4月4日，偏锋画廊“百年一刻”群展开幕。十位跨越近一个世纪的中国艺术家——王式廓、董希文、沙耆、李骆公、汤小铭、尚扬、倪军、尹朝阳、马轲、宋琨——以各自笔下“那一刻”的绘画，串联起一部浓缩的视觉现代性史诗。当我们在今天全球文化与数字媒介交织的艺术环境中回望这些作品，显然一个无法绕开的议题浮出水面：现实主义，是否还有重谈的可能?又如何重谈?

　　此次展览中“现实主义”作为关键词在当代艺术环境里重谈，首先需要跳出“写实即现实”的狭义理解。偏锋画廊的“百年一刻”提供了一个极佳样本：十位艺术家跨越近百年，手法从革命历史绘画到实验语言，再到个体心理与智能时代的回应，共同指向一种更本质的现实主义——对所处时代的深刻在场与情感转化。

展览现场

　　现实是一种“历史性的此刻”

　　王式廓、董希文等人的作品并非单纯记录，而是将民族独立、社会变革的集体命运凝固为饱含血肉的视觉瞬间。这种“一刻”不是快门式的截取，而是经过长期观察、共情与劳作锤炼出的精神现实。在今天的碎片化传播中，这种沉甸甸的“时刻意识”恰恰是稀缺的现实。

　　长期以来，“现实主义”在中国艺术语境中常被简化为题材的写实、叙事的历史化，甚至被误读为一种过时的学院遗产。但“百年一刻”提供的恰恰是一个更开放的坐标系：从王式廓《血衣》中饱含阶级苦痛的素描力度，到董希文《开国大典》对民族国家诞生瞬间的史诗构图;从沙耆、李骆公游学欧洲与日本后带回的狂野笔意与金石气韵，到汤小铭笔下新中国工农兵形象那坚韧而乐观的面孔——这些作品之所以动人，并非因为它们“像”某个现实，而在于它们对时代体温的准确感知与情感转化。

王式廓 残疾人习作 1950 纸板油画 15.7×13cm

　　此次策展人、偏锋画廊负责人王新友在文中写道：“画家的每一份工作成果，综合起来就形成了他们生命时刻的叠加总和，也就成就了一个民族的文明累积。”这句话揭示了一个被忽略的常识：现实主义的内核不是再现，而是“在场”——艺术家用自己的眼睛和拿画笔的手，捕捉下自己经历的那个“一刻”。这个“一刻”既是个体生命的刹那，也是历史洪流中不可复现的漩涡。正因如此，王式廓和董希文能够把“翻身得解放以及阶级革命的若干典型时刻用绘画概括出来”，使作品成为民族共同记忆的视觉锚点。

　　现实主义是语言与本土生命的磨合过程

　　艺术家将油画、版画等外来媒介“变成自己的工具”，这个过程本身就是中国与世界的真实对话。尚扬、倪军等人的实践表明：现实主义不在于媒介是否传统，而在于是否用切身经验驱动语言创新。今天的数字、装置、行为艺术同样可以现实——只要它们扎根于创作者真实遭遇的生存问题。

　　中国艺术家将油画、版画等外来媒介“变成自己的与时代贴切的工具”，这个缓慢而精巧的过程本身，就是一场漫长的中西对话，也是20世纪中国剧烈变革的真实写照。从李骆公在油画与书法篆刻之间的跨界突破，到尚扬从《黄河船夫》的写实力量转向《火山寂静》借用文人画文脉意味的语言与自然、人文生态的现实景观图像相互融合，形成他深切的人文关照，近些年更不断的向大尺幅形而上的绘画实验;从倪军留美归来后在日常静物中埋入的政治隐喻与文化符号，到尹朝阳将中原造像与山水哲学融入巨幅油画的场域——现实主义的生命力，恰恰在于语言的本土化与个人化。

尚扬 火山寂静 2009 布面纸本综合材料 175×96cm×4

尚扬 册页－25 2012 布面综合材料 89×166cm

倪军 膏蟹与大三文鱼 2025 布面油画 98×118cm

尹朝阳《松下士之二》2015 布面油画 130x130cm

　　今天，许多年轻艺术家面对“如何表现当下”时，往往急于套用国际流行的观念或媒介。但“百年一刻”提醒我们：没有脱离具体生命经验的“现实主义”。沙耆被遗忘多年后重新被发现，恰恰因为他那种自由而狂野的笔触，并非源自任何流派，而是从个人苦难与天才的交织中生长出来的。他的现实，就是精神与画笔之间无法被规训的直接搏斗。

　　当代现实主义需要“主体的复归”

　　在全球文化同质化压力下，展览强调“每个人都很‘中国’”，并非重返民族主义叙事，而是指艺术家用自己的眼睛和手，从具体的肉身经验、地域差异、代际记忆出发，形成不可替代的观看立场。在宋琨《人物. 神》，尹朝阳《仰视》《神话》的作品中，个体的潜意识、都市景观、技术感知都成为现实的新地层。当代的现实主义，正是对这种多重主体性的诚实呈现。

宋琨 人物. 神 2003 布面油画  65×91cm

尹朝阳 仰视 2010 布面油画 150×130cm

　　在全球文化同质化压力下，展览特别强调：“在今天的全球文化视角的回望中，他们中的每个人都很‘中国’。”这并非重返狭隘的民族主义叙事，而是指一种不可替代的观看立场——来自大江南北的地域差异，跨越不同年代的代际经验，最终在绘画中凝结为独特的精神指纹。

　　汤小铭作为新中国自己培养的第一代油画高手，他的《永不休战》《西澳女画家》《春天的道路》等作品展现了学院体系与工农兵叙事之间惊人的契合;而属于60后、70后的倪军、尹朝阳、马轲，则完全成长于物质充裕、信息流动的新时期。马轲作品中《惘》《舍身饲虎图》等魔幻与精神分析,历史与现实的交织，显然不再是革命叙事的延续，而是一代人在心理空间与社会缝隙中寻找的“现实”。宋琨更将触角伸向“新新人类”的混合型生物与赛博感知，笔法细腻而惊心动魄。她们的“现实”，包含了潜意识、虚拟身份与技术伦理——这正是当代最前沿的生存经验。

　　从“一刻”到永恒

　　展览名为“百年一刻”，副题可理解为：由瞬间变成永恒的一刻。在画廊的白色空间里，十位艺术家的作品并置，形成了一种奇特的跨时空对话。汤小铭的黑白素描与宋琨的城市光影画面遥相对望，王式廓笔下农民、民工的质朴面孔与尹朝阳“残酷青春”的迷茫目光彼此凝视。它们之间并无高下之分，只有不同时代给出的不同回答。

王式廓 莒县农民 1953 纸本素描 35×25cm

　　重谈现实主义，在今天尤其紧迫。当AI生成图像可以轻易模仿任何风格，当短视频把时间切割成15秒的碎片，艺术还能如何触及“真实”?“百年一刻”给出的答案是：回到艺术家作为“视觉思想家”的身份——勤奋劳作、深情注视、用身体和时间去抵抗图像的速朽。偏锋画廊负责人王新友在前言中写道：“每个个体都深知捕捉那个‘一刻’的紧要性，也清楚他们自己在百年光阴的一瞬中何以抓住永恒，何以适时地添加一份‘人类的力量’。”

　　这份“人类的力量”，正是现实主义的永恒内核。它不依赖任何宣言或流派，只在每一次观看、每一笔涂抹、每一刻诚实的在场中自然重生。偏锋画廊的这个展览，不仅是一次回顾，更是一次提问：在下一个百年里，我们能否继续做一个时代的游走者与在场者，用自己的眼睛和手，留下属于今天的“一刻”?