导语：自2015年至今，“年度最让人印象深刻的100件中国艺术家新作”的观察已经有10个年头，每年年终我们回望这一年中国当代艺术家们的创作。在巨变的时代，2025年注定是不平凡的一年。我们回望这一年中国当代艺术家们的创作，整理出了2025年最让人印象深刻的100件中国当代艺术家新作品。以此关照当下，展望未来。

100位艺术家名单(排名按姓氏拼音顺序不分前后，由于内容丰富分五期发布)：

包林、蔡国强、蔡磊、蔡锦、陈春木、陈牧甜、陈彧君、陈可、陈小丹、车建全、丁乙、杜小同、方力钧、范勃、冯梦波、顾黎明、葛宇路、葛辉、胡项城、胡尹萍、黄锐、黄一山、黄宇兴、韩五洲、鞠婷、季鑫、靳军、景柯文、康海涛、李津、李怒、李山、李文鹏、李洪波、刘小东、刘旭光、刘海辰、厉槟源、廖生祥、廖国核、林天苗、林科、林岚、马轲、马秋莎、马灵丽、马文婷、孟柏伸、倪军、蒲英玮、邱瑞祥、任小林、任诒春、苏永健、宋冬、孙逊、宿利群、邵译农、师丹青、谭平、谭勋、谭英杰、童昆鸟、童文敏、仝天庆、王光乐、王璜生、王郁洋、王迈、王依雅、王兴伟、汪建伟、吴啸海、武艺、邬建安、薛松、许江、许宏翔、徐冰、徐累、夏禹、谢震、尹秀珍、杨千、杨烨炘、杨洁苍、杨伯都、杨福东、叶锦添、 叶剑青、闫珩、张培力、张晓刚、张新军、赵赵、赵延斌、钟飙、周力、章燕紫、展望

相关链接：

雅昌专稿 | 2025年最让人印象深刻的100件中国艺术家新作（一）

雅昌专稿 | 2025年最让人印象深刻的100件中国艺术家新作（三）​

第二期艺术家作品及介绍

黄锐

黄锐《9个地 – 一个争》布面油画、混合媒体，345 × 180 × 173 cm，2025

黄锐强调"绘画不应沦为被复制的图像，而应承担思想的结构功能"。这一结构语言源于其1983年起对《道德经》《易经》的研读，以及1980年代对苏州园林空间结构和日本"间"文化的研究。

黄一山

黄一山 “室内的标点”展览现场，《雄辩》，2025，板上综合材料，260×300cm

罕见的群像作品，以艺术家自画像为主体，呈现不同状态的自己——青涩的、焦虑的、正在跟人辩驳的

。重现法国画家莫里斯·丹尼斯1900年作品《向塞尚致敬》的经典场景，但将画面中央塞尚的《果盘、玻璃杯和苹果》"挖出黑洞"，形成双重解构。

艺术家自述："这是我正儿八经的第二件群像作品，也是一幅自画像……虽然是自画像，但同时它也是能够折射到，我们这个社会当中各种形形色色的人"

黄宇兴

黄宇兴 补天石 2024-2025 布面丙烯油画 144.5×230cm

黄宇兴所营构的山水园景，不是传统造景的叙事空间，亦非返璞归真的自然想象，而是杂糅有“人工刺激”与“即时感官”的文明解构后的精神残迹。它如同文明幻象破碎后的后景。在这类图像中，观者感受到的不是景观的安稳，而是存在边界的轻颤与不定，恰如在图像废墟上重新搜寻精神坐标的荒野旅程。

韩五洲

桃花源 Tao Hua Yuan 行为表演 Performance ｜墨方画廊 2025 现场 ©️mz

韩五洲站在双层脚手架上，戴拳击手套击打三袋共75公斤（与其身体等重）的面粉，直至体能极限，面粉如雪般飘落覆盖下方枯树。面粉覆盖枯枝营造"雪景"，红色药片粘于枝头似花蕾果实，"仿佛若有光"的期待对应陶渊明《桃花源记》。铁架围困的无土之木，喻示被禁锢的生命与虚幻的希望。

鞠婷

鞠婷，《琥珀030425》, 2024-2025 木板丙烯, 250 × 250 × 6 cm

新作采用2.5米高的极限尺寸，艺术家从画面两端刻划，达到臂长极限，这种身体局限使动作产生"受困与挣脱"的意味，思想无限但身体有限。

季鑫

季鑫，《三联画之沉思中的三女神 I, II, III》，2025，布面油画，220×160cm; 220×200cm; 220×160cm

人物被挤压成空间中的柱状结构，在扭曲中呈现上升态势，类似"女祭司"形象，作为神与人之间的媒介，呈现"淬火后熔炼中的紧张摇曳感"。季鑫自述："通过一种'压榨'来达到你的'嗨点'，感受精神上的'窄门'，通过压缩，可以去剔除掉一些比较多余的东西，比如甚至是剔除掉肉体的部分，达到一种类似于直面灵魂的状态"。

靳军

靳军 《平直曲面的天水如一》数字沉浸空间影像、 尺寸可变、 时长 4‘30”

作品试图以古代传统经典艺术为对象，将当今数字媒介与之对话。在重新构建人与自然的精神交流之时，呈现平远宽阔的水波意境在无限延伸的像素之中。古人对水面的自然研习，转换到今日天人合一的动态虚拟沉浸体验感知，传统便不再只是被临摹的对象，而是生动的、可以共情共感的当下。对传统美学的转译，也是数智时代人文自然精神的艺术与科技融合再现。

景柯文

景柯文《万里无云 No,2》200x200cm 布面油画 2025

在景柯文的2025年新作《万里无云No.2》中，显现出个人史与集体史的杂糅与复杂的情感——在二战胜利后的大时代背景里，身着白裙的中国女子手握军用吉普的方向盘，身后是万里无云的正午阳光。这不是怀旧，而是对“爱”的重新发现：失望中的爱，落寞时的爱。景柯文从老照片里打捞的，从来不是宏大叙事，而是那些比事件更接近人心的东西——表情、蓝天、光的尺度。他剔除了历史的悲情，只保留一种确信：抵达目标后，酝酿已久却突如其来的快乐。绘画在此穿越时间之障，让我们无法忘记：曾有这样一张脸，在阳光下如此灿烂的笑颜和对未来的笃定。

康海涛

康海涛 时光  纸板丙烯 199×299cm 2022-2025

这个图像的来源很偶然，不是直接拍摄的一个场景，而是把一张夜景图片左下角很小的一个局部放大。原图拍摄的是夜晚窗外有灯光的比较完整的具体场景，整个基调是深色的。把这个局部放大之后，感觉既像夜晚又像白天阳光下斑驳的光影，画面更加神秘和有不确定感。原来图像上的细节放大之后又生成了新的意象，图像变得既现实又抽离，唤起内心更多的联想。

李津

李津，肉身千字文，22x20cmx1000，纸本水墨设色，2025

不倦描绘1000块肉，每一块在肥瘦、油脂排列、色彩光泽与形态上具有微妙差异，将"肉食者不鄙"的坚持推至极致，以1000块肉的持续行动贯彻对生命的理解，指向生命存在与欲望循环的本体。

李怒

李怒，《无足鸟 1-7》局部，2025硫化天然橡胶、汉白玉、镀锌铁、木托盘，210 × 91 × 45～65 cm / 件

作品在艺术家温州大型个展"妈妈"中展出，展览延续李怒对"土地、身体和意志"的长期关注，将温州作为研究场域，探讨"一个以'流动'著称的群体，如何不断'恋地'，并创造性地重建归属感？全球性的空间开拓，又如何反过来重塑本土的地方景观与情感结构？"

李山

李山  苏美尔徊响IV  布面丙烯  185cm×185cm  2025  图片来自艺术家与香格纳画廊

李山近年来投身对古苏美尔文明的探究，将"生物性"研究从实证转向形而上探索。

李文鹏

李文鹏 秋山问道 90×60cm 木板综合材料 2025

李文鹏的《秋山问道》标志其创作的重要转型。他突破娴熟的黑白木刻体系，转而在一整块木板上进行探索。他选择保留椴木的天然肌理，并与漆料流动所产生的偶然痕迹相结合，将材料本身的物质性转化为画面的结构基础。色彩的介入，不再仅是形式的附加，而成为塑造结构、深化视觉层次与精神空间的重要变量。在极具控制力的娴熟刀法之上，李文鹏展开了个人化的想象叙事：山水幻境中的人物与瑞兽，将观者引向“可游可居”的古典理想，成为一种当代精神栖居的隐喻。作品既印证了其深厚的学院功底与传统修养，更彰显了一种沉静内省、摒弃表象浮躁、自觉疏离于浅表市场趣味的独立创作姿态。

李洪波

李洪波 教室 装置 尺寸可变 教科书 课桌椅 2024–2025

《教室》以堆积如山的废旧教科书为主要材料，构建出一个沉浸式的空间场景。桌面上浮现出“生长”出的对称人脸，这些人脸随观众移动而变化，形成视觉上的“流动镜像”。这种设计不仅具有技术上的趣味性，更隐喻了教育空间中个体身份的可塑性——在标准化教育的规训下，个体被不断塑造、统一，却又保有微妙的流动与差异。李洪波通过《教室》探讨教育与个体成长的关系。观众在作品中不仅能感受到个人求学过程的层层攀升，也能看到一代人集体奋斗的凝固影像。

刘小东

刘小东《天门关》，亚麻布油画，2025，230×188cm

2025年春天，刘小东前往太行山区写生，原本计划绘制风景，却迟迟找不到感觉，直到决定"还是要画人"——于是《少年通天》《天门关》诞生。描绘革命老区太行山的"Z世代"少年，色彩愈发明亮、大胆，甚至呈现出一种与年龄不符的"年轻化"倾向。"其实，我们就认真地面对一个人，他就包含着所有"——刘小东通过绘画这一具象媒介，将个体与时代重新联结，让"小我"的存在重新回到艺术中心。

刘旭光

刘旭光 墨塔 H360x400cm(尺寸可变) 装置:木材、瓷条、墨、黄河沙土等 2025

刘旭光最新装置作品《墨塔》，可视为一座时间与生命之塔的具象化呈现。艺术家将镌刻古代数字与时间符号的黑色瓷条堆砌为一座六棱塔，造型灵感取自梁思成绘制的佛塔截面草图，作品不仅具备形式美感，更蕴含深层哲学思考，引向对《易经》、河洛数字观念的深入思索，诉说着人类对宇宙、时间与生命的认知，象征时间流转与生命轮回。

甲骨占卜的物理痕迹（龟甲裂纹），实则是上古人类对混沌世界的拓扑学式解码；裂纹网络作为原始的数据可视化模型，与当代算法艺术中的生成式代码形成跨时空对话。艺术家Refik Anadol的机器学习装置，将气象数据转化为流动光纹，恰如数字时代的龟甲灼痕，二者均以抽象形态构建对未知的具身认知。这种认知范式的延续性揭示出：人类始终在界面（interface）的转换中，追寻着关于确定性的幻觉。

刘海辰

刘海辰 年轻的独行者 布面油画 200 × 160cm 2025

《年轻的独行者》是刘海辰对少年时代一次荒野经历的回望：在荒野之中与一匹孤狼隔河对视。那一刻既无惊惧，也无惊讶，反而如久别重逢般自然平和。这段记忆在多年后被重新唤起，转化为画布上的沉思与凝视，成为对孤独、成长与个体存在的深层探讨。画面中，一位年轻人伫立于篝火旁，面向远方，仿佛在等待某种回应。他背后的森林浓密幽深，火焰的光与烟直冲云霄，将人类的存在嵌入到自然的无限之中。而河对岸，那匹静静饮水的狼，不只是动物的描绘，它成为一种关于野性、自由，以及某种难以言明的精神象征。狼和人之间的隔河对视，延续了艺术家童年那段神秘的邂逅，也象征着“自我”与“他者”、“人性”与“自然”之间的对话。 孤狼在这里，不再是危险的象征，而是一个可以被认同、被凝望的存在，一个心理空间中的“镜像自我”。

厉槟源

厉槟源《分解》开幕现场表演 松美术馆，北京，2025

厉槟源的艺术实践动机是通过身体互动来了解自己所处的空间和物质环境，以便质疑和超越我们对环境所强加的规范和意识形态。2025年的"成为厉槟源"标志着从"事件制造者"向"过程性存在"的转型——不再追求瞬间的爆发，而是呈现持续的"成为"状态。

廖生祥

廖生祥，《环形剧场》，铸铝，95×300×379 cm，2025年

作品以鲨鱼的上颌骨和下颌骨为灵感，重构出类似古罗马斗兽场的圆形结构，通过主观强化鲨鱼形态，营造出凶猛、贪婪与残酷的视觉氛围，隐喻人类欲望与生存困境。

廖国核

廖国核，《出售，14元/小时，19万/天，信任》，2025，带框棉纺织物上丙烯，50 x 65 cm

“出售”一词在廖国核的作品中反复出现，象征着一切事物都被纳入商品交换体系。无论是劳动力、生命还是社会关系，都被明码标价，成为可交易的商品。这种商品化逻辑不仅体现在经济领域，也渗透到社会生活的方方面面，反映了当代社会对价值的单一化衡量标准。作品中“14元/小时”与“19万/天”的巨大价格差异，直观地呈现了社会阶层的悬殊。前者代表底层劳动者的微薄收入，后者则象征着特权阶层或资本精英的巨额财富。这种对比不仅是对经济差距的揭示，更是对社会资源分配不公的尖锐批判，暗示了不同群体在社会中的价值被严重扭曲。

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