导言：“雅昌月度策展人影响力榜单”是雅昌艺术网从媒体角度对当代艺术领域的策展与展览呈现进行全面搜集、记录与跟踪，从专业角度解读“策展人”每月所策划的展览在学术性、策划执行、公众认知及影响力、国际化推广、盈利能力等方面的能力与创新。近几年，国内展览以及策展生态不断更新，比如非赢利空间艺术家个人申请和主导的展览项目，强调艺术创作的自主性和实验性，为艺术展示提供了更自由的表达空间。“雅昌月度策展人影响力榜单”关注到这一现象，将其纳入观察范围，对这些展览项目进行跟踪和分析。这种对新兴展览生态的关注，不仅反映了艺术策展领域的新动向，也为理解当代艺术的发展提供了新的视角和方向。

雅昌指数 | 月度(2026年4月)策展人影响力榜单

策展人：苏冰 曾琼  罗衣、沈采双个展

A学术性：✭✭✭✭

B策划执行：✭✭✭✭

C现场效果：✭✭✭✭✭

D公众认知及影响力：✭✭✭✭

E国际化能力：✭✭✭✭

策展理念：探讨当代个体在情感、科技与时代背景下的存在状态

《一切皆为关系性》现场

2026年4月4日至2026年6月3日，《一切皆为关系性》&《答案的问题》——Chloe 罗衣、沈采双个展在千渡长江美术馆举办 。展览分别由苏冰、曾琼担任策展人。以“关系”与“答案”为核心线索，旨在通过两位艺术家不同视角的创作，探讨当代个体在情感、科技与时代背景下的存在状态。罗衣的《一切皆为关系性》聚焦人与人、人与空间、人与自我的多重关系，以叙事性绘画和手稿呈现情感联结的复杂性与流动性；沈采的《答案的问题》则围绕艺术与科技的融合，通过装置、影像、绘画等形式，追问技术时代下“答案如何被生成”的命题，揭示人与机器、人与世界关系的动态变化。两位艺术家的作品虽形式迥异，但共同指向对“不确定时代”的敏感回应，引导观众思考个体如何在流动的世界中寻找位置。

展览现场：关系性与答案的交织

《答案的问题》展览现场

展览在太原千渡长江美术馆1-2号展厅呈现，空间布局与作品内容深度互动。1号展厅展示罗衣的作品，画面中人物、城市、空间彼此牵引，文字与画作相互呼应，通过倾斜的桌面、断裂的墙壁、错位的透视等视觉元素，营造出不稳定的空间感，让观众直观感受关系网络的复杂与微妙。2号展厅为沈采的作品区域，架上绘画、装置、数字影像等多种形式交织，作品与美术馆的光影结构、建筑空间深度融合，如《mtagbfp2的云》利用光影变化与观众互动，《赫拉克利特》装置通过旋转聚光灯和投影，营造出梦幻般的洞穴效果，使观众在理性与感性交织的氛围中，体验科技与艺术碰撞产生的独特审美与思考。

策展人：王新友 “百年一刻”群展

A学术性：✭✭✭✭

B策划执行：✭✭✭✭

C现场效果：✭✭✭✭✭

D公众认知及影响力：✭✭✭✭✭

E国际化能力：✭✭✭✭

策展理念：百年瞬间与永恒凝视

展览现场

2026年4月4日至2026年5月15日，"百年一刻"群展在偏锋画廊举办，由王新友担任策展人 。展览以“百年一刻”为主题，旨在通过十位跨越近百年艺术生涯的艺术家作品，呈现中国油画百年本土化进程中的关键“瞬间”。策展人王新友认为，这些“一刻”既是艺术家个人创作时饱含深情的印记，也是时代留给历史的视觉痕迹，试图回答“中国艺术家如何将外来艺术形式转化为与自身时代贴切、与自身审美相符的艺术语言和工具”这一核心命题，同时致敬以这些艺术家为代表的视觉思想家。

展览现场：跨越百年的视觉现代性史诗

展览现场

展览汇集了王式廓、董希文、沙耆、李骆公、汤小铭、尚扬、倪军、尹朝阳、马轲、宋琨十位艺术家的作品。现场通过并置不同年代、不同风格的作品，形成一部“活生生的中国油画百年史”，观众可以看到王式廓1950年代的《残疾人习作》、董希文1961年的《边城亚东》、沙耆1930年代的《呦呦鹿鸣》、李骆公1961年的《苏州河》、汤小铭1981年的《鲁迅肖像》及1983年的《西澳女画家》等历史经典 。同时，尚扬2009年的《火山寂静》与2012年的《册页-25》展现了改革开放以来的语言探索；倪军2026年的《在鼓浪屿》与2025年的《膏蟹与大三文鱼》呈现了60后艺术家的当代视角；尹朝阳2015年的《松下士之二》、马轲2001年的《舍身饲虎图》以及宋琨2003年的《人物·神》则体现了70后艺术家的个体心理与智能时代回应 。这些作品手法从革命历史绘画到实验语言，再到个体心理与智能时代的回应，共同指向一种更本质的现实主义——对所处时代的深刻在场与情感转化，为当代语境中重谈现实主义提供了极佳样本 。

策展人：闵罕 轮回——古罗马与汉代文明对话展

A学术性：✭✭✭✭

B策划执行：✭✭✭✭

C现场效果：✭✭✭✭✭

D公众认知及影响力：✭✭✭✭

E国际化能力：✭✭✭✭✭

策展理念：生命与不朽的跨时空追问

展览现场

2026年4月9日，"轮回——古罗马与汉代文明对话展"在杭州中国美术学院中国国际设计博物馆开幕，由闵罕担任策展人。此次展览以东西方对"生命与不朽"的共同追问为切入点，采用人工智能艺术、虚拟现实、混合现实等前沿艺术形式，探讨人类如何在数字技术时代面对生命议题 。展览立足于中国美术学院跨媒体艺术学院以及绘画艺术学院版画系、壁画系的多元媒介实践，以公元1世纪至2世纪意大利庞贝古城的壁画、马赛克与中国东西汉时期的画像石、画像砖进行双重叙事，共同开启一场关于物质遗存、记忆重构与精神重生的跨时空对话 。

展览现场：数字技术赋能的文明互鉴之旅

展览现场

展览现场位于中国国际设计博物馆，汇集了庞贝古城壁画、马赛克和中国汉代画像石（砖）原拓、木刻等装置及影像作品近百件 。展厅中，观众可以看到东西汉画像石、画像砖原拓与庞贝遗址数字复原、AI生成影像、VR、马赛克、壁画创作以及黑白木刻等多元媒介作品并置，共同完成一场跨越千年的共情与对话 。例如，《memento mori》马赛克复制作品（原件藏于那不勒斯国家考古博物馆）以骷髅形象警示生命的短暂，与中国汉代画像石中的生死主题形成呼应 。展览通过人工智能艺术、虚拟现实、混合现实等前沿技术，为观众开启一场跨时空的沉浸式文明互鉴之旅，所有展品均为中国美院师生创作，不包含庞贝文物原件 。

策展人：策展团队 蒙太奇：从辩证法到动力学——建筑、电影、摄影、诗歌、绘画、戏剧、设计，音乐和其他

A学术性：✭✭✭✭

B策划执行：✭✭✭✭

C现场效果：✭✭✭✭✭

D公众认知及影响力：✭✭✭✭✭

E国际化能力：✭✭✭✭✭

策展理念：打破边界，重构蒙太奇的跨学科思想宇宙

展览现场

2026年4月10日，"蒙太奇：从辩证法到动力学——建筑、电影、摄影、诗歌、绘画、戏剧、设计，音乐和其他"展览在杭州中国美术学院中国国际设计博物馆开幕，由策展团队策划 。此次展览的核心学术命题是打破"蒙太奇=电影剪辑"的固有认知，将其定位为重塑二十世纪现代视觉文化的重要思想，以及跨越学科、文化与时代的认识论工具 。策展团队以"从辩证法到动力学"为命题，完成了四大维度的学术探索：深度梳理蒙太奇从"工业装配"词源到跨学科先锋视觉语言、再到当代跨媒介创作核心逻辑的完整演变；以双向互鉴的视角，呈现中国传统艺术对蒙太奇理论发展的独特贡献；通过对爱森斯坦等理论奠基人的文献再研究，厘清蒙太奇从历史辩证逻辑到当代动力学范式的演进路径；直面生成式AI带来的影像革命，在"后蒙太奇"语境下重新审视这一理论对人类感知能力的启示价值 。

展览现场：片场式叙事与沉浸式思想漫游

展览现场位于中国美术学院中国国际设计博物馆0、1、2、3、4号展厅，展陈面积达2500平方米，汇聚了来自中国、俄罗斯、美国、意大利、法国、德国、荷兰等7个国家、30余家机构的艺术作品与历史文献 。展览摒弃传统线性展陈模式，以"片场式"叙事构建沉浸式的思想探索路径，通过六大核心板块层层追问"蒙太奇究竟是什么？"，引导观众完成一场从历史到当代的蒙太奇思想漫游 。

在"总目录：作为思想宇宙的蒙太奇"板块，观众可以了解蒙太奇从工业装配技术到跨学科思想工具的完整演变 。"作为视觉'手术刀'的蒙太奇：视觉艺术前卫实验"板块回溯了蒙太奇在成为电影语言之前，在达达主义、未来主义、构成主义等先锋派艺术中的萌芽与实践，通过19世纪巴黎拱廊街、柏林达达咖啡馆、罗德琴科暗房等场景复原，呈现了蒙太奇如何从工业装配技术，转变为介入社会的视觉批判工具 。"走向辩证法的蒙太奇：经验、技术、思想"板块聚焦蒙太奇作为感知经验、影像技术、辩证思维的三重属性，通过"库里肖夫效应"互动装置、维尔托夫"电影眼睛"理论文献、爱森斯坦经典电影片场还原，完整呈现了蒙太奇学派的理论核心与实践探索 。

"东方的混响：蒙太奇与中国"板块首次系统揭示了中国传统书法、绘画、戏曲对蒙太奇理论形成的重要启发，以及中国文艺工作者对蒙太奇理论的本土化重构探索，呈现了梅兰芳1935年访苏推动东西方艺术对话的历史瞬间，杭州籍左翼电影先驱夏衍的书房场景也在此复原，李桦1935年的木刻版画《怒吼吧！中国》在此板块展出 。"蒙太奇理念与空间诗学"板块探讨了蒙太奇在建筑、设计等领域的空间实践，德国科隆国际新闻博览会苏联馆内景（埃尔·利西茨基设计，1928年）在此复原呈现 。此外，展览还结合AI技术做了创新呈现，在"后蒙太奇"语境下重新审视这一理论对人类感知能力的启示价值 。

策展人：策展团队 未来之阈——首届实验艺术展览

A学术性：✭✭✭✭

B策划执行：✭✭✭✭

C现场效果：✭✭✭✭✭

D公众认知及影响力：✭✭✭✭

E国际化能力：✭✭✭✭

策展理念：临界状态与未来探索

湖北美术学院展区展厅现场

2026年4月10日，"未来之阈——首届实验艺术展览"在武汉开幕，由郑达与唐骁带领的策展团队策展。此次展览以"未来之阈"为题，"阈"既是门槛，也是两种状态的交界：传统感知与算法系统并置，个体经验与分布式协作交错 。展览旨在将中国实验艺术清晰地置于"阈"的状态之中，不再追求完成的结论，而是将生成过程本身转化为可见结构——布展中的犹疑、调试的偶然以及算法运行的偏差，均被保留为展览的一部分，从而构成一幅尚未完成的现场图景 。中国美术家协会实验艺术委员会主任范勃在总前言中界定，"阈"既是门槛，也是两种状态的交界，展览深度探索艺术与科技、传统与当代、个体与社会的融合共生，以跨感官体验重构审美范式，聚焦生态环保、人工智能伦理、文化认同、未来生活方式等时代议题，彰显艺术的时代担当与社会责任 。

展览现场：双展区并置呈现实验艺术多元图景

展览现场分布于湖北美术学院与华中师范大学两大展区，各有侧重、互为补充，共展出109件作品 。湖北美术学院美术馆"临界场"展区展示92件作品，聚焦于艺术家的个体创造性探索，聚焦个体创作者在材料、数据与身体交界处的实验实践 。华中师范大学博雅美术馆"非线性共存——AI时代的跨学科实验室图谱与创作物证"展区展示17件院校团队作品，呈现高校跨学科实验室在算法与工程协作中的集体生产，展现艺术与科技前沿领域的集体研究成果 。展览从两千五百余件投稿中遴选而出，既彰显了实验艺术的个体锋芒与创作活力，也凝聚了院校的集体智慧，全景展现了艺术与科技交融共生、传统与现代碰撞对话的多元图景 。

策展人：高名潞  坐究四荒——钟飙的艺术宇宙

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E国际化能力：✭✭✭✭

策展理念：以形显态，穿透大千世界的宇宙能量

展览现场

2026年4月11日，"坐究四荒——钟飙的艺术宇宙"展览在北京壹美美术馆开幕，由著名当代艺术理论家和策划人、美国匹兹堡大学教授高名潞担纲策展人。此次展览梳理了艺术家钟飙三十多年来的艺术历程，高名潞在前言中指出，钟飙把艺术看作穿透大千世界的手段，要用艺术揭示宇宙能量的运动状态，画面呈现的图像不过是宇宙永恒运动的一瞬，对此钟飙称之为"以形显态" 。这个"态"是生存空间的重组，是物质的互动，是量子的纠缠，是因果的运动，是宿命的形状，是宇宙无穷变化中微不足道的一瞬，所以实际上是虚无的——对于个体而言，"瞬间"背后的那个实实在在的宇宙整一性可能永远无法获取，只有通过极致的当下冥想才能企及那个过去、现在、未来纠缠不清的恒常 。高名潞强调，钟飙的艺术是"独应无人之野"，本次展览则是一支"缤纷与虚无"对话的独奏曲，艺术应与科学、宗教平行，是人类认识世界的特殊智慧，应突破主观与客观的二元对立，走出既有闭环，进入自由状态 。

展览现场：科技场域中的艺术宇宙折叠

展览现场

展厅中，观众可以看到钟飙过去三十多年的创作成果，从1990年代初到现在，虽然思想不断变化，但作品从始至终都遵循着一个整体的思维逻辑——从一开始就没有把绘画看作自我表现、现实的模拟、观念的宣示或形式堆砌的抽象，而是将艺术视为认识世界的方式，关注过程的呈现而非最终结果 。作品中呈现了大千世界中无孔不入的共生和共振，其中有量子的狂欢、信念的燃烧、光阴的流逝、理智与情感的博弈、存在与英雄主义的质询等等，所有这些无形的、不同范畴之间的互动状态都被转化为可视的片段 。

策展人：策展团队  双手知道——希拉·希克斯&施慧双个展

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策展理念：以材料为原点，回归双手的触碰

展览现场

2026年4月16日，"双手知道——希拉·希克斯&施慧双个展"在上海西岸美术馆开幕，由克莱蒙·迪里耶、刘潇、陈洋仪策展团队策划。此次展览是西岸美术馆推出的首个在世艺术家双个展，以"材料"为原点重新思考艺术史——当艺术不再仅依赖图像与再现，而回到双手的触碰与反复劳动，材料本身成为一种可被感知的语言 。展览旨在回溯纤维艺术从装饰性手工艺跃升为独立当代艺术语言的关键历程，通过两位长期活跃于纤维艺术领域的关键人物首次在同一语境中并置呈现，展示这一语言在不同文化土壤中生长出的非凡面貌，让一段具有温度的历史交汇在此徐徐展开 。展览聚焦由双手反复劳动所生成的创作——它们承载时间与身体的经验，在当下以图像与视觉主导的世界中，既是一种回应，也是一种回归，指向对现实知觉的再度发现 。

展览现场：双单元并行的"材料"剧场

展览现场

展览现场位于西岸美术馆展厅3，通过"大河远近"与"万物有灵"双单元并行的结构，为观众构建了一个超越文化边界的"材料"剧场 。在"大河远近"单元，希拉·希克斯（Sheila Hicks）的作品从掌心大小的《微作（Minimes）》到《无处可去（Nowhere to Go）》等数米高的巨型纤维装置，尺度跨越数个量级，展现她让纤维进入空间与结构的维度，持续拓展纺织艺术的可能性 。这些作品以不同的物及多样的色彩，将时间、心境、个人游历编织为可触知的纹理，邀请观众在感官思考与理智感受间达成深度共鸣 。在"万物有灵"单元，施慧的创作以宣纸、竹篾、棉与麻等为基础，在素白中铺陈对于自然、身体感知与时间经验的思考，展开对材料的精神性探索 。时间与经验在她们的双手中被一寸寸编织、堆叠，转化为可以被感知的存在 。观看不再停留在作品表面，而是进入其生成过程、结构方式与技术逻辑，由此，纤维创作也不再受限于既定的文化边界，转化为一种能够被普遍感知的经验 。

策展人：刘倩兮 杨心广：幽暗地表

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策展理念：枯落物层中的生态寓言与人类栖居之思

展览现场

2026年4月19日，"杨心广：幽暗地表"展览在UCCA沙丘美术馆开幕，由UCCA首席策展人刘倩兮策划 。此次展览是艺术家杨心广迄今规模最大、委任作品最多的机构个展，以生态学与土壤学中的"枯落物层"概念为核心隐喻——这一隐匿于植被遮蔽之下、由腐烂枯枝落叶与分解或半分解的动植物残体组成的地表界面，虽潮湿、阴冷、幽暗，却是生态系统健康运转的关键环节，是死亡转化为新生的场所 。刘倩兮将这一具体的地理空间形态提升为承载多重隐喻的讨论框架，探讨人类的情感、创造与审美意志如何在天然世界中呈现为一种"游离状态"——当杨心广通过介入、模仿或刻意阻断自然生命循环，使自然物成为脱离循环系统的"异质之物"时，一个严峻的追问随之浮现：人类活动究竟是自然秩序的有机组成，还是一种难以被系统吸纳的"不相融之物"？ 展览由此转化为一场关于物质降解与身份异质性的深度思辨，引导观众重新审视人类在自然界中的游离状态，并探寻一种更为谦卑的栖居方式 。

展览现场：洞穴场域中的降解剧场与时间装置

展览现场

展览现场位于UCCA沙丘美术馆不规则洞穴展厅及户外场域，系统性地展出十余组全新创作的装置、雕塑、影像与场域特定作品 。展厅中，泥土、枯枝、钢筋与涂料交织成独特的视觉语言——《陶制巢穴》（2026）以仿生形态的高大陶土器皿承载拾取的植物，揭示对自然降解的阻隔往往源于人类最寻常的欲望 ；《泥土》（2026）与《土壤之上》系列以植物、泥土等自然物为题材，将工业物料与自然材料交缠、叠加、并置，呈现强有力的形式感 。展览延伸至与自然交界的户外空间：露台上的《枯落物》（2026）邀请观众参与创作，将拾取的植物插入陶土器皿，以日常化的交互行为揭示人类欲望与自然降解之间的微妙关系 ；海滩上的"勇士"系列（2023）以钢筋为骨、枯叶为肉，矗立海边的"士兵"将在展期内经受海风与浪涛的侵蚀，有机填充物逐渐消散，最终仅余空荡的钢筋"盔甲"——这一风化过程将作品转化为动态的时间装置，无声宣告人类赋予自然的意义与形式终将在自然循环中消散，唯有冰冷的工业框架作为曾经存在的虚弱证明 。这些作品犹如封存于循环之外的生命标本，静置于美术馆形似洞穴的原始场域中，以鲜明而富有张力的方式，呈现出人造秩序作用于自然世界的凝练当代寓言 。

策展人：程婧  一份献给家乡安吉的礼物”——程昕东和蒲皓琳当代国际艺术作品捐赠展

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策展理念：艺术反哺乡土，文化连接世界

2026年4月23日，“一份献给家乡安吉的礼物”——程昕东和蒲皓琳当代国际艺术作品捐赠展在在安吉文化艺术中心开幕，由程婧担任策展人。以“艺术反哺乡土、文化连接世界”为核心理念，旨在通过程昕东与蒲皓琳捐赠的82件国际当代艺术作品，搭建安吉与全球艺术对话的桥梁。展览聚焦“国际视野、乡土底蕴与生态特色”的融合，既梳理中国当代艺术发展脉络，又呈现海外先锋艺术探索，强调艺术作为跨文化沟通的媒介，助力安吉从生态名城迈向人文强城，为公众提供多元审美体验与思想启迪。

展览现场：国际艺术与本土文化的沉浸式对话

展览现场

展厅内集中呈现绘画、摄影、雕塑、影像、装置艺术等多种媒介的作品。展品中既有俸正杰创作的《昕东与皓琳》、金冶1992年创作的《程昕东先生》等与捐赠者个人经历直接相关的作品，也有武明中《天上人间之十》、赵能智《表情第三号》等勾勒出中国1990年代至2000年代绘画面貌变迁的佳作，以及法国摄影大师马克·吕布1985年拍摄的《印度老德里城——日月光间》等国际艺术家的创作。空间设计融合安吉竹文化与生态美学，通过光影、布局营造沉浸式观展氛围。现场设有互动区域，结合安吉白茶茶艺展演、非遗手作体验等，实现传统与先锋艺术的双向碰撞，让观众在欣赏国际艺术的同时，感受本土文化魅力，形成“艺术+生态+人文”的多元体验场景。

策展人： 张尕 凯洛斯的回响：朱利安·夏西埃赫、洛朗·格拉索双个展 798CUBE

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策展理念：时间的断裂与回响

2026年4月23日，"凯洛斯的回响：朱利安·夏西埃赫、洛朗·格拉索双个展"在798CUBE开幕，此次展览由张尕担任策展人。张尕以古希腊时间概念"凯洛斯"（Kairos）为核心，将时间从线性秩序中解放出来，使其以断裂形式沉淀并在生态、技术与认知系统中回响。他将朱利安·夏西埃赫的物质时间与洛朗·格拉索的形而上时间并置，使两者在"即刻与浩瀚"的交汇处形成张力——前者通过冰川与地质遗存激活人类世交织的感官场域，后者在真实与虚拟的视觉设置中将感知置于非线性的时间影像之中。展览最终指向"时间本身成为问责媒介"的当代情境，邀请观众在行星纠缠的收缩当下中重新校准个体的坐标与责任。

展览现场：深海、洞穴与天体之间

“凯洛斯的回响：朱利安·夏西埃赫、洛朗·格拉索双个展”，展览现场，798CUBE，2026。

展览横跨影像、雕塑、装置与摄影等多种媒介，将观众置身于深海、洞穴、大地与天体之间的宏阔境域。朱利安·夏西埃赫带来了包括《蓝色化石，熵故事 III》（2013）、《走向无地之极》（2019）及新作《反照率》（2025）在内的系列作品，以冰川、火山、深海等地球系统为媒介，将地质深时的缓慢创伤转化为可感知的艺术现场；洛朗·格拉索则呈现了《奥托》（2018）、《人造之象》（2021）、《阿尼玛》（2022）及《云理论》（2024）等代表作，通过概念性戏剧编排与感知场景学，在真实与虚拟之间制造时空错乱的认知体验。

策展人：马得 方二 FAI第四届中国国际装置艺术学术论坛暨展览

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策展理念：以"冷峻"守望时代

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展览现场

2026年4月24日，"FAI第四届中国国际装置艺术学术论坛暨展览"在今日美术馆1号馆开幕，此次展览由马得、方二联合策展。马得在展览前言中写道："在经济下行、市场浮躁、审美纷乱的当下，装置艺术的'冷峻'恰是我们对抗虚无的姿态。这种守望不是为了治愈痛苦，而是为了直面痛苦的实存，并释放人类最高尚的情感：愤怒。" 两位策展人以今日美术馆1号馆2至4层的垂直空间为载体，首次将展陈结构转化为一套层层递进的方法论诊断：二层聚焦自然材料，三层介入工业现成品，四层直面科技与机械，以此检验装置艺术语言在当代语境下的有效边界。 这一"三层次"结构延续并回应了前三届论坛围绕"反美学与非美学的理论分野""现成品的媒介跃升""装置艺术的公共协商能力"所积累的学术成果，以群体共振的方式捍卫装置作为"慢媒介"的尊严，拒绝让艺术退守为市场的修辞或技术的注脚，致力于为中国装置艺术的国际对话奠定新的文献坐标。

展览现场：从木石到机械的垂直追问

展览现场

展览汇集了22位中国当代装置艺术家的前沿实践，其中包括7件为本次展览全新创作的大型装置作品。 马得的全新委任作品《ABOVE》以12.4米通高体量横跨美术馆2至3层中庭，以建筑脚手架与木龙骨搭建出一座悬置的思辨平台，观众在不同楼层、不同角度的每一次注视，都成为对"观看位置"本身的追问。 李怒将铁、铅皮、橡胶、土豆与脚踏风琴荒诞并置，在日常物的功能剥离中解剖符号逻辑；王恩来的新作聚焦工业制成品在受力与环境中释放的存在活性；方二与孟瑾以光敏树脂、金属与电缆构筑感知场域，探讨都市空间与人类感知的交互边界。 此外，白伟振、安宁、郑晟、余昊、时子媛、沈之六位新晋艺术家以算法逻辑、身体在场、声音剧场等数字原生代语汇，为装置艺术注入新的变量。

策展人：晏燕 刘锟作品展《相互接近的蓝》

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策展理念：在不确定中逼近真实

展览现场

2026年4月25日，刘锟作品展《相互接近的蓝》在今日美术馆三号馆开幕，此次展览由今日美术馆执行馆长晏燕担任策展人。晏燕以"相互接近的蓝"为意象，构建了一场关于记忆、历史与真实漂移属性的视觉思辨——标题既指向画面中那些呼吸般涌动又彼此保持距离的蓝色，也隐喻着艺术家在不确定中持续逼近真实的姿态。 她将刘锟定位为一位"慢条斯理"的艺术家——慢在思考，慢在落笔，慢在拒绝草率判断，这种品质在当下要求艺术家不断产出和表态的时代语境中，成了罕见的自我节律。 在晏燕的策展逻辑中，刘锟的创作始于坐标失效带来的认知困境：他生活五十余年的城市中，构成生命锚点的幼儿园、小学、中学、大学逐一消失，所有参照物漂移，记忆不再有效。 展览以蓝色为介质，以"燕京八景"叩问历史的游移与真实的相对性，以"水"系列解构水的具象形态探寻存在的流动与荒诞，以"风景"系列用雨幕抹平盛与衰的对立——最终指向一种双重否定：既否定了再现风景的可能，也否定了再现历史的能力，揭示艺术的价值不在于给出答案，而在于让问题变得可见。

展览现场：蓝色、雨幕与漂移的风景

展览现场

展览在今日美术馆三号馆集中呈现了刘锟30余件最新作品，涵盖"相互接近的蓝"和"风景"两大系列，包括蓝色主题的"燕京八景""水"以及两组系列装置，以及黑白主题的"风景"系列作品。 "八景"系列以"金台夕照""太液秋风""蓟门烟树""居庸叠翠"等燕京八景为母题，以钴蓝、群青、孔雀蓝、天蓝等色彩参与叩问历史的游移——每一处漂移的景致被锁定为一种确定的蓝，但"确定"本身是虚假的，画面在平涂与平涂之间形成色域的间隔，浮出堆叠的肌理，像时间的迷雾。 "水"系列则以南宋马远《十二水图》为精神源头，消解水的具象轮廓，以《瓦尔登湖》《静静的顿河》《涉过愤怒的河》等来自私人阅读史的标题，在画面与命名之间形成一条裂缝，表达"永远无法抵达的接近"。 "风景"系列中，雨幕般的垂直线条反复出现，《从景山到故宫》与《工作室拆迁》并置，皇城的琉璃瓦与宋庄的碎砖头在冲刷下获得同一种视觉质感，盛与衰被抹平为同一过程的两个名字。

策展人：王泊乔 「浮流：无尽漫行」马克西姆·热斯科夫个展

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策展理念：涌现中的无尽漫行

展览现场

2026年4月25日，"浮流：无尽漫行——马克西姆·热斯科夫个展"在有边空间开幕，此次展览由王泊乔担任策展人。王泊乔以学术主持费俊提出的"涌现"概念为策展基底，将展览定位为一种关于存在方式的提案——当一切被还原为粒子与关系，当边界、秩序与形态仅作为短暂的停顿出现，观众需要重新理解自身的位置：不是作为外部的观察者，而是作为涌现本身的一部分。 王泊乔在技术浪潮奔涌而来的时代语境下，为"代码生成的运动图像"注入流动的生命意志，为冰冷的物理模拟融入感官的诗性，使展览成为一个悬置的场域——在算法之上呈现人类最能动的力量，也让人们深切感受宇宙存在与数字生命的原始律动。 其核心策展逻辑在于打破线性时空逻辑，让"行"不再意味着从起点到终点的线性移动，而是一种在涌现结构中的持续参与：方向不断被改写，路径不断被生成，个体既无法完全掌控，也无法抽离。

展览现场：粒子构成的平行宇宙

展览现场

展览集中呈现了马克西姆全新交互系列作品及近十年代表性创作，涵盖7x7米巨型LED交互装置、VR项目等多种形式。 步入展厅，《体积》以色彩的涨落模糊了人造与自然的边界，成为展览的前奏；核心展厅7x7米巨型LED屏幕呈现的交互装置《游境》让观众化身为宇宙的探索者，穿越于四个抽象生物群落，在光色转化中开启横跨微观神经与宏观星系的生成式旅程；VR项目《模块》中，观众将参与新世界的探索与共造，预演人类与数字主体的共存；最终，《元素》将一切纷繁归于黑白粒子的基本单元，探索一种能够描述世界所有存在的视觉语言。 展览如同一个由粒子构成的平行宇宙，而宇宙的意义诞生于观者的好奇——从橱窗到展厅深处，从物理现实到AI智能，观众在无尽数字浮流中层层漫行，巨型实时交互大屏中无数粒子仿佛拥有了呼吸，变成数字生命体。 本次展览是马克西姆·热斯科夫的亚洲首次个展，也是其全新交互系列在全球范围内的首次亮相。

策展人： 崔灿灿 刘韡：郁金香 吉本岗艺术中心

A学术性：✭✭✭✭

B策划执行：✭✭✭✭

C现场效果：✭✭✭✭✭

D公众认知及影响力：✭✭✭✭

E国际化能力：✭✭✭✭

策展理念：感知先于文本

展览现场

2026年4月30日，"刘韡：郁金香"在拉萨吉本岗艺术中心开幕，此次展览由崔灿灿担任策展人。崔灿灿以艺术家童年一段关于郁金香原产地的意外认知为起点——"郁金香并非产自荷兰，而是喜马拉雅山脉的原生"——这个令人惊讶却并不确切的想象，构成了展览的方法论内核。 她拒绝将展览锚定于田野调查或确切考据，而是将其定位为一种"想象力的重构"和"陌生人保持陌生的旅行"：刘韡剥离无关的现实，在百年立体坛城古建中搭建一座"若即若离的感知剧场"。 崔灿灿以"感知先于文本"为核心策展逻辑，解放固化的意义、松动认知的边界，使高原极致饱和的色彩、重塑感知的辽阔空间、直面天地的超然体验，转化为流动且充满张力的艺术表达——最终指向一种双重否定：既否定了再现风景的可能，也否定了再现历史的能力，揭示艺术的价值不在于给出答案，而在于让问题变得可见。

展览现场：酥油、牛奶与坛城之间

展览现场

展览在吉本岗艺术中心——这座始建于19世纪的百年立体坛城古建中展开，是刘韡的首次西藏个展。 刘韡以酥油、牛奶、蜡、石头、皮革、镀锌板等材料，在聚合与崩解之间生成一个不断流变的视觉场域；那些形态既似生长，也似沉积，既指向地质时间，也隐约回应高原文明关于循环、转化与空性的古老认知。 作品的分布如同丛生的城市、异质的身体、宇宙间星云与星际尘埃的共生——暗合着刘韡有关西藏的不同感受：布达拉宫白墙上神圣的材料观、大昭寺历史中不同风格的融合、辩经中不断拆解与重塑认知的过程，以及平均海拔4000米的高原上轮回的宇宙轨迹与无限星空。 展览邀请观众以"陌生人保持陌生地旅行"的初见状态，重新感知高原文明，在感官逼迫中进入"当下"，让过去、经验与困顿一并消失。