谈自己的艺术最难，如果能谈得清楚就无需做作品了。以下只是我平时思想的点滴。

我一生思考探求实践的是，何为艺术的真相？为何做艺术？艺术作品何以沟通他人？何为艺术创作的推动力？为何艺术语言必须独特？等等围绕着艺术本身的诸问题。

一、造型的枯竭：在形象泛滥的当下，我日益感到越来越多的审美疲劳，因为所见的艺术作品从形式到观念乃至作品中的造型、线条、色彩、材料等同质、雷同现象严重。特别在自己的创作现场，如何唤起新的创作的激情是我每天必须面对的问题。为了打破造型的惯性、肌肉记忆以及作品构成的套路，我尝试拆解我家的日用品来创作作品。

二、日用品是物，同时又不是一般的物。一件物品在开始被使用的那一刻起，它的作为商品链、供应链、产业链中的物品的属性就结束了，它进入了人的生命活动中，成为了人的生活的一部分，附有了使用者个人的故事和个人的生物信息。

三、我使用这些日用品创作时思考过如何避开与其他艺术流派的雷同之嫌的问题。

日本物派：尽量不制作、少制作，并使用天然物，近乎庭院的造园工艺。

意大利贫穷艺术：使用无个性工业品、日用品创作，体现美学意味。

美国极简主义：定制加工品，极力消除人的肉身介入，用空间体现人的理性和意志。

美国波普艺术：把大众商品作为文化符号引入作品，去除艺术的神性光环。

欧洲激浪派：给物品赋予政治宗教文化的意味。

达达主义和杜尚：反欧洲艺术、反欧洲文化、企图用无序带来新秩序的可能。

以往的艺术运动的绘画中物品大多不带有私人的生活信息，也很少赋予物品以生命相关属性。

1，作为形容词和副词的“自然”，其反义词是做作。即使像物派那样使用自然物体而且尽量不雕琢，但仍然改变不了其不自然的苦心经营的创作态。道家的顺势而为是我的自然创作态。

2，无计划的艺术创作状态，如果一件作品在开始时就有完成的目标，那么整个创作过程不过是一个有既定目的制作流程。在这样的流程里我找不到一丁点创作的兴奋点，因为一切似乎都是已知的。我的所有创作都是漫无目的的探险。每天面对一堆材料或未完成的作品没有方向是我的常态，任何风吹草动都会使作品在下一个小时改变面貌，直到某个神秘的时刻自己觉得该停下来了，作品创作才暂告一段落。

3，艺术品应是去功能化的物、去识别化的物、未曾有的物、个人独有的物。

4，想象力并不是凭空想象的能力，而是对既有的记忆颠错重组的能力，意识是流，感觉是投入意识流的石子，所谓有感受就是投入意识流的“石子”激起了想象的浪花，创作是将其视觉化的作为。

5，药盒子、瓶盖子、日用机械部件、衣物、旅游纪念品等等等等的物品，它们是我个人生活经验里的东西，有我个人的回忆和使用痕迹，在这个意义上它们是个人的，而同时这些东西对他人来说又是熟悉的物品，它们可以成为个人与他人的信息交流的线索和桥梁，成为一种引发经验共鸣的催化剂。然而，如果把一件物品原封不动地放到作品里，会直接导致物品的庸俗化，因此我以直觉为引导对它们进行拆解和重组，使它们似是而非。类似禅宗的顿悟，在日常里体悟非日常。

6，艺术与反艺术，如同有右手就有左手一样，有艺术就有反艺术。但不同的是右手和左手不会随时空的变化而变化，而艺术与反艺术是流动的，一种“反动”艺术当它被认可为艺术时，它就转反为正，成为了艺术。我在创作过程就经常在艺术与反艺术中切换，保持批判性创作而非建设性创作，这是为了保持艺术语言的冲击力。

7，放弃已知寻求未知，避免复刻他人，也避免重复自己。艺术风格给艺术家带来辨识度，但同时也会产生惰性和依赖性，从而偏离艺术真相，所以不妥协的艺术家应该冲破自己风格的牢笼。

8，板材、树枝、草木是天然的，其形状超越了人的造型能力，我在它们的每一个弯曲上都能感到兴奋，用它们来代替我手绘的线和形，既可表达我的色空感，又不会重蹈无聊的个人惰性和难以消除的肌肉记忆。                           

范钟鸣2025