导语：艺术文献是承载艺术家创作轨迹、思想脉络与时代文脉的核心载体，更是梳理艺术发展脉络、传承艺术精神的珍贵基石。在数字化浪潮席卷当下的今天，传统纸质资料、实物档案易损毁、易散失、检索困难等短板日益凸显，不少艺术家毕生积累的创作手记、工作记录、交流史料、实践档案等珍贵内容，因缺乏系统留存而悄然遗失，成为艺术传承路上难以弥补的遗憾。构建完整、立体、可长久存续的艺术家数字文献体系，已不再是简单的资料电子化，而是对艺术生命的完整存档、对艺术文脉的有效延续，兼具史料价值、学术价值与美育价值。它能够全方位收录艺术家的作品、理论文稿、成长经历、社会实践、教育传承等多元内容，打破时空限制，让鲜活的艺术故事、深刻的艺术思想得以长久留存、广泛传播。

艺术家许钦松

艺术家许钦松作为岭南画派的重要代表，在山水画创作与理论建构上成就卓著。创作上，他完成了从版画到山水画的深耕转型，以“吞吐大荒”系列确立个人风格，代表作《南粤春晓》成为展现广东改革开放气象的时代经典；理论层面，他提出“圣洁山水”将传统山水精神与当代视觉经验相融合，拓展了山水画的表现维度与美学边界。

“我这一辈子走上艺术道路，好像冥冥之中有一只手在推着我走。”许钦松这样开启对自己艺术一生的回顾。从小对艺术的痴迷是强大的内驱力，而一路上的师长提携与指引，则让他在这条路上坚定前行。无论是作品还是经历，都堪称丰富而精彩。然而遗憾的是，多年来因醉心于做实事，忽略了对文献资料的保存，导致很多重要文献丢失。正是这份对艺术文献重要性的切身体会，使他对艺术家数字文献系统的建设极为关注，并寄予厚望。

本次与许钦松的对话，结合其数十年的艺术求索之路与文献留存的亲身经历，深度探讨艺术家数字文献的构建内涵、现实意义与发展方向，剖析数字技术为艺术保护、研究、传承带来的全新可能。

艺术成长之路：乡土浸润与启蒙求索

雅昌艺术网：您1952年生于广东澄海，童年在潮汕乡村度过，务农期间凭借《芥子园画谱》自学国画。这段成长岁月塑造了您怎样的艺术初心？潮汕地域文化又为您埋下了哪些审美伏笔？

许钦松：回望一路走来的艺术之路，仿佛始终有一股力量指引着我前行。我已经记不清具体是什么时候拿起笔来画画，但小时候那种涂鸦的冲动无处不在，在海边的沙滩上拿着树枝画各种各样的图案和动物，在村里的白墙上用家里拿来的木炭或者老师的粉笔到处涂画。以至于隔壁邻居常常来找我父母投诉。但是这种冲动是发自内心的，我好像也没办法控制。课本、作业本的空白处也都被涂鸦填满，这份发自本能的创作冲动，伴随了我的整个童年。

潮汕地区的民俗与民间艺术底蕴深厚，祠堂建筑、木雕、陶瓷等工艺随处可见，我自小便沉浸在这样的艺术氛围里。老家对面有一座华侨修建的三层小楼，仅有一个老太太居住，她的儿子和亲人都住在国外。老太太不让其他小孩子上楼，但是会邀请我进去，让我得以近距离观摩学习；另外，我妈妈是个戏迷，很喜欢看潮剧。小时候，不管哪个乡下有戏、路途多远，她都会背着我去看。那时候我还看不懂古装戏的内容，但能分清哪些角色是坏人、哪些是好人。最吸引我的是各种角色的服装图案，非常漂亮，回来后我就会把它们画下来。我对戏服、对戏剧里的舞台美术产生了浓厚兴趣。

雅昌艺术网：您从什么时候开始接触到正式的美术学习？

许钦松：步入中学后，我的视野进一步拓宽。美术老师的悉心指引，让我正式接触系统的美术学习，我也积极参与黑板报创作、校园美术相关工作。那时候对学习如饥似渴，尽一切可能去学习。初一的时候，有个同班同学不画画，但家里有一套《芥子园画谱》，在那个年代非常珍贵。我跟他拉关系、磨嘴皮，后来终于借到了，限定一个星期之内归还。拿到这套书后，我抓紧临摹，装成自己的一套《芥子园画谱》，然后如期归还。

各种小说里的插图也都是我的学习对象。县里只有一个新华书店，但没有任何画册。我注意到，报纸和杂质中有很多发表的美术作品，就想到可以去废品收购站去找。我跟收废品的老头儿表明了来意，拉上了关系，他很乐意。我就把找到的图片剪贴、制作，像画集一样分类整理，一本本作为我的学习资料。钱松岩的《红岩》、李可染的国画山水以及潘鹤先生的《艰苦岁月》等等，这些经典的作品通过这种方式给我留下了深刻印象。少年时代，我还借着老师的帮助，得以进入图书馆阅读典籍，从各类书籍中汲取养分。

澄海素有版画传统，也是知名的“版画艺术之乡”。高二时，我被选到了县文化馆的木刻培训班，这是我真正踏入专业艺术领域的起点。在前辈版画家的指导下，我完成木刻作品《工地宣传员》，作品成功刊登在《汕头日报》。18岁的我看到自己的画作与名字见报，内心满是激动。也正因体会到一份鼓励对青年创作者的深远影响，后来我设立“许钦松创作奖”，面向海内外毕业三年内的青年艺术家，至今已走过十八年，希望能为追梦的艺术学子搭把手。

故乡丰厚的文化土壤、家人的理解支持，加上四处求索的学习经历，为我日后考取美院、深耕艺术领域筑牢了根基。

许钦松 《大地风骨》，650x230cm，2009年

雅昌艺术网：有哪些师长对您影响至深？

许钦松：多位前辈恩师为我引路前行。中学的美术老师陈旭、蔡仰颜先生将我领入正规美术大门，他曾任澄海县文化馆馆长，也是颇具影响的版画家和图画家。他在疫情期间过世，我写下了《感念我的恩师蔡仰颜》一文发表于《羊城晚报》。在汕头，陈望、杜应强等艺术前辈也时常指点我，让我受益匪浅。

县文化馆的裱画师 “阿宾老”，也是我研习国画路上的一位良师。他的裱画室里常设一面裱画墙，装裱的书画贴满墙面，俨然一座小型展厅。我常常前去观摩，墙上既有古画名作，也汇集了彼时汕头地区诸多名家的作品。我不仅得以近距离欣赏原作，还亲眼见识装裱工序，观察画作经喷水处理后，笔墨韵味发生的微妙变化。平日里，我也常与前辈交流，聆听他们解读国画精髓。那年我年仅 19 岁，这段经历扎实又珍贵，让我收获良多。

雅昌艺术网：您曾经在接受采访时表示，在您的成长之路上得到了很多老先生的帮助，如黄新波先生、关山月先生等等。您与这些老先生的交往有哪些有趣的故事分享？

许钦松：跟这些老先生的交往都发生在我考取美院之后。1972年，我考入广东人民艺术学院绘画系版画班（即广州美院版画系)就读，开始接受正规的基础训练和专业训练。彼时院校推行“一专多能”的教学理念，我因早年有版画创作发表的经历，被分配至版画专业。那时候广州美院跟音乐学院、舞蹈学院合并，我们专业那一年才招15个学生，老师比学生还多，郭绍纲、王肇民、杨之光、黎雄才等名家都亲自授课。他们停课多年，终于恢复教师身份，特别有激情，对我们学生也是手把手地教。王肇民先生的画集里有一张黎族姑娘，就是课堂上和我们一起对着模特儿画的。老师们还会帮我们借一些只对他们开放的书籍。记得是迟轲老师帮我借了一套《鲁迅全集》，一共22本。我将它们放在宿舍床头，一有空就看，直至将全套书看完。那时候有种很迫切的求知欲望，驱使自己不断学习、提高。

毕业时，我本是那一届唯一可以留校任教的学生，因为省文化局展览办公室缺少人手，便被安排了过去。展览办公室由关山月先生负责指导，我每天都必须赶到他家里汇报工作。他既是领导亦是师长，言传身教深刻影响着我。

黄新波先生是版画领域的标杆人物，我求学时便满心敬佩，他曾在学院担任副院长。后来省美协、画院恢复建制，我从展览办公室被借调到黄新波先生麾下工作。美院首届硕士研究生招生时，胡一川先生鼓励我报考，而黄新波先生建议我把握机会加入恢复筹建的广东画院。最终我选择进入画院，彼时二十七岁，此后一直在他身边工作至其离世。一路走来，有幸得诸位大家提携，是我艺术生涯中莫大的幸运。

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创作深耕：作品脉络与风格求索

雅昌艺术网：您的作品多次在全国获奖，代表作众多，包括《个个都是铁肩膀》《潮的失落》《南粤春晓》《心花》《诱惑》等。许多作品被国内外众多美术馆、博物馆等收藏。哪件作品或者哪几件作品让您自己印象深刻？有哪些创作故事可以分享？

许钦松：《个个都是铁肩膀》是我毕业后创作的首幅作品。当时展览办公室在顺德容奇镇举办了 “广东版画创作学习班”，召集了全省木刻创作者集中培训。我当时在展览办公室任职，负责培训班的具体工作。在学员创作之余，我也同步完成了这件作品。该作品问世后广受好评，先后被多家主流报刊、刊物刊载，入选全国美术作品展，收录于《中国新兴木刻 60 周年画集》并斩获奖项，相关内容还被编入美术教材。作为我的毕业后第一件创作，它为我在版画领域的艺术发展奠定了坚实基础。美术理论家李桦先生还在《美术创作 20 讲》中特设章节，以此为例阐释艺术创作规律。这件作品由此成为我的成名作。

《南粤春晓》的创作于我而言意义特殊。我接到为人民大会堂一处重要场馆创作巨幅画作的任务，主办方仅限定作品尺寸为长五米、高二点五米，并未指定题材与悬挂位置，我需先提交草图，审核通过后方可正式落笔。创作地点选在广东画院的大型创作室，此地曾是关山月先生的工作室，他当年便是用这一块画板，创作了人民大会堂藏画《国香颂》，我早年也曾亲眼见证关老创作这幅作品。后来我接任画院院长，继续沿用这间画室与画板，再度为人民大会堂作画，这样的际遇十分难得。也正因这份特殊渊源，我对待《南粤春晓》的创作愈发谨慎，力求尽心打磨、不负期许。彼时，广东作为改革开放前沿阵地，发展日新月异，处处生机盎然。我决定以山水为载体，不止描摹岭南风物，更要借笔墨展现广东锐意进取的发展风貌与昂扬向上的时代精神。创作方向确定后，我反复推敲草图，不断调整构图、锤炼笔墨，完善画面细节。创作方案顺利通过审核，经过长时间潜心创作，这幅巨作最终完成，并正式落户人民大会堂，永久陈列。作品展出后收获了广泛好评。人民大会堂常态对外开放，不少游客专程来到画前驻足、拍照留念。即便多数观众并不知晓作者身份，却都由衷喜爱这幅作品。久而久之，《南粤春晓》也渐渐拥有了颇高的知名度与影响力。

除此之外，《高原甘雨》被中国美术馆收藏，《岭云带雨》等作品也收获诸多好评。另有作品曾遭遇侵权商用，也曾引发不小的关注，这些作品与经历，共同构成了我多年来的创作印记。

雅昌艺术网：您的创作从侧重版画逐步转向以山水画为核心，七八十年代主攻版画，九十年代双轨并行，2000年后山水画成为创作主力。这次创作重心转变，背后有哪些思考？如今如何回望这次选择？

许钦松：1997年是我创作道路的重要分界点。当年我获评广东省文艺“跨世纪之星”，同时在广东美术馆举办大型版画个展、出版个人版画集，也正是在这一年，我正式结束集中创作版画的阶段，将重心转向山水画。

版画与山水画的创作逻辑截然不同：版画倚重构思与灵感，容易快速形成创作突破；而山水画讲究笔墨积累、意境锤炼，没有捷径可走，需要日复一日潜心打磨和积累。事实上，我自幼学习国画，即便深耕版画的那些年，也从未中断山水学习，只是自认技艺尚浅，较少公开展示国画作品。上世纪八十年代起，我的山水画便陆续参与省内展览、对外艺术交流，还多次赴海外办展，一直在默默沉淀积累。

2003年，我在广东画院举办山水画专题展，并推出个人画集，展览反响热烈，也成为我山水创作的爆发节点。此后我陆续在香港等地办展，坚定了山水创作的方向。而2012年4月在中国美术馆举办的“吞吐大荒——许钦松山水画展”取得了巨大成功，而后开始全国巡展，让我的山水画艺术在全国范围内获得广泛认可。数十年国画功底的积淀，也让我能够从容驾驭《南粤春晓》这类大型山水创作，实现传统笔墨与时代精神的融合表达。

雅昌艺术网：您提出“圣洁山水”艺术理念，独创“环视法”“大笔墨观”等技法，致力于融合传统山水精髓与当代审美。在传统山水“可游可居”的审美范式与当代视觉体验之间，您是如何搭建全新的审美联结的？

许钦松：我的山水画创作理念来自于自身长期的艺术实践。在持续的创作过程中，随着经验的不断积累与认知的逐步深化，我慢慢形成了属于自己的理论思考。这种从实践中凝练而来的艺术理论，具备极强的落地性与可操作性，这也是艺术家的理论思考与纯粹理论研究者最大的区别。创作者常年深耕创作一线，直面各类技法难点、创作困境，由此衍生的思考贴合艺术本质，能够直接指导创作实践，因此极具学术价值与实践意义。

我早期的山水画创作，遵循的是传统通用的创作范式。随着探索的深入，我逐渐跳出固有套路，转而追求山川混沌初开、亘古悠远的原始气息，着力褪去画面中所有人类活动的痕迹，摒弃人为雕琢的印记，纯粹还原大自然本真、质朴的原生状态。这种艺术追求的形成并非一蹴而就。在不断的创作摸索中，我逐渐确立了敬畏自然的核心理念：山川不应是被人类改造、干预的对象，而是值得仰望与膜拜的精神载体。画作中的山水，不再是肉眼所见的普通景致，而是承载精神寄托、安放心灵的精神家园。我曾著有《此岸彼岸》一书，便是主张抽离人类的主观干预，以客观、敬畏的视角仰望自然山川，从精神维度重构人与山水的关系。

许钦松《岭云带雨》，215x628cm，2007年

基于这一创作理念，我的山水画逐渐形成苍茫博大的艺术风貌，画面中既无人迹、也无烟火，以此唤醒人们对自然的敬畏与尊崇之心，赋予作品深刻的哲学内涵与精神情怀。这一创作理论区别于传统山水画美学范式，我也通过数十年的创作实践不断印证、完善这一理念，希望能为当代山水创作提供新的思考方向。

至于“大笔墨观”，是相对于传统国画创作谈及笔墨，大多聚焦于局部的线条、笔触等细微技法，却忽略了画面整体的气韵格局。真正能够震撼人心、直击灵魂的山水作品，核心在于整体视觉气势与宏大格局。打个比方，长城整体绵延起伏的动线与磅礴气势，是格局层面的“大笔墨”；而墙体的一砖一石，便是传统认知中细碎的局部笔墨。过往创作往往拘泥于砖石般的细微笔墨，忽略整体气韵，最终导致画面琐碎杂乱、缺乏章法，如同言语繁杂却无核心主旨，难以形成震撼的视觉力量。“大笔墨观”的核心，便是把控画面整体的框架结构、动态气势与整体格局，以宏大的笔墨气象容纳壮阔的自然山水，构筑出极具冲击力与感染力的山水意境。

除此之外，我的山水创作理念也与山川的精神内核息息相关。纵观各类传统信仰与文化体系，大多与山川密不可分。佛、道等文化皆依托山进行发展，原因就在于山川高耸辽阔，最贴近天地，承载着人们对高远境界、精神超脱的向往。山的高远、天的辽阔，赋予了山水超越自然景致的精神价值，这也是我的“圣洁山水”能够承载哲学情怀、精神意境的根源。

许钦松《笔尖寒树瘦，墨淡野云轻》 ，中国画，367x144cm，2023年

雅昌艺术网：2016年，您担任首届“其命惟新——广东美术百年大展”的总策划，全面呈现广东美术的发展历程与精神脉络，也让大众更深刻地认识到岭南美术的重要性与影响力。您作为当代岭南画派的代表人物，您如何看待岭南画派当下的发展？岭南精神在当下面临哪些挑战？

许钦松：结合多年从业经验，我认为，要称为画派，必须同时满足三个条件：要有一批志同道合、具备行业影响力的画家群体。所谓“派”，从来不是单一艺术家就能成立的，必须是由一群人组成的创作团体，而且这群人理念相通、目标一致，各自拥有扎实的创作实力和行业影响力；第二，要有专属、明确的艺术理论主张。单纯聚集一批创作者，没有成型的艺术理念、没有思想主张和创作纲领，就无法形成凝聚力思想引领。如果只停留在绘画实践层面，无法为美术理论体系做贡献、无法深刻影响后世艺术发展，就不能称之为真正的画派；第三，要有可持续的传承性。传承是画派的核心根基，一门艺术、一个流派，必须能够代代延续、薪火相传，有源源不断的后继者接续发展，才能形成完整的流派脉络。

如今的广东国画格局，近些年发生了翻天覆地的变化，早已不是传统岭南画派能够简单概括的。一方面，时代飞速发展、美术人才自由流动，各地乃至海外的优秀美术人才纷纷入驻广东，极大丰富了广东的美术生态；另一方面，国内八大美院普遍引入西方美术教育模式，采用的是综合性院校的批量培养模式，和传统画派的师徒一对一、口传心授的传承模式有着本质区别。传统岭南画派依靠固定师徒关系代代传承，师承脉络清晰、技法风格统一；而现在的美术从业者大多是院校体系培养，师从多位老师，没有固定的单一师承关系，纯粹意义上的传统岭南画派已经不复存在。

如今我们更多将当下的广东美术定义为“泛岭南”格局。虽然传统岭南画派的纯粹传承模式已经改变，但它的革新精神依旧是我们广东美术的精神旗帜。岭南画派一直以来的主张可以总结为“折衷东西，融汇古今，关注现实，注重写生”。这种敢革新、融古今、通中西、接地气的艺术精神，至今仍深刻影响着广东美术的创作与发展，我们也会一直坚守这份初心，将岭南美术的优良文脉继续发扬光大。

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美育传承与文献建设：艺术的延续与守护

雅昌艺术网：您设立创作奖项扶持青年艺术人才，如今许钦松美术馆也即将落成开馆。这座公共艺术空间，将承担怎样的美育使命与社会职责？

许钦松：2009年，我在广州美术学院设立了“许钦松创作奖”以激励青年艺术家坚持创作。设立这一奖项的初衷，一方面是我对母校广州美术学院的感恩，另一方面则有感于自己的成长之路。一路走来，我得益于年轻时得到众多老师和前辈的提携与关爱。当我积累了一些绵薄之力，便想要把前辈给予我的爱心传承给更多年轻人。十七年来，获奖的青年艺术家数以千计，奖项也得到了来自社会和行业的正面反馈。奖项不仅获得了众多热心公益的人士和机构的支持，我也收获了与年轻艺术家共同成长的宝贵时光。我很感谢这个时代。我们助力和支持年轻艺术家们顺利成长，将推动中国的伟大民族复兴事业。

另外我要衷心感谢广州市，尤其是黄埔区的大力支持。许钦松美术馆于2023年正式启动建设，仅用两年多时间就顺利落成，如今即将正式开馆。这座美术馆的落地，不仅是广州黄埔的文化新亮点，也将为整个粤港澳大湾区的文化建设赋能，为区域文艺发展增添全新的展示与交流平台。广州的区级美术馆一直处于空缺状态，黄埔这座美术馆的开放，恰好补齐了这一短板。

广州是千年古城，文化底蕴深厚。美术界的同仁们一直在默默深耕、共同发力，让广州美术在全省文化体系中占据了重要分量，也为这座美术馆的落地奠定了坚实基础。很多人会误以为，以我的名字命名美术馆是为个人树碑立传，其实这座美术馆从来不属于个人，而是属于全社会、属于广大市民的公共文化平台。美术馆的核心宗旨是服务大众，一方面能够常态化开展艺术展示、美育普及工作，另一方面也能持续推动区域文化建设，擦亮广州、大湾区的文化名片。为此，我将把自己毕生的画作全部捐赠给美术馆，这也是对许钦松艺术基金会多年来深耕公益美育、践行社会责任的初心延续，希望能以艺术之力回馈社会，助力岭南文化薪火相传。

雅昌艺术网：回顾艺术生涯，您平时如何整理、留存个人艺术相关资料？在资料留存过程中，是否遇到过遗憾？

许钦松：如果将我个人的艺术经历与成长历程作为个案来研究，除了留存的艺术作品外，其实还需要大量的文献资料作为支撑，方便后人系统、全面地梳理和研究。几十年从业以来，我除了坚持艺术创作，还一直尽心尽力推动广东美术行业和区域文化的整体发展，经手、参与、牵头的事务非常多，积累的相关资料体量原本是很庞大的。

但我一直专注于实务工作，疏于主动记录、整理归档，许多珍贵的手稿、工作记录、项目资料都没能完整留存。譬如广东画院的新址建设，我耗费十余年心血推进，项目落成后便投入新的工作，相关过程资料大多遗失，这也是我心中一大遗憾。也正因亲身经历了文献散失的可惜，我愈发意识到系统留存艺术文献的重要性。

雅昌艺术网：在您看来，一套完整的艺术家文献系统，应当包含哪些内容？

许钦松：在我看来，研究一位艺术家的成长轨迹与艺术成就，不能只单一看作品，应当是全方位、立体化的综合研究。首先，最核心、最主要的依据，必然是艺术家的创作作品。一个艺术家的成长脉络、艺术风格演变、创作发展轨迹，都完整呈现在一幅幅作品当中，作品是研究艺术家最根本、最重要的载体；其次，还要研究艺术家的理论思考与学术贡献。一位成熟的艺术家，不只是单纯动笔创作，更要有自己的艺术理念、理论思考，以及对行业、对后世的学术价值。除此之外，艺术教育的传承也尤为关键。从教育人、培育后辈，为艺术行业输送人才，这些在教育领域留下的贡献，同样是艺术家成长历程中不可或缺的部分，值得被梳理、被研究。

再者，艺术家一生参与的各类社会实践、行业工作，看似和画画无关，实则都会潜移默化影响自身的艺术认知与创作表达，理应纳入研究范畴。艺术创作从来不是孤立的，人生经历、社会实践、行业履职和各类探索积累，都会构成一个完整的艺术体量，支撑着艺术家的成长与蜕变。

举个例子，我曾参与河源山区的扶贫工作，恰恰是这段基层经历让我深受触动、心生感悟，由此诞生了新的创作；还有我在行业制度建设上的相关探索，包括2006年在广东省美协牵头建立了纪检监察小组常态化监督机制，这套机制落地后成效显著，推动了广东美术生态的良性发展。相关经验被中宣部推广到北京及全国各大文艺协会，后续各地文艺机构陆续建立了纪检监察监督制度。完善的行业监督制度，能够搭建公平公正的行业环境，让文艺工作者没有顾虑、潜心创作，从制度层面为广东美术事业的稳步发展保驾护航，是从根源上助力区域美术行业良性成长。这种行业建设的探索，也是艺术家社会责任与行业担当的体现，同样具备研究价值。

除此之外，艺术家的文字著作、理论文稿也是重要的研究内容。落笔成文的过程，本身就是深度思考、梳理艺术思想的过程。这些文字记录，完整留存了个人的艺术理念、创作思考与学术观点，是构成艺术家立体研究体系的重要一环。

总而言之，真正完整的艺术家研究，不能局限于单一的作品赏析，而是要涵盖作品创作、理论思考、教育传承、社会实践、行业建设、文字著作等多个维度，全方位、立体化地梳理艺术家的艺术人生与行业价值。

许钦松在笔会中

雅昌艺术网：当下艺术数字化成为趋势，结合您的经历，您如何看待艺术家数字文献？借助数字技术保护艺术文献、传承艺术精神，您最大的期许是什么？

许钦松：将作品简单拍照存档，只是最基础的影像留存，远远算不上真正的艺术数字化。当下大众对艺术数字文献的认知仍较为片面，该领域也存在不少内容空白，需要专业机构深耕完善。我期待数字文献系统能够成为艺术记忆的“永久载体”，让每一份珍贵的艺术记忆都得以妥善守护、代代相传。目前在这一专业领域，仍存在很大的内容空白，而这部分空白，正是需要雅昌这样的专业机构来补齐、完善的。

雅昌艺术网：谢谢！