“写意山海——张旭东艺术展”于2026年4月17日在宁波美术馆隆重开幕。展览由著名作家、批评家高晖担任总策划，并由艺术批评家、独立策展人李裕君、李贵明联合策展。该展系统梳理了艺术家张旭东三十年来深耕油画领域的创作脉络，画面展示出当代油画语言与中国文化根脉表达和谐耦合的新成果。展览将持续至5月12日结束。

心象为径，步履不停

—— 张旭东绘画三十年的本能与坚守文/李裕君

很多朋友都曾好奇问我，和张旭东究竟是什么渊源，为何常常为他撰写评论、策划展览？其实，我自己静下心也认真梳理过这份缘分。我与张旭东相识已近十年，日常往来交集不断，彼此的认知与情谊也在时间里慢慢沉淀。这些年，他在各地举办的展览和学术研讨活动，我也多有参与。可以说，在所有与我交往合作的艺术家中，张旭东是我最为熟知、也最能读懂其艺术本心的一位。而这份惺惺相惜，最早还要缘起初识时的一次长谈。当时他跟我说：真心热爱绘画，就不必刻意言说“坚持”二字。这句话对我当时触动很大，既是他对艺术发自本心的赤诚与坚守，也成了我深耕艺术行业以来，一直恪守的初心与执念。在我看来，放在中国当代油画本土化探索的整体脉络里，张旭东无疑是极具个人辨识度、有着独特艺术价值的代表性个案。因为在中国当代绘画四十年的潮起潮落中，张旭东始终是一位不顺流而行的坚守者。1966年生于辽宁兴城的他，1988年毕业于鲁迅美术学院，1993年进入中央美术学院油画系第四工作室进修，1995年以《人与海》个展在中国美术馆惊艳亮相，就此确立了自己的创作坐标。至今三十余年，他始终游离于艺术潮流之外，不追转瞬即逝的风口，不造便于流通的符号，只以创作者最本真的生命本能为底色，以粗旷自由的笔触、炙热浓烈的色彩，以及深植于东方美学的心象语言，构筑起一个弥漫着时间痕迹与诗性哲思的视觉世界。他的创作，既牢牢守住了油画材质本身独有的表现力，又在气韵与意境的深处，与东方审美精神形成了跨越媒介的深层共振，在日复一日的创作演进中，最终凝练出独属于自己和不可复制的鲜明艺术风格。

1988年张旭东毕业于鲁迅美术学院

心象绘画：中国当代油画的本土美学脉络

在我看来，谈论张旭东的创作，先要厘清“心象”这一核心概念的本质与脉络。很多人将心象简单等同于“心里的画面”，但在本土油画的创作语境中，它从来不是一个技法标签，更不是可复制的风格套路，而是一套扎根东方哲学的完整美学体系。所谓心象，是创作者以本心为锚，将对世界的感官体验、生命的悸动与褶皱、情绪的流动与冲撞，在内心重构、沉淀出的“意中之象”。它介于客观物象与主观精神之间，流动、鲜活，带着创作者独有的生命温度，是绘画创作真正的“前文本”与精神内核。心象与绘画的关系，是双向共生的生成关系：心象是创作的起点，哪怕是极致写实的作品，也绝非对客观物象的机械照搬——伦勃朗晚年的自画像，我们记住的从来不是脸上的皱纹，而是藏在光影里一生的沧桑与对生死的体悟，这个被生命体验重构的形象，就是他的心象；而绘画的过程，是心象的固化、澄明与升华，画笔落下的过程，就是用色彩、笔触、肌理将流动模糊的心象固定在画布上的过程，画布上的每一笔痕迹，又会反过来滋养、重构内心的图景，最终的画面，是心象经过创作淬炼后的终极形态。而油画媒介的特质，为心象的东方表达提供了不可替代的空间。

《人与海》系列作品之一 1997年

相较于水墨“空、灵、虚、静”的写意传统，油画色彩的饱和度、笔触的肌理感、材质的覆盖性与厚重感，既能承载东方美学的虚静意境，也能容纳强烈的生命情绪与厚重的生命体验，为心象表达打开了更丰富的层次。从吴大羽提出“势象”理论埋下理论伏笔，到赵无极、朱德群将中国山水精神与道家宇宙观融入抽象油画，完成东方心象美学与西方现代绘画语言的深度融合，再到尚扬、周春芽、闫平、张恩利等当代艺术家的持续实践，心象绘画早已从零散的个人创作，发展为中国当代油画中极具本土特质、拥有完整学术脉络、能够与西方艺术体系平等对话的核心创作方向。它跳出了西方艺术“抽象/具象”“表现/再现”的二元对立，以东方“心性本体论”为核心，确立了“以心驭笔、以画呈心”的创作逻辑，而张旭东三十年的创作，正是这一脉络中最具个人风格的鲜活实践。

逆流向内：

90年代语境下的心象创作起点

张旭东的绘画之路，始于一场对时代潮流的主动背离。上世纪90年代的中国当代艺术，正处在85美术新潮之后的思潮裂变期，政治波普、玩世现实主义、艳俗艺术等成为艺坛主流，宏大叙事、符号化表达与社会批判，构成了彼时出圈创作的核心底色。在这样一个“向外抓取”的时代语境中，1993年进入中央美院油画系第四工作室进修的张旭东，完成了自己艺术道路的关键转向。中央美院四工作室是中国当代先锋艺术的重要阵地，以西方现代主义艺术研究为核心，诞生了大批引领潮流的艺术家。但身处其中的张旭东，没有被身边的主流风潮裹挟，反而被德·库宁纵横交错的笔触、巴塞利兹肆意挥洒的色彩深深震撼，最终选择了一条截然相反的“向内求索”之路——他不画便于识别的时代符号，不做刻意迎合的社会批判，只把创作的目光彻底收回到自己身上，以画笔为媒介，释放个体最本能的生命感受、情绪冲动与精神悸动。

张旭东首个个展《人与海》在中国美术馆举办证书

1995年，年仅29岁的张旭东，在中国美术馆举办了首个个人油画展《人与海》，这场展览不仅是他艺术生涯的里程碑，更是其绘画脉络的第一次完整公开亮相。不同于当时主流创作对时代议题的疯狂抓取，张旭东以故乡的海为核心母题，聚焦海边的人与日常，完成了一场完全忠于本心的表达。在《人与海》系列作品中，他没有画游客熙攘的海滨图景，而是以近乎本能的笔触，将故乡的海转化为翻涌的色块与扭动的线条：蓝与黑的碰撞里藏着海的汹涌与辽阔，红与黄的跳跃里是人体的温度与生命力。画面中的人体没有精准的解剖结构，却有着直击人心的鲜活张力，舒展的、扭动的、与海浪融为一体的身体，不是被观看的客体，而是他内心对生命本能的坦诚投射。这些翻涌的色块、肆意的笔触，从来不是对大海与人体的客观复刻，而是他内心世界的直接外化，是他的生命本能投射在画布上的心象雏形。这场展览在当时的油画界引发震动，不仅因为一位年轻艺术家有着远超年龄的成熟表现主义语言，更因为在集体叙事盛行的年代，他敢一头扎进自己的内心，守住了个体表达最珍贵的真诚。

以心驭笔：三十年创作中的心象脉络演进

三十余年一晃而过，中国当代艺术的风口换了一茬又一茬，从观念艺术的全面盛行到新媒体艺术的强势崛起，绘画的边界被不断解构重构，很多当年同路的创作者早已换了赛道，唯有张旭东始终守着一方画布，从未偏离当代绘画的核心脉络。在当代油画表现性语言的本土化转型脉络中，著名美术史学者、批评家易英先生对张旭东的创作转向做出了精准定位。在其看来，张旭东的艺术实践完成了从外在情绪宣泄到内在精神观照的蜕变，其绘画“仿佛是经历了暴风雨的航船，终于驶入了平静的港湾。从早期激烈躁动的情绪宣泄，到后期沉静内敛的心象抒写，画家完成了一场自我精神的历险与向内回归”[1]。这一判断点明了张旭东在当代油画本土化探索中，从形式借鉴走向精神自觉的核心学术价值。在这三十余年里，张旭东的创作始终在生长、在演变，题材在变、语言在变、精神内核的深度在变，但唯一不变的，是“以创作者主体本能为核心，以画面呈心”的创作逻辑。我们可以清晰地将他的创作，划分为三个一脉相承又层层递进的阶段，每一个阶段都有具体的作品系列，印证着他心象世界的持续深化。

《人与海》系列作品之二 1997年

第一阶段：心象奠基——个体生命的本能表达（90年代-2000年初）。这一阶段的核心创作，是《人与海》系列与2002年的《都市言情》系列，是张旭东心象绘画的奠基期。如果说《人与海》是他对故乡与自然生命的本能感知，那么《都市言情》系列，就是他对都市语境下个体生命状态的内心投射。在《都市言情》系列中，张旭东将创作场景从海边转向了都市，画面主体是都市中的男女，霓虹般的色彩、晃动的笔触、模糊的人物轮廓，构建出一种迷离、躁动又孤独的都市氛围。他没有刻画具体的都市叙事，没有描绘明确的人物关系，只是用浓烈的色彩与扭曲的线条，捕捉都市男女内心的暧昧、躁动、孤独与欲望。画面中的人物面孔是模糊的，身体是变形的，但情绪却是极致真实的——这些人物不是具体的某个人，而是他内心对都市生存状态的感知，是他为都市中孤独的个体生命，构拟出的心象图景。这一阶段，他的创作始终围绕“个体生命的本能体验”展开，以具象的人与场景为载体，完成了创作语言的初步成熟。批评家高岭认为，张旭东在90年代中期的表现主义路径，与“贾涤非、苏新平、申玲、王玉平等一批中青年画家的出现，显然是引人注目的”[2]，在当时政治波普、玩世现实主义主导的语境中，以表现主义油画起到矫枉平衡作用，巩固了表现主义在中国当代油画中的重要位置。第二阶段：心象深化——生命本体的普遍观照（2010年-2020年）。2019年的《淖中花》系列，是张旭东艺术创作的重要转折点，标志着他的创作从个体生命体验，走向了对生命本体、人性困境的普遍观照。“淖”是泥潭，是生存的困境与人性的欲望深渊；“花”是生命，是困境中依然绽放的韧性与希望，这个系列里，他彻底跳出了具象人物的载体，将对生命的全部理解，投射到了“淖中花”这个心象符号上。

《假日之海滩》120x150cm 布面油彩 2014

《淖中花 — 欲望之门》布面油画 370 x 600cm 2018年

在《淖中花》系列作品中，厚重的油彩层层叠加，构成泥泞、混沌、沉郁的底色，如同人性的泥潭与生存的困境；扭曲的花枝从泥潭中挣扎而出，浓烈的红、刺眼的白、沉郁的黑在画面中碰撞撕扯，没有写实的花瓣纹理，没有精准的植物结构，却有着直击人心的生命力量。那些肆意挥洒的笔触、厚涂的肌理、碰撞的色彩，从来不是对花卉的客观摹写，而是他内心对“生命于困境中绽放”的精神共鸣。他将自己三十年的生命沉淀、对人性与欲望的理解、对生命韧性的敬畏，全部融入了这朵“淖中花”里，让这个心象符号，拥有了跨越个体的普遍意义。这一阶段，他的创作语言也完成了重要的突破：从最初对西方表现主义的借鉴，转向了对中国传统文人画写意精神的深度吸纳，从徐渭、朱耷的花鸟笔墨中汲取写意内核，在石涛的山水意境中寻找精神共鸣，将东方“澄怀味象”的美学，与西方表现主义语言完成了不露痕迹的融合。第三阶段：心象升华——精神宇宙的直呈本心（2020年至今）。2022年的《幻景心流》系列、2025年的《幻境》系列，标志着张旭东的心象创作，进入了彻底的升华期。他彻底摒弃了具象的物象轮廓，摆脱了客观载体的束缚，从“以物写心”走向了“直呈本心”，画面本身就是他的心象世界，就是他精神宇宙的直接外化。在《幻景心流》系列中，画面依然有植物、景观的模糊轮廓，但已经完全让位于色彩与笔触的流动，浓烈的色块、肆意的线条层层叠加，构建出一个亦真亦幻的内心图景，是他内心情绪流动的直接记录。而到了《幻境》系列，张旭东彻底走向了抽象，以近乎修行式的点状笔触，层层叠加出一个流动、混沌又充满内在秩序的精神宇宙。画面中没有明确的物象，只有无数个色彩饱满的色点，在画布上聚散、流动、碰撞，远看是翻涌的云海、璀璨的星河、混沌的天地，近看是每一笔带着体温的、即兴的笔触。这个系列里，他的心象彻底摆脱了客观物象的限制，画面里的每一个色点，都是他内心情绪的落点，每一次色彩的叠加，都是他精神世界的延伸，整个画面就是他本心的直接呈现，完美契合了东方美学中“澄怀观道”“天人合一”的精神境界，也是他三十年心象创作的终极升华。

《复兴之光》 200x600cm 布面油彩 2020年

同源异路：张旭东的绘画与西方表现主义的本质分野

很长一段时间里，多数评论者将张旭东的创作，简单归为西方表现主义的脉络，毕竟他的创作语言深受德·库宁、巴塞利兹、波洛克等的影响，东北表现主义油画的传统也在他的作品中留下了深刻印记。正如美术评论家岛子评价：“张旭东的画可以归为热表现的油画范畴，显然受到了新表现主义画派的影响，这样一个画家作品的出现是重要的，他承袭了东北表现主义油画和抽象油画的趋向，形成了自己的艺术语言特征”[3]。但事实上，从拿起画笔的一开始，张旭东的创作就与西方表现主义有着本质的区别，二者是同源而异路——同样颠覆了“摹仿论”传统，同样以主观表达为核心，但最终的精神指向，却走向了完全不同的方向。西方表现主义的核心，是个体情绪的极致宣泄，是人与世界的对立与撕裂。它反对理性的束缚，强调用夸张、变形的形象，强烈的主观色彩，直接释放主体的焦虑、痛苦、恐惧等生存体验，本质上是个体与世界的对抗。蒙克的《呐喊》是这种逻辑的极致，画面里的所有形象，都只为服务于个体生存的焦虑与绝望，没有任何和解的余地；德·库宁的《女人》系列，用撕裂的笔触、扭曲的形象，表达对消费社会、男权文化的对抗与批判，画面里充满了攻击性与撕裂感。但张旭东的画里，从来没有这种尖锐的对抗与撕裂。哪怕是笔触最肆意、色彩最浓烈的作品，也始终带着东方人对“心”与“物”关系的理解：不是对抗，是共生；不是情绪的宣泄，是心性的呈现。他的《人与海》系列，人体与海浪是融为一体的，个体生命与自然是共生的，没有对立，只有生命与自然的同频共振；他的《淖中花》系列，哪怕描绘的是泥潭与困境，最终指向的也是生命的韧性与希望，而非绝望的宣泄；即便是彻底抽象的《幻境》系列，画面里也没有撕裂与对抗，只有流动的、和谐的、充满秩序的精神气韵。这正是中国心象绘画与西方表现主义最根本的分野：西方表现主义的核心，是“情绪的宣泄”，是个体与世界的对立；而张旭东所坚守的中国心象绘画，核心是“心性的呈现”，是个体生命与天地万物的贯通与共鸣。他的创作，从来不是为了宣泄负面情绪，而是为了呈现自己完整的生命境界，是东方“以心为本”美学传统的当代表达。

《海滩》90x120cm 布面油彩 2009年

《北方山水之彩色山》200x300cm  布面油彩 2019年

本心为锚：当代艺术语境下的创作价值与启示

在今天的当代艺术语境中，绘画越来越被边缘化，越来越多的创作者疏离绘画本体，一头扎进概念化的叙事与媒介狂欢里，张旭东三十年如一日的创作实践，恰恰有着格外珍贵的时代价值。张旭东自己曾直白地说：“如果刻意把观念加入到绘画中，画面就失去了画家本身的灵魂，就好像被其它的东西绑架了。”这句话，是他三十年创作的最好注脚，也是他对当代绘画困境的最直接回应。在他的创作里，所有的笔触、色彩、构图，都是他当下情绪与精神状态的直接记录，是近乎本能的、无法复刻的即兴表达。

《江山锦簇》200x450cm 布面油画 2020年

因此，绘画的生命力从来不在于对潮流的精准追赶，也不在于对复杂观念的晦涩图解，而在于创作者对自我内心的绝对坦诚，在于对生命本能的尊重与释放。绘画最终画的从来不是外物，而是画者自己的心，是自己完整的生命境界。而张旭东三十年的持续实践，恰恰为这个概念，提供了最鲜活、最动人的个人范本。从1995年中国美术馆的初次亮相，到如今年近六十依然在画布上肆意挥洒的创作状态，张旭东始终以心象为径，步履不停。他的绘画，不仅为中国当代表现性油画提供了一个不可替代的个人样本，更向我们展现了一种最朴素，也最动人的艺术信仰。

2026年4月10日于北京

注释：

[1]易英：《当代油画的表现性转向》，载《繁花与心象：张旭东当代油画创作研究》，河北美术出版社2021年版，第47页。

[2]高岭：《在表现与象征之间——张旭东的油画》，《画廊》1996年第2期，第45页；另载《鉴证——高岭艺术批评文集》，河北美术出版社2010年版，第90页。

[3]岛子：《观念变形记》，载《中国当代油画精神景观》，广西美术出版社2000年版，第112页；亦见《画廊》1996年第2期，第48页。