曹雅薇的最新个展“紫色星球·初醒”近日在香港的明画廊开幕。

明画廊坐落在荷里活道上——这是一条弯弯曲曲的小街，是香港传统的古董街。街道两旁，门脸不大的商铺鳞次栉比，云集着各式瓷器、古玩、玉器......其间也有几家当代艺术画廊零星散布。曹雅薇此次展出的新作，包括雕塑、装置，以及她最新尝试的媒介——水墨，与这条街上的古风气息形成了某种微妙的呼应。

艺术家曹雅薇在展览现场

这是艺术家在香港第一次重要亮相，也是一次创作媒介与内在状态“双重觉醒”的呈现——她首次公开展出水墨系列作品，与标志性的雕塑、装置一同，构建出一个更加丰富的“紫色星球”。

曹雅薇构建了一个关于生命初醒与宇宙意识的“能量场”。在这里，她一直在探索意识、生命与世界的关系。“紫色星球”就是这个“能量场”显现的世界——那里有矿石晶体和3D打印制成的奇异生命体，有自由流淌的色彩形成的光晕，有万物和谐共生的琉璃之境。这些都代表了她对生命自由绽放的想象。

大馆艺术副总监及艺术主管田霏宇（Philip Tinari）（左一）在展览现场

曹雅薇的艺术之路颇为独特。纯正的理工科背景，让她能够从容游走于艺术与科技之间。她通过对光、石、水、木、墨、金属等自然材料的转化与并置，将自己对自然与意识的体悟融入创作。在她的实践中，能量与意识共振，“生长”出一件件作品。

她的创作始终以“紫色星球”为核心，不依赖强烈的叙事，而是以柔和的力量和直觉来呈现。在展览中的《星源》《见山》《太素》等系列中，木之精华、石之精华与能量的曲线被糅合重塑。抽象与繁复，是她艺术创作的“阴”与“阳”。

展览开幕后，ArtAlpha与曹雅薇进行了一次深度对谈，聊了聊这次展览的变化与不变，创作中的心流与坚持。

ArtAlpha对话艺术家曹雅薇

紫色星球·初醒

#01

紫色星球——

一个不断生长的“平行世界”

ArtAlpha：“紫色星球”这个概念从您艺术生涯之初延续至今，发展到现在，您对它的理解有什么变化吗？

曹雅薇：“紫色星球”不是一个主题，而更接近一个“世界”。它不是被设定好的、固定的形态，而是一个持续生长的存在。

从我第一次个展到现在，我的状态、媒介选择以及作品的呈现方式都在不断变化，因此“紫色星球”本身也在随之演化。至于它最终会变成什么样，会带来怎样的体验，我并不预设。如果一定要说一个方向，我更希望它是开放的——不是去给出一个确定的答案，而是形成一个可以被感知、被进入的空间。

《珍宝山 S4》2024 木材，树脂，矿石，丙烯，油漆，矿物颜料, 50 × 40 × 40 cm

ArtAlpha：矿石、水晶是您作品中反复出现的材料，您认为它们和“紫色”之间有什么内在联系？

曹雅薇：我觉得它们都是一种频率和能量的载体。很多东西不需要被证明，而是在感知中自然成立。我们每个人，对宇宙来说也是一个能量接收的通道。很多事情我们看不见，但能感受得到。就像手机的WiFi信号，看不见，但它确实在发生。

所以，紫色和矿石，对我来说，都是能量和频率的具象化载体。在创作雕塑时，我会精心挑选这些矿石，它们不是随意的装饰，而是作品能量构成的重要部分。

《明镜台 S4》2023，紫铜，木材，水晶，矿石， 油漆，矿物颜料，60 × 28 × 28 cm

ArtAlpha：您的作品系列，比如“明镜台”、“珍宝山”，都很有东方韵味，您希望达到某种东方精神吗？

曹雅薇：这跟我骨子里喜爱的东方哲学观有关。虽然我是一个当代艺术家，但血液里的东西是改不掉的。

不过“勋章”系列比较特别，它是我目前作品中唯一与“人”的关系更直接的一个系列。比如《凯瑟琳》，是以一种象征性的方式去致敬叶卡捷琳娜大帝。外圈是精致的花朵，而中心则嵌入一块具有强烈力量感的斑铜矿，形成一种内外之间的张力。

类似“明镜台”“珍宝山”等作品，也并不是在描述具体的人物或情绪，而更多指向一种内在的精神状态与路径。这次展览前言中提到的“万物负阴而抱阳”，虽然我不太习惯用语言去解释作品，但这种阴阳对比、对立统一的关系，也是我关注的一一例如材料之间的差异、光线的变化，以及形态内部的关系。这些关系本身，会逐渐生成作品的结构与感知。

《勋章四号 - 凯瑟琳》2023，矿石，金属，丝绒面料，矿物颜料，50 × 43 × 12 cm，版数：3/8 Unique versions + AP

ArtAlpha：您提到“勋章”系列与“人”的关联更直接，那么在其他作品中，您如何理解“人”在创作中的位置？

曹雅薇： 如果说“勋章”系列与“人”的关系更直接，是因为它会通过某种人格或精神意象来进入作品。但在其他作品里，我关注的并不是具体的人物形象，也不是直接的情绪表达。我的创作更多关心的是，人如何与更大的存在、与自然、与时间、与内在经验建立关系。也因此，我的作品通常不会从社会性叙事或个人情绪出发，而更倾向于去构建一种感知的空间和状态。

所以它并不是与“人”无关，而是换了一种方式去理解“人”。对我来说，艺术不一定要通过强烈的情绪来建立连接。有时候，更安静、更深层的感知，同样可以抵达很深的部分。

我是典型的水瓶座，对人的情绪、社会话题等兴趣不大，更愿意关注人的内心，和天地万物本身。大家对艺术的喜好本就不同，有人偏爱浓烈的情感表达，而我的作品，和同频的人产生共鸣就好。

曹雅薇《珍宝山 W1》2023，木材，树脂，矿石，丙烯，油漆，矿物颜料，230 × 37 × 21 cm

曹雅薇《勋章六号 - 芈月》2023，水晶，金属，丝绒面料，矿物颜料，50 × 43 × 12 cm版数： 4/8 Unique versions + AP

ArtAlpha：您的作品中既有宏观的宇宙意象，也有微观的自然形态，这种宏观与微观的结合是刻意的对比吗？

曹雅薇：我特别喜欢大自然里面那些很微小的、甚至是要在显微镜下才能看到的东西。比如菌类、地衣、矿石的切面等等，这些肉眼看不到的、或者大家平时没注意到的角度，我觉得特别美、特别奇异。大自然永远是我灵感的源泉，它是最好的艺术家。

我对大自然最感兴趣的是那些不太常见的形态，所以很多观众看到我的作品会说“好像见过，但又没见过”，有点像是外星生物。我把这些具体的形象抽象化，再跟我的材料结合起来。所以我的作品，既像是在看宇宙星云，又像是在看显微镜下的生命切片，宏观和微观在这里是相通的。

《星源 01》2025，铝合金，水晶，矿物颜料, 40 x 20 x 20 cm，版数：1/5 Unique versions + AP

#02

材料、技术与艺术家的“手”

ArtAlpha：您是理工科出身，后来创业，再后来才成为艺术家，这种经历对您的艺术创作有什么影响？

曹雅薇：我始终觉得，一个人不论是创业还是创作，都脱离不了过往的人生体验与所思所想。我在三十多岁结束创业后，才正式将艺术创作作为后半生的事业。就拿中国古代来说，许多艺术家本身就是文人士大夫、官员等。他们有着丰富的社会经历和多元的人生角色，这些生命的厚度，都反映在了作品里。

对创作者来说，见过不同的世界，作品才会有不同的质感。理工科的训练塑造了我理性的一面，商业历练带来了全局视角和系统化思维。这些过往经历，都成了我创作中独特的养分。

《勋章五号 - 宝姐姐》2023，水晶，金属，丝绒面料，矿物颜料，50 × 43 × 12 cm，版数：6/8 Unique versions + AP

ArtAlpha：您在雕塑作品中使用了多种材料，包括矿石、金属、丝绒等，这些材料的选择有什么讲究吗？

曹雅薇：每种材料都是我精心挑选的。比如您提到的“勋章系列”后面的背景丝绒，那也是我从小就喜欢的一种面料。

我在选择雕塑的“底色”时，实验了很多不同的原料——丙烯、油画、油漆，最后选择了一种矿物颜料，而且让它呈现出一种类似丝绒的质感。它跟我的丝绒面料的选择其实是异曲同工的。这种质感在不同的光线下呈现出来的状态是不一样的，我喜欢这种不事张扬的质感，沉静而有力量。

《勋章一号 - 木兰》2023，水晶，金属，丝绒面料，矿物颜料，50 × 43 × 12 cm，版数：3/8 Unique versions + AP

ArtAlpha：您在创作中大量运用3D打印技术，您如何看待技术对当代艺术的影响？

曹雅薇：我的工作室里就有一台小的3D打印机，主要是用来打印小样的。因为小样要经过很多次的修改提升，最后成型了才会送到专业工厂去制作。

我觉得技术的确给了当下的艺术家很多新的创作可能性，不管是3D打印、AI还是VR。艺术的呈现与技术的发展是息息相关的——印象派的出现，也是因为颜料技术的改革；摄影的出现，催生了当代艺术的变革。所以这是一个非常自然的结果。

但是从我的角度来说，技术不是主导的力量，它是一种延展。对艺术家来说，决定作品的是艺术家的感知和判断，技术可以被使用，但不是决定性的。

《绽放》2023，树脂，珍珠，丙烯，矿物颜料，100 × 100 × 14 cm，版数： 2/5 Unique versions + AP

ArtAlpha：您在材料的运用上，之后还会有更多的尝试吗？

曹雅薇：为了达到想要的效果，我会像做实验一样寻找各种材料。我想要表达某种状态的时候，就会去尝试不同的媒介，做很多实验，然后觉得哪种更符合我的想象，就用它去创作。

所以材料本身不是最重要的，重要的是它能不能传达出我想要的那种频率和状态。

#03

初醒时刻——

一场展览的双重“觉醒”

ArtAlpha：您这次在香港明画廊的展览《紫色星球·初醒》与以往相比，最大的不同在哪里？

曹雅薇：可以从两个方面来看。第一个是我个人的状态，跟之前有了很大的不同。第二个是媒介上的变化——这次是我的水墨作品第一次公开展出。

以前大家了解我，主要是通过雕塑、装置这些形式，这次新加入了水墨的部分。

曹雅薇个展“紫色星球·初醒”在明画廊

ArtAlpha：水墨创作是从什么时候开始的？是什么契机促使您进入这个新媒介？

曹雅薇：从2025年下半年开始的。这次个展的标题叫“初醒”，它其实对应着我这段时间的生命体验和一种“觉知”。

我喜欢冥想，当我进入深度冥想状态，那些时而微细、时而迸发的感知次第浮现。我一直渴望找到一种方式将其表达，而水墨，是最契合的媒介。

其实我最早接触艺术，就是从中国书画开始的，所以水墨对我来说并不陌生。当我进入那种行云流水的创作状态，去挥洒，那种沉浸其中的感觉非常让人迷恋。

我之前的作品多为雕塑、装置，更多是在电脑上作图、3D打印，缺少那种亲自上手、沉浸其中的“心流”体验。所以，当我到了直觉层面的体验阶段，水墨的出现就成了很自然的事。

艺术家曹雅薇在展览现场

ArtAlpha：在创作水墨的时候，您会事先规划画面吗？还是完全任由它自然发生？

曹雅薇：更多的时候是后者。我可能突然就是想画了，也不知道要画成什么样，然后就一张张去画。很多时候画十张，最后只留下一张，觉得它能代表我当时的心境和状态。

创作时我不会预设太多结果，让它自然发生，然后再做决策。这个过程有点像筛选——我在寻找那个最能准确表达我当下感受的画面。这种创作方式跟雕塑完全不同，雕塑需要精确的规划、建模、修改，是一个理性的、可控的过程，而水墨更像是与材料和画面的对话，充满偶然性。

曹雅薇《紫色星球·初醒》2026 设色纸本，75 × 56 cm

ArtAlpha：“初醒”这个展览名字，除了您个人的体悟，是否还指向更广泛的意涵？

曹雅薇：我觉得天地宇宙的运行，现在其实到了一个新的阶段。在这个阶段中，人们对物质的追求到了极限，反而会转向精神的追求。也是在破除对物质的执着，转向对自我内心的关照与洞察。我自己的冥想经历也印证了这一点——从去年年初开始的，有时候一次能坐四到六个小时，沉浸其中，完全感觉不到时间流逝。

ArtAlpha：听起来，这种状态直接影响了您这次展览的创作面貌。

曹雅薇：是的。在冥想时，我会看到一些光与色彩，当它们积累到一定程度，就成了景象。你可以看看我的水墨作品，它们就是那种状态下的视觉呈现。

曹雅薇《心焰·激荡》2025， 水墨及水彩宣纸，53 × 38 cm

ArtAlpha：您的水墨作品有非常丰富的色彩，其中依然有您标志性的紫色，但也有更多新的色彩出现，您是如何选择色彩的？

曹雅薇：冥想时看到的光，在不同阶段颜色是不同的，而我感受最多的是紫色和金色，所以，我的用色是内在状态的一种自然流露。

曹雅薇《太素 03》2025，设色纸本，49 × 33 cm

ArtAlpha：您的作品很难被归类，雕塑、装置、数字艺术、水墨……您介意这种“跨界”的标签吗？

曹雅薇：我理解这种说法，但对我来说，“跨界”更多体现在背景与方法上，而不是媒介本身。我的创作一直围绕“紫色星球”这个整体展开，不同媒介只是同一个系统在不同阶段的呈现方式。与其说是跨界，不如说是在一个持续生成的结构中，自然选择合适的表达路径。

这次展览中加入水墨，对我来说也是一个阶段性的结果。当创作进入更直接的感知层面时，我需要一种更接近“发生”的媒介去承载它，水墨在这一点上是合适的。

但我并不把某一种媒介当作最终的归属。相比单一作品或单一形式，我更在意的是整个系统所形成的整体感——包括它在空间中的关系、节奏，以及观者在其中的感知经验。如果观众最终记住的是一种整体的感受，而不是某一件具体作品，我会觉得这次呈现是成立的。

曹雅薇《紫色星球 · 显现》设色纸本 75x56 cm 2026

#04

从规划到直觉

从理性到心流

ArtAlpha：相比雕塑创作中严谨的规划，水墨创作是否更依赖偶然性？

曹雅薇：对，水墨的偶然性非常大。创作雕塑时，我会先在软件里建模、排列、修改，打印小样，再不断调整，这是一个很理性的过程。我会做出很多电子版的方案，在3D软件里进行不同的组合排列，看是不是自己想要的效果，然后不断修改，最后再3D打印小样，继续调整。雕塑的确是需要这样一个精心的选择和打磨过程的。但水墨不一样，就是让它自然发生，我再做决策。所以这两种材料的区别还是蛮大的。

曹雅薇《初光 05》2026，水墨及水彩宣纸，直径：40 cm

ArtAlpha：您如何在这两种状态中切换？

曹雅薇：我的理性思维依然存在，这可能跟我理工科和商业的背景有关。我会用系统化的思维去规划整个“紫色星球”的体系，它是一个不断生长、不断升级的存在。

我的创作围绕“紫色星球”这一核心展开，它是一个持续生成的系统，而不同作品是这一系统在不同阶段的呈现。在这一过程中，理性与感性并不是对立的：我会用结构性的思维去构建整体，同时在具体创作中依赖感知，让作品在过程中发生。

《共生二号》2023，黄铜，水晶，丙烯，矿物颜料，32 x 50 x 50 cm，版数： 1/5 Unique versions + AP

ArtAlpha：您刚才提到创作中的“心流”，这是很多人期待达到的某种做事状态，您经常会有吗？

曹雅薇：会的，但对我来说，它并不是一个可以被简单描述的状态。很多时候，它更像是一种被带入的过程。当进入创作时，注意力会被完全收拢，时间感变得模糊，身体也被暂时忽略。你不会再去判断自己是在“画一张画”，而是更接近一种正在发生的状态。

有一段时间集中创作水墨，我几乎一直处在这种状态里。我把书房改成画室，就是为了能随时进入这种节奏。我习惯把纸铺在地上作画，人的行走与水的流动会直接进入画面。

有一次不知不觉画了很久，当时完全不觉得累，停下来才发现身体已经到了极限，后来一个星期都无法弯腰。所以我后来慢慢意识到，“心流”并不是一种轻松的状态，它往往伴随着高度的集中，也带来真实的消耗。在那种状态里，很多决定不是被思考出来的，而是直接出现的。你更像是在跟随，而不是在控制。

对我来说，“心流”不是一个需要刻意追求的目标，而是一种在特定条件下自然发生的工作方式。它需要结构的支撑，也需要感知的开放。

曹雅薇在创作中

ArtAlpha：这种状态下创作的作品，是不是往往更精彩？

曹雅薇：也不一定。有时候当时觉得特别好，期待非常大，但第二天早上起来一看，发现跟自己想要的差别太远了。所以真的是不受控制的。

就像我刚才说的，可能画十幅，最后只能保留一幅。我觉得脑子很多想法，心很多想法，但最终呈现出来的还是有一定的随机性。我也会刻意地去控制最终被选择出来的作品，确保它们能代表我当时的状态。

《勋章三号 - 卓玛》2023，水晶，金属，丝绒面料，矿物颜料，50 × 43 × 12 cm，版数：6/8 Unique versions + AP

#05

去感知，不去解释

ArtAlpha：对于即将走进《紫色星球·初醒》展览的观众，您最希望他们带走什么？

曹雅薇：我不太想去“解释”我的作品，我更希望大家自己去“感知”。我希望他们能感知到一种能量、一种频率，能和他们的某一部分觉知产生共振。这就足够了。每个人看到的、感受到的可能都不一样，我觉得这特别有意思。

之前的一些展览，很多观众给了我各种不同的反馈，当我第一次听到有的观众用“灵性”这个词来形容我的作品，很感动。作品做出来了，别人怎么感知，我都觉得很好。

《勋章七号 - ZZ》2023，水晶，金属，丝绒面料，矿物颜料，50 × 43 × 12 cm ，版数：3/8 Unique versions + AP

ArtAlpha：您如何看待艺术与观众之间的关系？

曹雅薇： 我觉得艺术应该是开放的。我不太擅长用语言去表达，所以更希望用作品本身。同频的人自然能感受到作品想要传递的东西，当然这种同频可能只是某一部分的同频，每个人的感知都不一样。我觉得这是一个蛮有趣的过程。

对我来说，艺术最重要的功能之一，就是在这个物质追求已经到达极限的时代，为人们的灵魂提供一个安放之处，我觉得唯有艺术。美，往深了说，是灵魂的需求。

《紫色星球·共振》2026，彩墨纸本， 75 × 56 cm

ArtAlpha：最后，能否形容一下您和“紫色星球”未来的关系？

曹雅薇： 我不做预设。我人在不断升级，这几年的变化也非常明显，作品自然也会随之生长。至于未来会呈现出什么形态，我不会想太多，更愿意让它在过程中自然展开。

对我来说，重要的从来不是某一种媒介，而是当下的状态与感知。不同阶段，会自然生发出不同的表达方式。媒介更像是路径，而不是目的。它们在合适的时候进入，也会在变化中被替换。“紫色星球”对我来说，是一个持续生长的系统，而不是一个已经完成的存在。

▲ THE END ▼

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关于艺术家▼

曹雅薇，1980年出生于湖北，现居北京与大湾区。她先后毕业于中国地质大学（武汉）与北京大学，分获学士及硕士学位。其创作跨越装置、雕塑、水墨与数字影像等多种媒介，以紫色星球 Purple Planet 为核心展开。

她的作品不依赖强烈的叙事或外在张力，而以柔性的力量自然呈现。紫色与矿晶不断出现，成为持续的频率。

其作品曾在北京、上海、青岛、香港及威尼斯等地展出，并与嘉德艺术中心、保利当代艺术等机构进行艺术合作与项目实践。

关于展览▼

“紫色星球·初醒”曹雅薇个展

Yawei CAO Solo Exhibition

​策展人：魏星

Curator: Wei Xing

展览日期：

2026/04/15 - 05/11

展览地址：香港中环荷李活道31-33号

31-33 Hollywood Road, Central, Hong Kong

“ 本文图文信息由主办方授权发布。”