导语：自2015年至今，“年度最让人印象深刻的100件中国艺术家新作”的观察已经有10个年头，每年年终我们回望这一年中国当代艺术家们的创作。在巨变的时代，2025年注定是不平凡的一年。我们回望这一年中国当代艺术家们的创作，整理出了2025年最让人印象深刻的100件中国当代艺术家新作品。以此关照当下，展望未来。

100位艺术家名单(排名按姓氏拼音顺序不分前后，由于内容丰富分五期发布)：

包林、蔡国强、蔡磊、蔡锦、陈春木、陈牧甜、陈彧君、陈可、陈小丹、车建全、丁乙、杜小同、方力钧、范勃、冯梦波、顾黎明、葛宇路、葛辉、胡项城、胡尹萍、黄锐、黄一山、黄宇兴、韩五洲、鞠婷、季鑫、靳军、景柯文、康海涛、李津、李怒、李山、李文鹏、李洪波、刘小东、刘旭光、刘海辰、厉槟源、廖生祥、林天苗、林科、林岚、廖国核、马轲、马秋莎、马灵丽、马文婷、孟柏伸、倪军、蒲英玮、邱瑞祥、任小林、任诒春、苏永健、宋冬、孙逊、宿利群、邵译农、师丹青、谭平、谭勋、谭英杰、童昆鸟、童文敏、仝天庆、王光乐、王璜生、王郁洋、王迈、王依雅、王兴伟、汪建伟、吴啸海、武艺、邬建安、薛松、许江、许宏翔、徐冰、徐累、夏禹、谢震、尹秀珍、杨千、杨烨炘、杨洁苍、杨伯都、杨福东、叶锦添、 叶剑青、闫珩、张培力、张晓刚、张新军、赵赵、赵延斌、钟飙、周力、章燕紫、展望

相关链接：

雅昌专稿 | 2025年最让人印象深刻的100件中国艺术家新作（一）

雅昌专稿 | 2025年最让人印象深刻的100件中国艺术家新作（二）

第三期艺术家作品及介绍

林天苗

林天苗，《小人国》局部，“没什么好玩的！——林天苗个展”展览现场，上海当代艺术博物馆，2025年。

《小人国》创作于林天苗经历疾病与治疗期间，灵感源于她对身体内部结构的观察，以及对微观与宏观世界关系的思考。该作品是一个大型场域特定装置，包含近百个机械装置、红色管状结构及实时监控影像。机械装置模拟细胞或微观生物的运动，红色管道象征血管或神经网络，监控画面则将观众置于“上帝视角”，模糊微观与宏观、控制与失控的界限。作品试图通过艺术语言探讨生命、科技与社会的复杂关系。

林科

林科，《异常强烈》，收藏级打印，140x188cm，2025 图片致谢艺术家及BANK画廊

《异常强烈》（2025）是林科“幽灵技术”系列中的重要作品，作品通过像素化的格子、黑白灰为主色调的表面，以及偶尔浮现的低饱和度色彩，营造出一种模糊、无定形的视觉效果。观众在不同距离和角度观看时，图像会呈现出不同的形态，有时主体模糊不清，有时又会突然显现，这种视觉的流动性挑战了传统绘画的固定观看方式，强调了观看过程中的主观性和不确定性。

林岚

林岚，《同一滴眼泪下》，2014-2025，回收布料、陶瓷杯、音响设备，展览空间尺寸

作品由粤港两地的纺织女工和家庭妇女共同缝制，使用了大量回收的布料。这些布料不仅是物质的载体，更承载着不同人的生活痕迹与记忆。通过缝制与拼接，布料之间的界限被消融，象征着人与人之间的连接与融合，也体现了林岚对日常物品的重新赋予意义，将平凡的布料转化为具有艺术价值与情感深度的载体。作品通过巨大的圆形装置，营造出一种包容性的空间氛围，如同一轮巨大的明月，包容着所有人的乡愁与情感。观众置身其中，能够感受到一种集体情感的共鸣，仿佛所有的个体情感都在这一滴眼泪下得到了汇聚与释放。

马轲

马轲《混沌世界》  235x299cm  布面油画  2025

马轲的创作多围绕“西游记”“变形记”等主题展开，通过几何形式、抽象元素与叙事性场景的结合，探讨人性、社会现实与绘画本体语言的关系。

马秋莎

马秋莎《串红和万寿菊》2025年，节庆鲜花、脚手架，尺寸可变“一个青年”展览现场，2025年，蔡锦空间，北京

该作品以节庆常用的串红和万寿菊为材料，将花朵堆满阶梯看台，任其随时间枯萎，通过宏大的景观逐渐化作脆弱的丰碑，探讨生命、记忆与时间的流逝。

马灵丽

马灵丽《9》绢本综合材料，190x125cm 2025 马灵丽个展“196”展览现场

马灵丽以绢为基底，通过“捏”的动作制造褶皱，使绢布呈现出流动的形态。褶皱不仅是视觉元素，更是物质与精神的载体，象征着生命的运动与变化。作品以数字“9”命名，源于绢布褶皱的数量，这种命名方式回归创作本质，强调材料本身的逻辑而非预设主题。

马文婷

马文婷《此时此地》之七，布面油画，300×200cm，2025年

“此时此地”系列整体是对当下生活瞬间的捕捉与思考，《此时此地》之七延续了这一主题，将目光投向艺术家工作室的一隅。作品通过描绘工作室中的物品、空间布局等，展现了日常生活中的平凡场景，但这些场景并非简单的记录，而是蕴含着艺术家对当下生活的观察与感悟。画面中直线生硬的切割与几乎满溢的构图，营造出一种自闭、内省的氛围。这种氛围可能反映了艺术家在特定时期对自身生活、创作状态的思考，以及对外部世界的某种疏离感。工作室作为艺术家的私人空间，成为其内心世界的投射，暗示了艺术家在创作过程中对自我与世界的重新审视。

孟柏伸

孟柏伸 《尺度》2025 老式皮尺、丙烯颜料 尺寸可变

《尺度》是孟柏伸于 2018 年开始创作的作品，此次展览中，他根据场馆特点，增加了作品的数量，运用了数千个不同长度、形式的尺子，并将其与现场的货架巧妙结合，以一种顶天立地的方式撑起空间，将周围环境融入作品之中。他将尺子涂黑，消解了其原有的刻度与功能性，这一过程既是对传统价值尺度的否定，也暗示着一种新价值观的建立。

倪军

倪军 Ni Jun_膏蟹与大三文鱼 Salmon and Crab Cream_2025_布面油画 Oil on canvas_98×118cm

我们中国人素喜以南澳岛为代表的潮汕地区的膏蟹，做熟后的美味是任何语言都难以形容的。我画的是刚从海里出来的膏蟹，其赫里有黑、黑中透赫的外壳色泽是我想要迅速扑捉到的色彩，当然还得是带着淋漓的海水的透亮黑色气质。三文鱼比较多的时候就是吃生鲜状态的，我们都熟悉了鱼肉的暖红和鱼皮的高级灰色。在鱼肉与鱼肉的叠加和膏蟹与膏蟹的并置关系中我注重了自然摆放的生活原发感。当时观看我作画的友人见证了我对这组静物的摆放就是“没有摆放”，这也是一个有经验的画家和学画新人画静物时的尚未被讨论过的差异：有意打破传统静物构图的当代方法是在眼前的生鲜活剥中即刻发现美以及发现即刻的美。光的诡谲和魅力是永远存在着的，你不能对光线给你添加的迷人之处视而不见。因此，我用光与影统一了眼前的三文鱼与膏蟹，突出鱼肉的肉质与固有色，又借用膏蟹坚壳的固有色去带动观众去推演膏蟹被蒸熟之后的内部蟹黄的固有色。这是一幅有时间过程和食欲诱惑的画作，本质是观照我们的日常生活美学，并且打通中国的南方北方，最大可能地击中美食大国人民的美食家大多数。

蒲英玮

蒲英玮 红色计算机 / Red Computer 2025，布面油画，亚克力，丝网印刷，纸本拼贴，宣纸、水墨，500×2000cm完整作品由26个部分组成，其中180×200cm×20个、100×300cm×6个

这是一件巨幅绘画作品，长18米、高5米，绘画面积近百平方米，共分为26个部分，对应26个英文字母，每个字母对应一个关键概念，如人工智能、5G基站、芯片研发、数字货币等，涵盖了科技发展的多个领域，同时也涉及社会现象（如就业焦虑、用户隐私）和未来趋势（如量子通信、太空探索）。这些概念通过绘画、拼贴、文字等多种形式呈现，形成一个复杂的叙事网络。作品回应了2025年全球科技快速发展与地缘政治变化的背景，反映了人们对未来的不确定性和焦虑。科技被视为一种权力形式，与民族国家、跨国公司相互交织，影响着社会结构和人类生活。

邱瑞祥

邱瑞祥《两个人物 Ⅱ》Two Figures Ⅱ纸本油画棒  oil pastel on paper 50x42cm，2019-2025

邱瑞祥的视觉语言看似属于另一个时代，但其内核却是对当代人类经验的精准诠释。他在画作中探索的"本质"，始终是观者能够共鸣的特质。那些人物的衣着装扮、呈现姿态以及在画布空间中的移动方式，不仅促使我们思考生存的形态——独居、群居、家族聚居、与世隔绝或比邻而居；与自我及他人和解或对抗——更引导我们体察"存在"本身的进程。个体。人物。精神。灵魂。人类。每一个人。

任小林

任小林《众神的游戏》，2025布面油画 180×160cm

作品呼应宋代艮岳园林的“居间”理念，探讨自然与人造、秩序与灵性、个体与永恒的关系。佛像象征着精神的超越性，而现代元素则代表现实世界的复杂性。两者共存于同一空间，暗示着在传统与现代、东方与西方的碰撞中，个体如何在“居间”状态中寻找自我定位与精神归宿。这种“居间”并非逃避，而是通过艺术创作重构人与世界的关系，回应当代社会的精神困境。

任诒春

任诒春《栖息于光》 90x90cm，布面油画，2025

任诒春静物中的水果、桌布、叶片、背景等等不断转换的边缘线间，空间总处于一种不确定的互为运动的共振状态。她的画布前，目光在果实、衬布与那片深邃的背景之间游移。她的手臂抬起，笔尖在调色板与画布之间的虚空中停顿。这不是开始的瞬间，也并非结束的时刻，而是一个被无限延长的“悬置”状态——形式、色彩与光线在此凝结，又即将在笔触的推进中重新流转。在她面前的这块平面上，《栖息于光》的前景的果实边缘正泛着一道不由分说的、暖黄色的光;中景饱满的果实、叶蔓与蓝灰、灰紫的色彩相互渗透;而后方，是一片并非虚空、却吸纳了一切细节的“神秘的暗色”。

苏永健

苏永健 浑沦 影像装置 520×520×400cm 2025年

苏永健的《浑沦》则将思辨投向更浩瀚的时空。作品意象取自元代朱德润的《浑沦图》，以两支悬吊线锤的机械臂勾勒圆环轨迹。作品巧妙的把程序引入了自1957年至今的实时地磁扰动数据，用以干扰圆周运动。于是，机械的绝对理性与宇宙的自然混沌在此交织，人工与天工展开一场永不停歇的对话。

宋冬

宋冬 《非问非答》，2025 边检柜台、吊灯、霓虹灯、牌匾、电视、护照牌等综合媒材 尺寸可变 ©图片由策展人冯博一提供

作品延续了宋冬一贯的创作逻辑，即用最朴素的日常材料和语言构建艺术表达。《非问非答》没有复杂的技法或抽象的概念，而是以最直接的方式邀请观众参与，使艺术与生活无缝衔接。这种创作方式强调了艺术的公共性和参与性，让观众在互动中重新审视生活的意义与价值。

孙逊

孙逊，《魔法星图》，2025，视频(动画)静帧，图片由艺术家和香格纳画廊惠允

《魔法星图》耗时十年创作，孙逊以手工木刻的“慢”对抗数字时代的“快”，强调创作的劳动价值与时间沉淀。这种“长期主义”不仅是对技术加速的批判，更是对艺术本质的坚守。作品通过“去意义”的结构，指认叙事的崩塌与真理的虚无，但这种悲观并非绝望，而是对现实的清醒认知。艺术家以神话般的寓言，构建了一个不提供解答却充满思考空间的世界，邀请观众在幻象中寻找属于自己的答案。

宿利群

作者：宿利群 作品：《蚕》 装置艺术  创作时间：2025年 尺寸：长17.6米、宽4.8米、高3.6米， 材料：陶瓷、大漆、木质、有机玻璃、丝绸、照明系统

《蚕》由44件陶瓷器物和陶瓷残器大漆修复器物组合而成、有机玻璃、木质榫卯结构和丝绸等材料组合，形成“茧房”的装置。这些材料不仅是物理意义上的合作，更承载着历史与文化的记忆。瓷器残片象征着破碎与重生，木质榫卯结构体现传统工艺与现代技术结合的智慧，丝绸则增添了一丝柔软与诗意，再结合照明系统，共同构建出一个充满象征意义的空间。

使读者观后有一种强烈的代入感觉，是“作茧自缚”？还是“破茧而出”？ 其作品令观众深思。

邵译农

邵译农，《无度之觉》装置，漂浮木、石权、钢筋，尺寸可变，2025

艺术家邵译农的作品融合了中国传统文化和现代艺术理念，以深厚的历史文化底蕴和对当代社会的敏锐洞察而著称。他不仅钟情于自然材料，还对古老、被遗忘的物品有着不解之缘。他的作品中多次出现石权(秤砣)，一种旧时的度量工具。在《无度之觉》中，石权压起了一块漂浮的木头——一块极像石头的木头。秤杆由笔直的硬木替换成了弯曲的钢筋，这种柔软和弹性，使得石权变成了一种装饰物，在垂挂中与漂浮木形成了一种新的关系。这件作品是对当代社会过度依赖外在标准的反思，也是对内在灵性觉醒的呼唤。

师丹青

师丹青 《泼墨藏柏百米长卷》2025年 装置

师丹青的作品《数字泼墨——百米藏柏》延续了他一贯的创作脉络，将中国传统水墨美学与数字技术相结合，通过"数字泼墨"的形式重新诠释"百米藏柏"这一主题，体现了他在大型沉浸式交互装置领域的持续探索。

谭平

谭平《失控2025》，布面丙烯，200 × 800 cm，2025

作品创作于2025年，正值全球社会动荡、地缘政治冲突、经济衰退等多重危机交织的时期。谭平通过作品回应时代情绪，将现实中的“失控”状态转化为艺术语言，试图在破碎的世界中寻找精神的支点。

温馨提示：由于页面篇幅有限我们会分5期发布 ，请持续关注！谢谢！