举办。该论坛由艺术批评家高岭发起，汪万斌为出品人，贾方舟、彭德、王林、吕澎、荣剑、王端廷、高岭七位深耕中国当代艺术领域的专家学者，围绕中国文化当代内涵与艺术思想未来展开深度对话。值得关注的是，这种会议方式打破了传统论坛的刻板印象，让思想的碰撞不再局限于会场之内，更渗透到起居、交流的每一个瞬间。望三清·艺术聚落地处著名风景名胜区三清山脚下，绝美而静谧的乡野自然环境与人性化的室内设计，为论坛提供了全方位沉浸式空间场域。或围坐畅谈，或竹园品茶，朝露晚霞，远望近观，茶香袅袅中梳理学术思路，空旷通透里重拾批评的本源与初心。

　　通观本次论坛所涉话题，既深具学术厚度，又贴合当代艺术实践，构成了对中国当代艺术发展的全面审视与深度思考。在“艺术批评独立性”“本土文化传承”“艺术史与思想史融合”“科技与人文平衡”等具有显著针对性的共同议题上，与会专家梳理当代艺术的学术共识与核心分歧，结合中外艺术理论与实践案例展开系统论述，剖析中国当代艺术生态的困境与机遇，彰显出中国当代艺术批评家的人文坚守与思想担当。

　　一、艺术批评需坚守独立品格

　　梳理贾方舟、彭德、荣剑、高岭等七位学者的发言，“艺术批评的独立性”是贯穿始终的核心议题，也是各位学者达成的首要共识。七位学者均认为，艺术批评的独立品格是其区别于其他艺术阐释活动的核心特质，更是其实现学术价值、引领艺术发展的前提条件。脱离独立性的艺术批评，终将沦为资本的附庸、权力的工具，丧失其应有的批判精神与人文价值。具体而言，各位学者的共性观点可概括为三点：一是艺术批评需保持精神独立，拒绝依附于资本与权力，坚守批判精神与学术立场;二是艺术批评家需兼具深厚的学术素养与人文情怀，践行“立德、立功、立言”的学术使命;三是艺术批评需兼顾学术性与公共性，打破精英化垄断，实现学术规范与大众传播的平衡，避免碎片化、娱乐化的表达消解其学术价值。

　　(一)艺术批评的独立与自主

　　贾方舟作为中国当代艺术批评的先驱者，长期关注艺术批评的发展轨迹，其发言系统梳理了中国当代艺术批评四十年的迭代历程。他认为，无论是80年代的以刊物为中心的纸媒时代、90年代的策展人时代，还是21世纪以来的美术馆时代，真正有价值的艺术批评，始终坚守独立的学术立场，敢于直面艺术生态中的问题，拒绝迎合资本与权力的诉求。

　　彭德则从批评品格与文明尺度的角度，进一步强化了这一观点，他认为，自由表达是当代艺术批评的先决条件，“越是缺乏自由的地方，批评往往越强烈，而批评强烈的地方，其文明氛围大概率存在问题”。这种对批评本质的洞察，让他将批评家与中国古代的改革家联系起来。王莽，这位被唾骂两千年的改革家，其超前的政策主张与中国现代历史的变革有着惊人的相似之处。他试图打破旧有的利益格局，为底层民众争取更多权益，却因触动豪强贵族的利益而身败名裂，成为历史的“反面教材”。隋炀帝，背负了1400年的骂名，却以创立科举制的魄力打破了权贵门阀的垄断，为底层百姓打开了上升通道，其影响延续至今的高考制度，让无数寒门子弟得以通过知识改变命运。但他的革新之举，却被后世统治者刻意抹黑，留下千古骂名。武则天，被称为“千古一帝”的女权主义先驱，在男权主导的封建社会推行一系列革新，打破了男性对权力的垄断，却也遭受了1300年的非议。王安石，虽被视为“拗相公”，但其变法的勇气与理想主义精神，至今仍值得深思——他试图通过改革挽救北宋的危局，却因触动既得利益者的蛋糕而屡遭排挤，最终变法失败，郁郁而终。他们都是理想主义者，都是时代的先锋，都以“为生民立命，为万世开太平”为己任，却也都难逃命运的坎坷。

　　荣剑指出，艺术批评的独立性不仅体现为话语独立，更体现为思想独立，批评家需跳出学科壁垒与利益圈层，以思想史的宏观视野审视艺术实践;吕澎则结合当代艺术市场化的现状，强调批评家需警惕市场的裹挟，避免沦为资本的“吹鼓手”，坚守学术底线与批评锐度。

　　在坚守独立性的基础上，七位学者均强调艺术批评的人文使命。王端廷在2021年发表的文章《是批评，还是历史?——中国当代艺术书写的性质与价值》中谈到：“批评家还是有其特殊职责的。我认为批评家应该承担两种责任：第一个责任是性质判断，就是对艺术家作品的思想内涵及其使用的艺术语言和风格做出鉴别。‘85新潮’美术运动以来，包括政治波普、文化波普、玩世现实主义、艳俗艺术和卡通一代等各种艺术流派的命名，都是由批评家完成的。如果没有这些命名，中国当代艺术领域将是一个混沌杂乱的迷宫。批评家的第二个责任是价值判断。价值判断就是倡导什么东西，否定什么东西，什么东西价值高，什么东西价值低，这是批评家更重要的职能和使命。”

　　高岭在2017年发表的文章中《批评的有效性建立在批评的主体性之上》中提到：“艺术批评诞生于启蒙运动，因而必然承载着启蒙运动在此前崇尚冒险的文艺复兴和追求理性的17世纪哲学思想基础上的历史使命，即对艺术作品的审美品质做出判断和评价，是艺术批评的主要职能。”

　　此外，七位学者均对当下艺术批评的异化以及艺术批评的生态异常问题表示担忧。他们普遍认为，当下艺术批评面临两大困境：一是部分批评家丧失独立立场，陷入“市场依附”与“权力依附”的双重困境，为利益吹捧缺乏价值的作品，丧失了批评应有的批判锐度;二是新媒体时代，碎片化、娱乐化的批评消解了艺术批评的学术性与严肃性，部分自媒体批评者缺乏专业的艺术知识储备，仅凭个人好恶进行评判，误导公众对艺术作品的认知，而传统学院化批评则因晦涩的文风脱离公众，陷入“自说自话”的困境。针对这些问题，七位学者均主张，艺术批评需回归学术本质，强化规范意识，兼顾学术性与公共性，实现独立批评与人文传承的统一。

　　(二)艺术批评的理论渊源

　　艺术批评的独立性与人文使命，是中外艺术理论界长期探讨的核心命题，其理论渊源可追溯至西方现代艺术批评的兴起与中国传统文人批评的精神传承。马克·吉梅内斯说：“现代形式的艺术批评出现于18世纪，其诞生及发展与艺术史、哲学美学、公共空间、纸质媒体和艺术市场的产生同属于一个潮流，即启蒙运动。”

　　中国传统文人批评同样蕴含着独立精神与人文情怀的内核。回顾中国学术史，庄子“非议百家”，除老子外无一不批，以尖锐的批判撕开世俗的虚伪;荀子作《非十二子》，批判墨子、孟子等当时最知名的思想家，只为坚守自己的学术立场;王充以《论衡》为载体，全方位批判封建文化，挑战“君权神授”的迷信思想;嵇康写下《与山巨源绝交书》，“非汤武而薄周孔”，以生命捍卫人格的独立与思想的自由，最终招致杀身之祸;韩愈作《谏迎佛骨表》，直言“崇佛的王朝皆短命”，不惜触怒龙颜，被流放千里，只为坚守儒家的正道;李贽著《焚书》，批判经典、倡导男女平等，挑战封建礼教的束缚，果然如预言般被官方焚毁。这些古代批评家，以文字为剑，直指社会与文化的弊病，用生命践行着“士可杀不可辱”的气节，他们的精神，是中国文人的脊梁，也是人类文明史上最珍贵的人文遗产。彭德在发言中重点梳理了这一传统，认为当代艺术批评家应传承中国古代文人的独立气节与人文情怀，将“立德、立功、立言”作为学术追求，在批评实践中坚守真理、传递人文火种。

　　(三)艺术实践的独立品格

　　从艺术实践案例来看，中外历史上有诸多坚守独立品格的艺术批评实践，为当代艺术批评提供了重要借鉴。西方20世纪以来，格林伯格作为形式主义批评的代表人物，始终坚守独立的学术立场，以形式分析为核心，对现代主义艺术进行系统阐释，推动了抽象表现主义等艺术流派的发展，其批评实践虽引发诸多争议，但始终保持着鲜明的批判锐度与学术独立性，拒绝迎合市场与权力的诉求。另一位批评家罗森伯格则以社会批评为视角，聚焦艺术作品与社会现实的关联，批判现代艺术中的形式主义倾向，强调艺术的社会价值与人文内涵，其批评实践同样彰显了独立精神与人文情怀。

　　中国当代艺术发展历程中，80年代的艺术批评实践也充分体现了独立精神与人文使命。“85美术新潮”期间，批评家们以启蒙者的姿态，摆脱僵化的意识形态束缚，积极引入西方现代艺术理论，同时立足中国本土艺术实践，推动艺术思想的解放与艺术形式的革新。高名潞、贾方舟等批评家，直面当时艺术生态的僵化问题，撰写了大量具有批判精神与启蒙意义的批评文章，为“85美术新潮”的兴起与发展提供了重要的思想支撑。这一时期的批评实践，虽带有一定的“拿来主义”色彩，缺乏成熟的本土理论支撑，但始终坚守独立的学术立场，彰显了强烈的人文情怀与批判精神，成为中国当代艺术批评史上的重要篇章。

　　反观当下的部分艺术批评实践，异化现象尤为突出，进一步印证了坚守批评独立性的重要性。近年来，随着艺术市场的快速发展，部分批评家沦为资本的“吹鼓手”，为了利益刻意吹捧艺术家与作品，无视作品的艺术价值与思想内涵，导致批评话语失去公信力;部分批评家则依附于权力体系，回避艺术生态中的深层问题，丧失了批评的批判锐度。此外，随着互联网时代的到来，自媒体深度介入艺术领域，其商业化取向往往导致批评偏离对艺术本质的探讨。新媒体时代的碎片化批评，如短视频平台上的“网红批评”，大多缺乏专业的艺术知识储备，仅凭个人好恶进行评判，将艺术批评沦为情绪宣泄的工具，进一步加剧了批评生态的混乱。

　　(四)谈如何改善艺术批评的生态困境

　　基于七位学者的共识与当下艺术批评的生态困境，重构当代艺术批评的独立体系，坚守人文使命与学术底线，成为推动中国当代艺术批评发展的重要路径。结合七位学者的发言观点与中外艺术批评的实践经验，可从批评家素养提升、批评规范完善、传播形态优化三个层面入手，实现艺术批评的独立发展与价值回归。

　　首先，强化批评家的素养培育，筑牢独立批评的主体基础。七位学者均认为，批评家的素养直接决定了批评实践的质量与价值，只有具备深厚的学术素养、坚定的学术立场与深厚的人文情怀，才能践行独立批评的使命。具体而言，批评家需加强三个方面的修养：一是学术素养的提升，深入学习中外艺术史、艺术理论，掌握系统的批评方法，同时拓宽知识视野，关注思想史、社会学、哲学等相关学科的研究成果，实现跨学科的融合与借鉴，避免视野狭隘与理论匮乏;二是立场修养的强化，坚定独立的学术立场，拒绝依附于资本与权力，始终以艺术价值与人文精神为核心评判标准，敢于直面艺术生态中的问题，坚守批评的批判锐度;三是人文情怀的培育，传承中国古代文人的人文精神与西方人文主义传统，关注人的生存状态与精神需求，将人文关怀融入批评实践，避免批评沦为纯粹的形式分析或利益博弈。

　　贾方舟在发言中强调，批评家应“立足本土文化语境，挖掘中国当代艺术的本土性价值，避免盲目照搬西方理论，同时具备全球化视野，推动中国当代艺术与世界艺术的对话与交流”。这就要求批评家在提升学术素养的同时，注重本土理论的学习与建构，深入挖掘中国传统文化中的批评资源，结合当代艺术实践，形成具有中国特色的批评话语体系，避免沦为西方理论的“传声筒”。彭德则补充道，批评家应保持自我反省意识，“批评家也是自己所不满现状的参与者，甚至是造成这种现状的重要原因之一”，只有不断反思自身的批评实践，才能坚守学术底线，实现批评水平的提升。

　　其次，完善艺术批评的学术规范，建立独立批评的制度保障。当下艺术批评的异化，与批评规范的缺失密切相关，缺乏统一的学术标准与评价体系，导致批评实践陷入混乱。七位学者均主张，应建立健全当代艺术批评的学术规范，明确批评的学术标准、评价维度与伦理准则，推动批评实践的规范化发展。具体而言，一是确立多元包容的评价标准，兼顾艺术形式、思想内涵、人文价值、创新突破等多个维度，避免单一的评价标准导致批评的片面化;二是完善批评的伦理准则，明确批评家的责任与义务，禁止批评家利用自身影响力谋取私利，杜绝虚假批评、有偿批评等行为，维护批评话语的公信力;三是搭建学术争鸣的平台，鼓励批评家之间展开理性对话与学术争鸣，尊重不同的学术观点，避免学术霸权与话语垄断，营造开放包容的学术氛围。

　　荣剑在发言中指出，艺术批评的规范化，需要打破学科壁垒，推动艺术史与思想史的跨界融合，让批评实践具备更广阔的思想视野。这一观点得到了各位学者的认同，他们认为，艺术批评不应局限于艺术领域，而应与思想史、社会学、哲学等学科深度融合，借鉴相关学科的研究方法与理论成果，丰富批评的维度与内涵，提升批评的学术厚度。例如，在评价一件当代艺术作品时，不仅要分析其艺术形式的创新、语言的表达，还要结合时代背景，挖掘其思想内涵、社会价值与人文意义，实现形式分析与思想阐释的有机统一。

　　最后，优化艺术批评的传播形态，实现学术性与公共性的平衡。新媒体时代，艺术批评的传播形态发生了根本性变革，既带来了传播的便利，也引发了诸多问题。七位学者均主张，应优化批评的传播形态，兼顾学术性与公共性，避免碎片化、娱乐化的表达消解批评的学术价值，同时打破精英化垄断，让艺术批评走进大众。具体而言，一是规范新媒体批评的发展，引导自媒体批评者提升专业素养，树立正确的批评观念，杜绝情绪宣泄式的批评，推动新媒体批评走向规范化、专业化;二是推动传统学院化批评的转型，简化晦涩的文风，采用通俗易懂的语言，增强批评文章的可读性，拉近与公众的距离，避免“自说自话”;三是搭建多元化的传播平台，整合传统媒体与新媒体资源，既保留学术期刊、书籍等传统传播渠道，又利用短视频、公众号、直播等新媒体平台，传播专业的艺术批评知识，提升公众的艺术审美素养，实现艺术批评的公共价值。自媒体时代，艺术创作、评论与传播日益大众化，使艺术批评从专业领域扩展为一种公共文化实践。公众参与虽然激活了艺术市场的活力，但门槛降低也带来了新的挑战。审美差异使网络评价众声喧哗，削弱了批评的专业深度;随意化、娱乐化的倾向更可能误导公众认知。因此，专业的艺术批评显得尤为重要，它有助于引导自媒体批评走向更理性、健康的发展方向，在多元声中重建艺术的对话价值。

　　二、本土文化传承是当代艺术的根基，需构建本土话语体系

　　“本土文化的传承与当代转化”是本次论坛的另一核心议题，也是七位学者达成的重要共识。王林、彭德、吕澎、王端廷等学者均认为，中国当代艺术的发展，不能脱离本土文化语境，本土文化是当代艺术的精神根基与创新源泉，脱离本土文化的艺术实践，终将沦为无本之木、无源之水。同时，各位学者也强调，本土文化的传承并非复古、怀旧，而是要实现传统与当代的有机融合，挖掘传统艺术与文化中的合理成分，结合当代思想、技术与审美需求，实现本土文化的当代转化，构建具有中国特色的本土艺术话语体系，摆脱对西方理论的过度依赖。

　　(一)艺术史视域下的本土化转型

　　批评家王林先生长期关注本土文化与民间艺术，他提出的“宗法文化与民间社会重建”观点，为我们理解艺术的“根性”提供了重要坐标。他认为，中国人的精神底色是由“祖、亲、师”构成的宗法纽带织就的。其中蕴含的敬畏祖先、重视传承、坚守伦理等精神特质，是中国本土文化的重要基因。王林强调，当下的艺术创作如果能深入这一精神腹地，去观察民间社会的审美逻辑，就能在作品中注入一种无法被西方理论消解的生命力。这不仅仅是题材的介入，更是一种叙事维度的重塑，使艺术回归到真实的本土生存语境之中。

　　与之形成学术互补的是彭德先生的观点。他从文明尺度的广角镜出发，探讨了文化认知的紧迫性。彭德敏锐地捕捉到了当代艺术中的“审美殖民”隐忧。他认为，中国当代艺术的生命价值恰恰在于其“差异性”，而这种差异性正源于本土人文精神的不可替代。他直言不讳地批评了那些盲目套用西方形式语言、视传统为累赘的创作倾向，认为这种做法导致了作品灵魂的“空场”。在他看来，回归传统与民间审美，不仅是寻找素材，更是要重塑中国人的文化人格，在与当代文明的交错中实现艺术的“惊蛰”。

　　贾方舟、荣剑、高岭等学者则补充了本土文化当代转化的具体思路。他们认为，本土文化的当代转化，需兼顾三个层面：一是形式层面的转化，借鉴传统艺术的表现形式、技法与审美特质，结合当代艺术的创作理念与技术手段，创新艺术表达形式;二是思想层面的转化，挖掘传统文化中的思想内涵与人文精神，结合当代社会的精神需求，赋予其新的时代意义;三是话语层面的转化，摆脱西方理论的话语垄断，立足本土文化与艺术实践，构建具有中国特色的艺术批评话语与理论话语，实现中国艺术话语的自主表达。同时，各位学者也强调，本土文化的当代转化，并非排斥西方文化，而是要在吸收西方优秀文化成果的基础上，坚守本土文化立场，实现中西文化的平等对话与融合共生。高岭在《本土情境与全球话语：一个中西方二元对立的预设?》一文中提出：“从历史的角度看，我们不难发现这样一个规律性的现象，即每当中国本土文化受到外来文化的相当程度的影响，或主动向外开放、海纳百川文化的时候都会出现一种回溯性的对传统或民族的文化同一性的呼求。对于 在文化交融过程中自然形成的民族归属感‚当然是情理之中的事情是日常生活中常见的情绪。但是，把这样的情绪拔高到对民族主义的热切迷恋则暴露出狭隘的本质主义二元对立的思维模式的作祟。” 此外，七位学者均对当下本土文化传承中的误区表示担忧。他们普遍认为，当下部分艺术家对本土文化的传承存在两种极端：一种是盲目复古，简单复制传统艺术的形式与内容，缺乏当代性与创新性，难以适应当代观众的审美需求;另一种是形式化传承，仅将本土文化作为装饰性元素，缺乏对其思想内涵的挖掘与解读，导致本土文化沦为表面化的符号。针对这些问题，七位学者均主张，本土文化的传承与转化，应坚持“立足传统、面向当代、兼顾创新”的原则，实现传统与当代、形式与思想、本土与全球的有机统一。

　　(二)个体叙事：80后艺术家的“微现实”转向

　　从中国当代艺术的实践案例来看，诸多艺术家的创作的实践，为本土文化的传承与当代转化提供了重要借鉴。王端廷在论坛中的专题发言是《微现实主义——中国80后艺术的代际特征和价值取向》。他详细举例了许多具有“微现实主义”共同特点的80后艺术家。80后艺术的代际特征使得她们的作品具备建构在本土文化体系之上，并且其艺术语言能与国际同代艺术家相平行。例如：曹雨的装置作品《一切皆被抛向脑后》是她用自己的头发编织成的一篇文章，记录的是在她成长的过程中从父母到朋友、从老师到同学对她的评论。这件作品开始于2012年，将一直延续下去。她的行为/影像作品《我有……》(2017年)用“凡尔赛”方式“炫耀”自己的优越条件。

曹雨 《一切皆被抛在脑后》 2012年起 装置

　　刘耀华的行为艺术作品《不安》将童年精神伤害对个人生命成长的影响进行了直观而又令人触目惊心的演绎，他于2022年春天在北京郊区领养了一颗苹果树，然后把树上新结的175个小苹果分别插入一根3.8厘米的钢针，等到秋天苹果成熟时，只有75颗畸形、瘦小的苹果存活，其余100颗要么腐烂在枝头，要么早已掉落在地。

刘耀华 《不安》 2022年 行为/摄影

　　他们的作品不仅是80后生命状态的自发显现，也是自80年代以来中国当代艺术家追求的自由、独立和表现自我等艺术理想的合理发展和必然结果。他们第一次将艺术家的主体身份从“我们”变成“我”，这是中国艺术发展史一个根本性的转折。

　　反观当下部分艺术家的本土文化传承实践，仍存在诸多误区。部分艺术家盲目复古，简单复制传统绘画的题材、笔墨与构图，缺乏当代性与创新性，例如，一些所谓的“传统水墨”作品，只是对古代名家作品的模仿，没有融入当代人的思想与审美，难以引发当代观众的共鸣;部分艺术家的“创新”则是将本土文化形式化、符号化，仅仅将中国结、青花瓷、京剧脸谱等本土元素作为装饰，缺乏对其思想内涵的挖掘与解读。此外，还有部分艺术家过度依赖西方理论，用西方的批评话语解读中国本土艺术作品，导致本土文化的独特性被遮蔽，难以形成具有中国特色的艺术话语体系。

　　(三)推动本土文化的传承与当代转化的方式

　　结合七位学者的共识与当代艺术的实践经验，推动本土文化的传承与当代转化，构建具有中国特色的本土艺术话语体系，可从文化挖掘、创作实践、话语建构、传播推广四个层面入手，实现传统与当代的有机融合，本土与全球的平等对话。

　　首先，深入挖掘本土文化资源，筑牢当代艺术的本土根基。王林在发言中强调，应重视宗法文化中“祖、亲、师”体系的挖掘与传承，将其中的伦理精神与传承意识融入当代艺术创作，推动民间社会的重建与本土文化的延续。彭德则主张，应加强对古代隐士文化的研究，传承古代隐士的独立精神与自由品格，为当代艺术家的创作提供精神支撑。这些观点，为本土文化资源的挖掘提供了具体思路，也彰显了学者们对本土文化的深刻认知。

　　其次，立足当代艺术实践，实现本土文化的创新转化。本土文化的传承，关键在于转化，只有结合当代思想、技术与审美需求，才能让传统本土文化在当代语境中焕发出新的活力。七位学者均认为，当代艺术家应坚持“立足传统、面向当代”的创作理念，实现本土文化的形式、思想与内涵的全方位转化。具体而言，一是形式层面的创新转化，借鉴传统艺术的表现形式与技法，结合当代艺术的创作理念与技术手段，如数字技术、AI技术、装置艺术、影像艺术等，创新艺术表达形式，打破传统艺术的边界，实现艺术形式的多元化发展;二是思想层面的创新转化，挖掘传统本土文化中的思想内涵，结合当代社会的现实问题与精神需求，如人与自然的和谐共生、个体意识的觉醒、社会公平正义等，赋予传统思想新的时代内涵，让艺术作品成为回应时代、反思现实的载体;三是题材层面的创新转化，摆脱传统题材的局限，将本土文化与当代生活相结合，挖掘当代社会中的本土文化元素与精神特质，创作贴近当代观众、反映当代生活的艺术作品，增强艺术作品的当代性与感染力。

　　与此同时，高岭在发言中指出，AI技术、数字技术为本土文化的当代转化提供了新的机遇，艺术家可利用这些新技术，实现传统艺术形式的数字化转化，如将传统水墨画转化为数字绘画、动画作品，将民间艺术转化为互动装置，既保留传统艺术的审美特质，又增强艺术作品的互动性与传播力。王端廷则补充道，本土文化的当代转化，应注重与当代审美趋势相结合，避免盲目复古，要符合当代观众的审美需求，让传统本土文化被更多年轻人接受与认可。

　　三、艺术史与思想史需跨界融合，打破学科壁垒

　　荣剑、贾方舟、彭德、吕澎等七位学者均高度重视艺术史与思想史的关系，一致认为艺术史与思想史并非相互割裂的两个学科，而是相互关联、相互渗透、共生共荣的整体，打破学科壁垒，推动二者的跨界融合，是推动中国当代艺术理论深化、艺术史研究完善、思想史研究拓展的重要路径，也是中国当代艺术学术体系建构的核心任务之一。这一观点，成为本次论坛的重要共识，也彰显了各位学者的跨学科视野。

　　(一)思想史视野中的中国当代艺术

　　荣剑作为长期致力于思想史书写与艺术研究的学者，其发言以“思想史视野中的中国当代艺术”为核心，明确提出“艺术史的研究和思想史的研究不应该是割裂的”这一核心观点。他通过长期的学术观察发现，在对改革开放以来四十年当代历史的关注与阐释上，艺术史论家竟走在了社会史、思想史学者的前面——当后者大多局限于近代民国史研究，对当代思想史、社会史鲜有触及或浅尝辄止时，艺术史论家们却主动扛起了提问与探索的大旗，从“85美术新潮”的启蒙呐喊到90年代的学术建构，再到新世纪的市场反思，始终与时代同频共振，成为当代思想变革的重要推动者。荣剑认为，这种现象的背后，是艺术史与思想史的严重脱节，而这种脱节，不仅阻碍了学术的进步，更遮蔽了当代艺术的思想史价值。

　　各位学者均认同荣剑的这一判断，纷纷指出当下学术研究中“学科壁垒”的严重性。贾方舟认为，艺术史学者往往缺乏思想史的宏观视野，无法从时代精神与思想变革的高度把握艺术发展的本质，导致艺术史研究陷入“就艺术谈艺术”的局限，缺乏思想深度;而思想史学者则普遍缺乏基本的艺术审美与艺术史知识，将当代艺术视为“无价值的玩闹”，忽视了艺术实践在思想传播、精神启蒙中的重要作用，导致思想史研究缺乏鲜活的实践支撑。彭德则补充道，这种学科壁垒，本质上是学术视野的狭隘与认知的封闭造成的，当下的学术研究存在严重的“信息茧房”现象，人为造成的认知隔阂，既阻碍了艺术史与思想史的融合，也让中国学术界错失了与世界文明对话的重要契机。

　　每一次艺术实践的突破，也会为思想的传播与发展提供重要载体。荣剑在发言中提到了西方艺术史与思想史的融合历程，指出黑格尔、海德格尔、福柯等西方思想史的领军人物，均将艺术实践纳入思想史的研究框架，实现了艺术史与思想史的深度融合;西方现代艺术的每一次革新，从浪漫主义、现实主义到现代主义、后现代主义，都与当时的思想变革紧密相关，是思想变革在艺术领域的具体体现;七位学者均认为，艺术史与思想史的同构性，每一次重大的思想变革，都会推动艺术形式与艺术思想的革新。

　　针对中国当代艺术的研究现状，与会学者们提出主张，应重构艺术史与思想史的对话机制，打破学科壁垒，实现二者的跨界融合。具体而言，一是推动研究视角的融合，艺术史学者应具备思想史的宏观视野，将艺术实践纳入特定的思想语境中，挖掘艺术作品的思想内涵与时代价值，避免单纯的形式分析;思想史学者则应加强艺术史知识的学习，关注当代艺术实践，从艺术作品中捕捉时代精神的变迁，丰富思想史的研究内容。二是推动研究方法的融合，借鉴思想史的研究方法，如语境分析、文本解读、历史溯源等，丰富艺术史的研究维度;同时借助艺术史的研究成果，如艺术作品、艺术事件、艺术家传记等，为思想史的研究提供鲜活的实践案例，打破思想史研究的抽象化局限。三是推动学术平台的融合，搭建跨学科的学术研讨平台，鼓励艺术史学者、思想史学者、哲学家、社会学家等不同领域的学者展开对话与合作，围绕艺术与思想的核心议题，开展联合研究，推动学术成果的共享与转化。

　　此外，七位学者均强调，艺术史与思想史的融合，并非简单的学科叠加，而是要实现思想内涵的共生与学术价值的互补。荣剑指出，艺术是思想的载体，艺术作品中蕴含的思想内涵，是时代精神的直观体现，对艺术史的研究，本质上也是对思想史的研究;而思想史的研究，若脱离了艺术实践的支撑，也会陷入抽象化、空洞化的困境。

　　(二)理论渊源：艺术史与思想史的融合

　　艺术史与思想史的融合，是中外学术研究的重要传统，其理论渊源可追溯至西方古典美学与中国传统学术思想。西方古典美学中，柏拉图、亚里士多德等哲学家，均将艺术纳入哲学与思想研究的框架，强调艺术与思想的内在关联。柏拉图在《理想国》中，将艺术视为对现实的模仿，而现实又是对理念的模仿，因此艺术是“模仿的模仿”，其价值取决于艺术作品所传递的思想内涵与道德价值。中国传统学术思想中，周敦颐提出“文以载道”，将艺术视为传递伦理思想、道德价值的载体，艺术的价值在于其思想内涵与社会功能，这种观点贯穿中国传统艺术的创作与批评，推动了艺术与思想的深度融合。道家思想中，强调“自然无为”，主张艺术应顺应自然，追求“天人合一”的意境，这种思想影响了中国传统绘画、书法等艺术形式的审美特质，让艺术成为传递道家思想、彰显自然之美的载体。佛家思想中的禅意精神，也对中国传统艺术产生了深远影响，推动了文人画、书法等艺术形式的发展，让艺术成为传递禅意思想、实现精神超脱的载体。

　　从艺术史与思想史融合的实践案例来看，中外诸多艺术事件与艺术作品，均印证了二者的同构性与共生性。西方文艺复兴时期，是艺术史与思想史深度融合的重要阶段。文艺复兴运动以人文主义思想为核心，反对封建神学的束缚，追求人的解放与个性自由，这种思想变革，直接推动了艺术的革新。达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等艺术家，将人文主义思想融入艺术创作中，打破了中世纪艺术的僵化模式，注重对人的刻画与对自然的模仿，创作了《蒙娜丽莎》《大卫》《雅典学院》等经典作品，这些作品不仅是艺术形式的突破，更是人文主义思想的直观体现，成为文艺复兴思想传播的重要载体。文艺复兴时期的艺术发展，推动了人文主义思想的广泛传播，而人文主义思想的深化，又进一步推动了艺术的创新与发展，实现了艺术史与思想史的共生共荣。

　　西方现代主义艺术的发展，同样体现了艺术史与思想史的融合。19世纪末20世纪初，西方社会经历了剧烈的思想变革，非理性主义思想兴起，尼采的“上帝已死”、弗洛伊德的精神分析理论、柏格森的生命哲学等，深刻影响了人们的思想观念与价值追求，这种思想变革，推动了现代主义艺术的兴起。现代主义艺术摆脱了传统艺术的模仿原则，强调艺术家的主观表达与内心世界的呈现，追求艺术形式的创新与突破，从印象主义、野兽主义、立体主义到表现主义、超现实主义，每一个艺术流派的兴起，都与当时的思想变革紧密相关。王林十分欣赏荣剑在论坛中提到的艺术与哲学关系的判断，他提到：“中国的哲学家确实缺乏基本的现代美学素养，而西方的思想家则非常重视艺术，把艺术作为理论建构的重要基础。荣剑老师提到福柯对《这不是一支烟斗》的解读，这是哲学与艺术深度结合的典范。福柯解读马格利特的绘画，是从符号学的角度，揭示了语言与图像的复杂关系，为我们理解现代艺术提供了全新的视角。”

　　(三)艺术史与思想史融合：中国当代艺术的实践

　　在中国当代艺术发展历程中，“85美术新潮”是艺术史与思想史融合的典型案例。80年代，中国社会处于思想解放的浪潮中，人道主义、异化问题、主体性等议题成为思想界讨论的核心，这种思想变革，直接推动了“85美术新潮”的兴起。当时的艺术家们，摆脱了僵化的意识形态束缚，大量引进西方现代艺术理论与思想，同时结合中国的思想语境，将思想解放的诉求融入艺术创作中，对僵化的艺术体制与审美观念形成了彻底冲击。“85美术新潮”不仅是艺术形式的革新，更是思想变革在艺术领域的具体体现，艺术实践成为思想传播、精神启蒙的重要载体，实现了艺术史与思想史的深度融合。

　　反观当下的学术研究现状，艺术史与思想史的脱节问题尤为突出，导致学术研究陷入诸多困境。艺术史研究中，部分学者过于注重形式分析与史料梳理，忽视了艺术作品的思想内涵与时代价值，例如，在对某件当代艺术作品的研究中，仅关注其艺术形式、创作技法的创新，而忽视了作品所传递的思想内涵与社会批判精神，导致研究陷入表面化、碎片化的困境;思想史研究中，部分学者则脱离艺术实践，专注于抽象的理论探讨，缺乏鲜活的实践案例支撑，导致研究陷入空洞化、抽象化的困境，无法全面把握时代精神的变迁。这种脱节，不仅阻碍了艺术史与思想史研究的深化，也制约了中国当代艺术学术体系的建构。

　　结合七位学者的共识与中外学术研究的实践经验，打破学科壁垒，构建艺术史与思想史融合的学术体系。革新研究视角，树立跨学科的学术理念，具有重要的作用。七位学者均认为，艺术史与思想史的融合，首要任务是打破学科壁垒，树立跨学科的学术理念，摒弃“就艺术谈艺术”“就思想谈思想”的狭隘视角，实现研究视角的跨界融合。具体而言，艺术史学者应跳出单纯的形式分析与史料梳理，具备思想史的宏观视野，将艺术实践纳入特定的思想语境、历史语境中，挖掘艺术作品的思想内涵、时代价值与社会意义，分析思想变革对艺术发展的推动作用，以及艺术实践对思想传播、精神启蒙的重要影响，让艺术史研究更具思想深度;思想史学者则应打破对艺术的忽视，加强艺术史知识的学习，关注艺术实践的发展，从艺术作品、艺术事件、艺术家传记等中捕捉时代精神的变迁，挖掘艺术实践中蕴含的思想内涵，以艺术实践为载体，丰富思想史的研究内容，让思想史研究更具实践温度。

　　荣剑在发言中强调，应将中国当代艺术史纳入本土思想史的研究框架，从思想史的视角审视中国当代艺术的发展历程，挖掘当代艺术的思想史价值，同时以当代艺术实践为支撑，丰富本土思想史的研究内容。这一观点，为研究视角的革新提供了具体思路，也彰显了跨学科研究的重要价值。彭德在发言中主张，应加强对中外文化遗址、艺术作品的比较研究，如土耳其哥贝克力遗址与中国东汉画像石的比较研究，挖掘不同文明中艺术与思想的共性与差异，推动艺术史与思想史的跨文明融合。高岭则补充道，应加强对中国当代艺术事件的个案研究，如“85美术新潮”“人体艺术大展”等，分析这些事件背后的思想变革与艺术创新，实现艺术史与思想史的深度融合。

　　四、当代艺术批评应兼具历史视野、现实关怀与未来眼光

　　当代艺术批评应兼具历史视野、现实关怀与未来眼光，既要梳理历史脉络，也要回应技术变革、代际发展等现实命题，引领艺术实践走向高质量发展。当代艺术批评绝非孤立的文本阐释活动，而应是历史视野、现实关怀与未来眼光的有机统一。既要以历史为鉴，梳理艺术发展的内在逻辑;也要立足当下，回应艺术生态的现实议题;更要前瞻未来，预判艺术变革的趋势方向，三者共同构成批评引领艺术实践的完整逻辑链。学者们共同关注当代艺术的现实适配性，贾方舟的发言为“历史视野”提供了核心支撑。他系统梳理中国当代艺术批评四十年迭代历程，从80年代“两刊一报”主导的纸媒时代，到90年代策展人崛起的转型期，再到21世纪美术馆时代与自媒体时代的交织，清晰勾勒出批评形态与话语权的变迁脉络。贾方舟强调，批评的历史视野并非简单的史料堆砌，而是要“廓清艺术发展的上下文与内在逻辑”，从历史实践中总结经验、规避误区。彭德将古代艺术与当代艺术视为“文明传承的完整链条”，他以西安古都的历史遗存为例，指出秦始皇陵的五色体系、汉代画像石的雕刻技法，并非与当代艺术无关的“古董”，而是蕴含着中国艺术审美基因的精神资源，当代批评若缺乏对这些古代艺术的认知，便会丧失对本土艺术的历史根源性理解。王林则从家族史、民间史的微观视角切入，核心围绕当代艺术与中国家族文化传承展开，从先秦务实传统追溯至家族、宗族历史，重点阐明了民间文化信仰的重要性。王端廷、吕澎的发言则聚焦“现实关怀”，将批评的目光投向当代艺术的具体生态。王端廷深耕“80后艺术”研究，以“微现实主义”概念精准概括这一代艺术家的创作特质——脱离宏大叙事，聚焦个体生命感受与日常生活细节。他通过诸多80后艺术家案例，指出80后艺术是“独生子女政策、消费主义、网络时代”等现实语境的产物，批评应直面其创作困境与价值诉求，而非用传统标准简单评判。吕澎则立足全球化与市场化的现实语境，分析当代艺术“话语失语”“批判性消解”的问题，他以1992年“广州当代艺术双年展”为例，反思艺术市场化的利弊，主张批评应回应“艺术如何平衡学术与市场”“本土如何对话全球”等现实命题，彰显了批评的现实干预力。 高岭的发言则凸显“未来眼光”，将批评的边界拓展至技术变革与文明演进的未来图景。高岭聚焦AI艺术这一新兴形态，详细分析ChatGPT、Sora等技术对艺术创作、传播与批评的冲击。他指出，AI技术重构了视觉生产的底层逻辑，从像素矩阵到算法生成，从静态图像到动态视频，既带来了“人人都是艺术家”的平权可能，也暗藏“信息茧房”“人文消解”的风险。批评需具备未来眼光，既要理性审视技术带来的艺术变革，也要坚守人文精神的核心地位，推动技术与人文的平衡。彭德也从未来学视角出发，早在1999年便连载《未来美术100年》，对各节点艺术现象进行预判。他担忧中国艺术界对未来学的忽视，强调批评家应具备“关注未来与未来学”的知识体系，既要预判AI、生物科技等技术对艺术的影响，也要思考艺术在文明升级中的使命，避免艺术陷入“无未来指引”的停滞。

　　从理论溯源来看，批评的“历史-现实-未来”三维统一有着深厚的学术根基。黑格尔在《美学》中将艺术发展划分为象征型、古典型、浪漫型三个阶段，强调艺术批评需立足历史发展脉络，把握时代精神;马克思主义艺术批评主张“艺术是社会生活的反映”，凸显了批评的现实关怀;未来学先驱阿尔文·托夫勒在《第三次浪潮》中预判技术变革对文化的影响，为批评的未来眼光提供了理论参照。从实践案例来看，“85美术新潮”正是批评家兼具历史视野、现实关怀、未来眼光的典范，其推动的艺术变革影响深远。而本雅明在《机械复制时代的艺术作品》中，对技术变革与艺术“灵韵”关系的探讨，更是直接触及了技术时代艺术批评的核心命题，为当下AI时代的批评实践提供了重要启示。

　　学者们共同指出，当下批评在“历史-现实-未来”三维中存在明显短板：在历史视野层面，部分批评陷入“历史虚无主义”或“片面复古主义”：前者脱离历史语境，用当下的审美标准、价值观念评判不同时代的艺术，比如将80年代“85美术新潮”的“全盘西化”简单批判为“缺乏本土性”，而忽视其在思想解放时期的启蒙价值;后者则盲目崇拜古代艺术，将传统艺术的形式与标准奉为圭臬，否定当代艺术的创新尝试，比如认为AI艺术、装置艺术“不是真正的艺术”，这种僵化的历史观本质上是对艺术发展规律的背离。在现实关怀层面，存在“功利化”与“边缘化”两种极端：部分批评沦为市场、权力的“附庸”，回避艺术生态中的深层问题，比如对艺术市场化带来的功利化倾向、权力干预艺术的现象视而不见，反而刻意吹捧缺乏价值的作品;另一些批评则陷入“书斋式空谈”，脱离艺术实践现场，对代际艺术、技术艺术等现实议题缺乏关注，导致批评与现实脱节，丧失了公共性与干预力。在未来眼光层面，表现为“盲目乐观”与“极端悲观”的双重误区：部分批评家对AI等新技术艺术盲目追捧，将其视为“艺术的终极形态”，忽视了技术背后的人文危机;另一些批评家则对新兴艺术形态全盘否定，固守传统艺术的边界，拒绝接受艺术形态的变革，这种保守心态将导致艺术被时代淘汰。

　　针对这些问题，学者们结合自身研究与实践，提出了具体的实践路径。其一，关注历史文化思想，构建“古今贯通、中西互鉴”的历史视野。批评家需系统学习中外艺术史，不仅要掌握主流艺术的发展脉络，更要关注民间艺术、边缘艺术的历史遗存，既要深入理解中国传统艺术的审美基因与思想内涵，也要了解西方艺术的发展逻辑与理论成果，避免“片面化的历史认知”。同时，要学会“以历史为镜”，从历史实践中总结经验教训，比如从80年代纸媒批评的兴衰中，思考当下自媒体批评的发展路径;从西方现代艺术的变革中，借鉴艺术创新与传统传承的平衡之道。

　　其二，深化现实回应，聚焦“真问题、深介入”的现实关怀。批评家应走出书斋，深入艺术实践现场，关注艺术生态中的核心问题。避免“一刀切”的评价标准，平衡艺术市场化的利弊，王端廷指出“在我看来，市场和权力虽然对当代艺术有一定的负面影响，但也为当代艺术的发展提供了一些契机。就拿市场来说，虽然市场的功利性确实导致一些艺术家迎合市场、放弃思想性，但市场也为艺术的独立发展提供了经济基础。我一直有一个观点：‘市场化的艺术就是民主的艺术’。因为市场强调的是平等竞争，只要你的作品有价值，就有可能被市场认可，不管你的背景如何、是否被体制接纳。而权力主导的艺术，则是等级化的艺术，只有符合其要求的作品才能被认可。相比之下，市场虽然有很多弊端，但它为艺术提供了更多的可能性，也为艺术家的独立创作提供了更好的环境。”技术层面，理性审视AI艺术、数字艺术等新兴形态，既鼓励技术创新，又坚守人文底线。同时，批评的现实关怀需要“公共性的表达”，既要通过学术期刊、论坛等平台进行专业探讨，也要利用新媒体平台向公众普及艺术知识，引导公众正确认识当代艺术，让批评成为连接艺术界与公众的桥梁。荣剑指出，批评的现实介入需要勇气与担当，敢于直面问题、批判乱象，同时也要提出建设性的解决方案，避免为批判而批判的情绪宣泄。

　　其三，培育未来眼光，建立“技术敏感、文明前瞻”的未来意识。批评家需主动学习未来学、科技哲学等相关知识，关注人工智能、生物技术等领域的变革，预判这些变革对艺术创作、传播、接受的影响;要打破艺术形态固化的认知，认识到艺术的边界将随着时代发展不断拓展，未来艺术可能呈现出与当下完全不同的形态。同时，批评的未来眼光需要“包容与审慎的平衡”，对新兴艺术形态保持开放的心态，给予其足够的发展空间，同时也要保持审慎的批判态度，及时发现并规避可能出现的问题。高岭提到：“我们需主动打破‘信息茧房’，以批判性思维审视算法推送的内容，在技术浪潮中坚守人类的主体性。”

　　构建艺术批评理论时，要以历史经验为基础，以现实问题为导向，以未来发展为目标，形成兼具稳定性与创新性的理论体系。在时代变革加速、艺术形态多元的当下，只有具备这种整合性的批评视野，才能让艺术批评真正发挥阐释作品、引领思潮、反思现实、建构价值的核心作用，为中国当代艺术的高质量发展注入持续的思想动力。

　　五、结语

　　首届“艺术望三清论坛”汇聚贾方舟、彭德、王林、吕澎、荣剑、王端廷、高岭七位深耕当代艺术领域数十载的学者，于江西三清山展开了一场层次清晰、互补共生的学术论坛。对中国当代艺术四十年批评与实践的系统梳理，是对当下艺术发展核心困境的直面回应，更是对未来艺术思想突围路径的集体探寻。从贾方舟对四十年批评史的脉络梳理，到彭德对古今艺术与批评品格的深度剖析;从荣剑对艺术史与思想史融合的跨界思考，到王林对家族文化与民间精神的本土挖掘;从吕澎对全球化语境的现实审视，到王端廷对80后艺术的代际解读，再到高岭对AI艺术的前沿预判，七位学者以多元视角切入，却始终围绕“艺术如何回应时代、如何建构本土、如何走向未来”的核心命题，实现了从实践现象到思想本质的深度升华。 学者们的出发点高度一致：以自身数十年的学术深耕、实践推进与文字坚守，推动当代艺术生态与艺术批评向着更良性、更成熟、更具人文温度的方向发展。这份共同的价值追求，正是论坛最为珍贵的精神内核。尽管各位学者的研究领域、学术侧重存在差异，但在核心议题上形成了诸多重要共识，展开了极富价值的学术争鸣。这种“和而不同”的学术氛围，既彰显了中国当代艺术批评界的思想活力与包容气度，也让论坛的讨论更具深度与层次感，为本土艺术话语体系的建构、艺术批评的规范化发展、艺术实践的创新突破提供了兼具理论高度与实践可行性的重要思路。

　　艺术批评的生命力，始终源于对艺术实践的真诚回应、对时代精神的敏锐把握，以及批评家的独立思辨与坚守初心。在市场经济浪潮席卷、技术变革加速、西方话语仍占主导的当下艺术生态中，七位学者凝聚的“四大核心共识”更显其现实意义与时代价值。“艺术批评的独立品格与使命担当”，为批评家划定了抵御资本依附与权力裹挟的精神底线，提醒着每一位从业者，批评的价值不在于迎合与吹捧，而在于以专业视角进行理性阐释、以批判精神直面行业弊病、以人文情怀守护艺术本质，这正是对庄子“非议百家”、嵇康“非汤武而薄周孔”等传统文人精神的当代传承。“本土文化传承与当代转化”，则为当代艺术摆脱西方话语依赖、构建自身特色指明了路径，王林的家族文化研究、彭德的终南学探索，让我们看到传统文化能够通过当代转化重新焕发生机，从宗法伦理到民间艺术，从传统五色体系到隐士文化，本土资源的深度挖掘与创新表达，正是中国当代艺术在世界舞台上实现自主言说的关键。“艺术史与思想史的跨界融合”，打破了长期以来的学科壁垒，揭示了艺术与思想共生共荣的本质关系。荣剑的发言让我们意识到，艺术史的研究若脱离思想史的宏观视野，便会陷入“就艺术谈艺术”的表面化困境;而思想史的探索若缺乏艺术实践的鲜活支撑，也将沦为抽象空洞的理论推演。从文艺复兴时期人文主义思想与艺术革新的同频共振，到中国“85美术新潮”对思想解放的直观呈现，历史已经反复印证，艺术是思想的载体，思想是艺术的灵魂，二者的深度融合是推动学术进步与艺术发展的重要动力。“批评应兼具三维视野”，则回应了AI时代带来的全新命题，高岭对AI艺术的理性审视、彭德对未来学的前瞻思考，既不盲目追捧技术带来的便捷，也不固守传统而抗拒变革，而是倡导在历史视野、现实关怀与未来眼光之间寻找平衡，让技术成为拓展艺术表达的工具，而非消解人文精神的枷锁，这种辩证思维为当代艺术应对技术挑战提供了重要启示。

　　本届论坛搭建的学术对话平台、凝聚的核心学术共识、传递的实践理念，都将为中国当代艺术批评的发展注入持续而强劲的动力。论坛的价值不仅在于当下的思想碰撞，更在于其长远的示范效应与传承意义。它让我们看到，中国当代艺术批评界并未在浮躁的市场环境中迷失方向，而是总有那么一些执著者，始终坚守着学术初心与人文担当，为批评家、艺术家、思想家树立榜样。期盼未来，艺术望三清论坛能够持续以学术深耕为核心、以思想对话为纽带、以实践落地为目标，不断汇聚更多不同背景、不同视角的批评家与艺术家，共同促进当代艺术生态与批评体系的良性发展。愿这场乡野间的思想之约，能够成为中国当代艺术领域的重要学术品牌，持续推动多元观点的碰撞、学术共识的凝聚与本土话语的建构。艺术的发展永无止境，批评的探索亦永不停歇。首届艺术望三清论坛所彰显的多元包容、求真务实、坚守初心的学术精神，将如同三清山的山水灵气一般，滋养着中国当代艺术的土壤。这份共同的人文坚守与学术追求，也是中国当代艺术批评界最宝贵的财富，也是引领中国当代艺术行稳致远的核心动力。

　　与会各方

　　会议议题：《AI 的技术哲学与人的选择哲学》

作者信息：

马怡诺 天津美术学院艺术与人文学院艺术管理专业硕士研究生

刘凌越 天津美术学院艺术与人文学院艺术管理专业硕士研究生