2026年4月3日， 罗衣《一切皆为关系型》与沈采《答案的问题》双个展于千渡长江美术馆正式启幕。展览由苏冰、曾琼联合策展，由千渡长江美术馆与千渡文化主办、必虎文化承办。本次展览精选两位艺术家近几年创作的作品，罗衣以“关系性”为线索，将人物、城市、动物与空间之间的牵引、偏移与相互塑造转化为可见的图像结构;沈采则通过绘画、装置与人工智能影像等多种媒介，继续推进她对于结构、观看、感知与主体生成方式的思考。展览将持续至2026年6月3日。

开幕现场

　　参与此次展览开幕式的嘉宾有千渡长江美术馆创始人、千渡地产总建筑师陈文先生、本次展览联合策展人苏冰先生、曾琼女士;中国人民大学文学院教授、博士生导师、哲学家、评论家、策展人(曾荣获“2023欧洲诗歌暨文艺荷马奖章”)夏可君先生;中央美术学院人文学院副教授张晨先生;中国美术家协会理论与策展委员会委员、浙江传媒学院教授杨大伟先生;中央美术学院设计学院艺术与科技工作室主任张文超先生;X美术馆馆长尤洋先生;北京丁火艺术空间创始人于小峰先生;北京大学博士、青年策展人范歆苒女士;独立策展人、写作者霍雨佳女士;策展人/Mode Art主理人谭波尔女士等。

嘉宾发言

　　开幕式上，千渡长江美术馆创始人、资深建筑师陈文先生表示，很欣喜看到两位年轻艺术家用自己独特的视角和语言表达了对时代与内心的观察与思考，艺术让一座城市更具活力、厚度与温度。

　　策展人苏冰谈到，罗衣的身份兼具作家、自媒体博主、画家与模特，本次以 “一切皆为关系性” 为主题，通过绘画与手稿，细腻呈现她与家人、朋友、爱人之间的多重情感联结，叙事性饱满而真诚。沈采则以绘画、装置、影像等多元媒介展开创作，长期聚焦艺术与科技、人与系统的关系探讨。她的作品与美术馆建筑空间深度对话，布展如同严谨的逻辑推演，结合场馆独有的光影与结构，让作品与空间彼此呼应，值得观众驻足静赏、慢慢体会。

　　策展人曾琼认为，两位年轻艺术家恰好代表了新一代看待世界的两种典型视角：沈采偏向理性、技术与学院路径，站在时代前沿，以人工智能为视角，探讨人与世界、算法与现实的关系;罗衣则偏向生命哲学，以“一切皆为关系”为核心，思考个体如何在与周遭的联结中定义自我、确认位置。一边是面对高速发展的技术进行反思，一边是偏向欧洲传统的人文思辨，让观众得以窥见Z世代青年的精神世界与思考方式。

　　哲学家、评论家、中国人民大学教授夏可君指出沈采的作品带有鲜明的哲学气息。作为 95 后艺术家，她与 AI 天然亲近，思维自带算法特质。她将冷峻的几何理性，与中国绢本温润、通透的材质语言相结合，在硬朗的空间里营造出水一般的柔和与流动，线条纤细而灵动，让理性结构之中生出呼吸与温度。艺术的核心，始终是打破既定认知。AI 为艺术打开新可能，而沈采把技术逻辑转化为可感、可触、有温度的艺术体验，这正是面向未来的艺术。

　　中央美术学院人文学院副教授张晨表示，罗衣《一切皆为关系性》的主题具有很强的学术价值。我们正处在一个流动的关系网络之中，人与物、人与世界、人与机器的关系，早已成为无法回避的核心命题。谈到沈采时，他指出，在当下这个图像可以被轻易获得与生产的时代，艺术家的工作不仅是制造图像，更是进入图像内部提出问题。沈采的作品既可以是作为结果被观看的图像，也是艺术家与机器、算法共同生成的过程，不只将AI视为图像生成工具，更将其作为一种持续演算、不断生成的工作机制，在新与旧、理性与精神性之间，走出了一条极具个人辨识度的创作道路。

　　浙江传媒学院教授杨大伟在发言中表示，90后、00后青年艺术家的创作尚未被范式固化，充满开放的可能性。沈采的作品并非冰冷的技术呈现，而是由艺术家亲手营造的精神现场，实现科技、哲学、手绘与材质的有机融合，不断拓宽艺术的边界。罗衣的创作则超越绘画技法层面，直面社会与人性的真实议题。这一代青年艺术家敢于放下炫技的外壳，直接叩问精神内核。当代艺术的内涵正在迭代，科技与艺术的融合正成为新的时代语言，从这两位艺术家身上能清晰看到这种未来趋势。

　　中央美术学院设计学院艺术与科技方向负责人张文超认为，两位艺术家创作路径不同，却都以个人经验回应泛技术化的时代体验，将自我感知投射于作品之中。罗衣从人与人的关系延展到公共空间视角展开创作，沈采则从个人对材料、形态、技术的认知来构建自身的创作逻辑，且两人的作品都与美术馆建筑空间形成全新对话。他特别提到，在当下艺术与科技的广泛实践中，沈采没有沉溺于炫技式的影像或装置创作，而是以光感和材料体验实现“计算思维”的视觉转化，在技术理性与人文感性之间找到平衡。

　　X美术馆馆长尤洋表示，罗衣在网络空间中保持着活跃的实践，她极具创新性的视觉表达，以及与网络时代共生的创作范式，本身就是值得深入研究的文化现象。沈采长期深耕艺术与科技领域，科技的工具理性与艺术的价值理性，正是当代艺术需要不断平衡的核心命题。艺术的本质是语言的转化，能够以材质与技术完成这种转化，在青年艺术家中尤为可贵。长江美术馆作为民营美术馆，为青年艺术家提供了重要的展示与交流平台。期待此次展览持续生成更丰富的学术讨论，未来一同探索民营美术馆生态的更多可能性。

一切皆为关系性——罗衣

《一切皆为关系性》现场

　　《一切皆为关系性》是 Chloe 罗衣的第一次个展。如果说关系描述人与人之间的情感联结，那么 “关系性”(Relationality)则是更深层的存在论，它提出，我们的身份、情绪、记忆与行动，从来不仅仅是内自我内部产生的，而是与他者、空间、历史、语言共同编织的结果。

《一切皆为关系性》现场

　　在Chloe罗衣的画面中，没有孤立的存在。画面中的人物、城市、动物与空间都处于持续的牵引、偏移、凝视、误读、靠近与逃离之中，呈现了关系性最细微的纹理，每一幅画都是关系性的显形，它们捕捉的是关系改变我们的刹那，也是自我在关系中被重新理解的瞬间。 人物、动物、建筑、器物，都在无形的力场中彼此牵引。因此，她画中的人物看似静止，却处在持续的心理运动中;城市看似不动，却像一阵不断旋转的记忆风暴;空间看似稳固，却随人的情感倾斜、裂开或流动。

《一切皆为关系性》现场

　　Chloe罗衣视觉语言中一个关键特征是：空间总是不稳定的;倾斜的桌面、断裂的墙壁、被切分的房间、破坏的透视、冻结的表情……这些视觉选择不是形式上的实验，而是对关系结构的外化。现实中的亲密、家庭、爱情、身份、归属，都不是平滑的直线，它们由靠近、误会、投射、逃避、渴望与恐惧共同构成，她用空间的失衡，来描绘情感的真实重量;用结构的分裂，来呈现连接的困难与必要。 她的图像，映射了我们如何不断在自我和社会的关系中调整、失衡、重组、靠近、远离。

答案的问题——沈采

　　作为任教于中央美术学院设计学院艺术与科技方向的教师，沈采的创作与教学紧密结合，始终围绕着艺术与科技发展中人类面临的困局与觉醒展开研究与探索，并落实到具体的创作中去探讨“人与机的关系”。《答案的问题》并不试图对“艺术与技术”给出明确结论，而是将注意力放在“答案如何被生成”这一过程本身——当感知并不稳定，主体又被不断涌现的图像、技术重组系统时，那些被视作“答案”的结论，实际上仍然处于生成、修正、再次暴露问题的过程中。因此展览并未按照线性叙事展开，而是将若干问题放置在不同作品中反复出现。问题与问题之间产生的结构可以引导我们形成全新的视角，重新发现技术如何帮助我们理解世界，又如何在运用中逐渐松动，以及技术如何参与观看，又如何改写经验本身。

《mTagBFP2的云》，150 cm×50 cm×15cm，亚克力/led/感应装置，2024

　　在这次展览中，沈采根据美术馆的空间的特点，将自己的作品充分与建筑对话。千渡长江美术馆是建筑师董功的作品，该建筑以“光塔”为核心串联了多个空间，这个光塔类似大烟囱，高16.4米，直径5.7米。在这个特别的空间中，《mTagBFP2的云》这件2024年的作品呈现出全新的效果。在这件作品中，沈采探讨的是“我们看到的是同一朵云吗?”她将云朵处理成既抽象又具体的形态，并标记上尺的刻度。“云”的变幻莫测、不可触碰的数据呈现出理性与规范的痕迹。当人们经过这件作品时，人的呼吸触发荧光蛋白的启动，呈现出流动的蓝光，在幽暗的通道中映射出渐强渐弱蓝光，顺着往上看，可以看到顶端一个圆形的洞口洒下的真正的天光，那一瞬每个人都会通过作品感受到力量。

《基本几何练习》系列，综合材料，2026

《基本几何练习》局部

　　此次展出的新作《基本几何练习》以朱砂为主色调，抽象的色块通过多层绢本的重叠，形成一种沉着又灵动的气息。沈采说这个作品并非要回到某种纯粹的构成练习，而是借由圆、弧线与网格等基础元素，通过对运动中的物的定格、叠化、错位、解构，重组一次对世界的理解，在精确和模糊之间建立某种暧昧的观看秩序。

《方圆之间》，75cm×75cm×16，综合材料，2026

《方圆之间》局部

　　《方圆之间》约3米×3米，巨大的画面扑面而来，群青的圆以16块拼接而成。这件作品围绕圆与方之间的张力，进一步讨论结构、感知与系统之间的关系，暗藏的网格和不同明度的蓝色方块在重叠中构成测量与组织的基础，提示了观看如何被系统化地建构。“圆”中包含着若干个“方”，“方”中又出现一个巨大的蓝色的“圆”，圆与方不再只是形式，而成为了两种不同的认知路径。

《180/360》, 影像、综合材料，2026

　　人工智能影像作品《180/360》是沈采最新的一件作品。正如这件作品开头所提示：“多年以后，三角形仍会想起，它第一次梦见自己变成圆形的那个瞬间。”在这件作品中，三角形不断出现“想要变圆”的冲动，在不断趋近圆形却始终无法完成真正的转化的循环中，呈现出欲望、误差与系统约束之间的内在张力，延续了艺术家对几何结构与感知偏差的关注。在这里，人工智能并不只是生成图像的技术手段，而更像是一种在结构性失败中不断演算的欲望机制。

《赫拉克利特》，60cm×120cm×24，综合材料，2024

　　在美术馆一个巨大的独立空间，悬挂着大型综合装置《赫拉克利特》，24片透明的绘画，每一幅都是关于火的表达，空间正中间一个旋转的聚光灯忽明忽暗，光圈忽大忽小，24张作品的投影在展馆的墙壁上忽快忽慢地移动，是一个充满梦幻的洞穴。这件作品通过手绘、人工智能生成与再创作的循环过程，将“火焰”这一意象转化为对流动、变化及人机协作关系的进一步追问。在这个过程中，艺术家即是算法的设定者，也是被算法反向塑造的主体，表达了艺术家一直以来对待艺术与科技的看法——人与机器是在共同观察、共同作用、共同生成的过程中相互渗透，不分彼此。

《漂移说-1》，145cm×90cm，绢本、综合材料，2026

　　《漂移说》表达了沈采对结构生成的关注，作品借用了“大陆漂移说”这一概念，通过材料的拼接、挪移与重组，呈现图像如何在不断对齐、偏移与调整中逐渐显现的过程。

《理想之眼》系列， 50cm×50cm×4，2026

《理想之眼》系列(局部)

　　此外，《日记》《soft gear》《Ideal-eye》《几何原本》等作品，也分别从记忆、测量、流动、秩序与误差等角度展开。无论是将记忆碎片交由算法重组，还是在绢本之上以手工笔触逼近几何计算的轨迹，沈采始终关注的都不是技术本身的奇观，而是技术进入观看、判断与生成机制之后，如何改写我们理解世界的方式。

《答案的问题》展览现场

　　此次展览的题目《答案的问题》也引起了一些讨论，沈采说《答案的问题》并非对“答案”的否定，而是一个持续追问的过程。在技术日新月异的当下，旧的问题还未解决，新的问题已经到来，我们需要和不断生长的问题共情，在寻求答案的过程中与那些无法被彻底抹平的偏差与裂缝共振。

　　据悉，此次展览将持续至2026年6月3日。

　　张以偌供稿