在当代陶艺不断突破传统媒介边界的今天，Yilin(Rebecca)Sun 的创作以一种鲜明而成熟的方式，重新打开了陶土、身体、记忆与文化流动之间的关系。她的作品并不止于“器物”或“雕塑”的范畴，而是通过裂痕、肌理、绳索、矿物般的表面与装置化的空间语言，将陶瓷转化为一种承载时间、迁移、修复与身份经验的当代表达。

　　2026年1月，Sun 在美国加州圣荷西 CPAA Art Center 举办个人展览《Entangled Roots & Floating Forms》。展览由陶艺家、研究者、国际陶艺学会 IAC 亚洲大使周光真策展，集中呈现了艺术家近年来在陶瓷、装置与材料研究中的重要探索。展览中，陶土不再是被动成型的媒介，而成为一种具有记忆、压力与生命痕迹的材料：裂开的表面、被连接的碎片、如根系般蔓延的形态，以及介于自然结构与身体感之间的雕塑语言，共同构成了她独特的艺术系统。

　　Sun 的艺术实践建立在扎实的专业训练和持续活跃的国际艺术经验之上。她先后毕业于纽约视觉艺术学院和罗德岛设计学院，并在纽约、罗德岛、北加州及中国北京等地持续展出。她的作品曾参与 RISD Ceramics MFA Biennial Exhibition、Trial By Fire、北京宋庄当代国际陶艺邀请展、The California Ceramic Invitational 等展览，并受到多家媒体关注。同时，她也活跃于 NCECA、ACGA 以及 UNESCO Memory of the World—Global Ceramic Heritage 等专业与文化项目之中，将个人创作延伸至陶瓷教育、文化遗产研究和国际交流的更广阔语境。

　　近期，Sun 还将担任《VESSEL: An Exhibition on Sustainability, Community, and Our Shared Future》的评审。该展览由 CP Mentorship 与 Art2 Foundation 主办，并在 Stanford University Carnegie Institution, Department of Global Ecology 呈现。展览围绕可持续发展、社区、文化交流与共同未来展开，并包含由乌干达儿童与硅谷本地高中生共同参与的公共壁画项目。这一角色也进一步显示出 Sun 在当代艺术领域中的专业判断力与公共影响力：她不仅作为艺术家持续创作，也正在通过评审、策展与社区项目参与到更广泛的艺术生态建设之中。

　　本次对话中，Yilin(Rebecca)Sun 将围绕她的个展《Entangled Roots & Floating Forms》、陶瓷材料中的裂痕与修复、跨文化经验、当代陶艺的扩展，以及她在可持续发展与公共艺术项目中的评审工作展开讨论。通过她的讲述，我们得以看到一位当代陶艺艺术家如何以材料为方法，以记忆为线索，在个人经验、文化历史与社会未来之间建立深刻而持续的连接。

　　Q&A 对话

　　雅昌艺术网&艺术家Yilin(Rebecca)Sun

《Entangled Roots & Floating Forms》个展现场

　　Q：《Entangled Roots & Floating Forms》个展于2026年1月在美国加州圣荷西 CPAA Art Center 举办。这个展览对你来说意味着什么?它在你目前的创作脉络中处于怎样的位置?

　　A：《Entangled Roots & Floating Forms》是我的首个个人展览，对我来说，它不仅是过去三年创作的一次总结与梳理，也是一次重新认识自己的机会。在真实的艺术创作过程中，艺术家常常面对的是如何将那些突然迸发的灵感一步步落实，并通过材料将它们转化为真实存在的作品。创作的当下往往是直觉性的，而举办个人展览则提供了一个回望的契机，让艺术家有机会重新思考：自己是谁，自己的灵感从何而来，以及这些看似独立的作品之间究竟存在着怎样的联系。我一直觉得，艺术家的灵感来源于自身的经历、性格以及与周遭世界的互动，而展览则像是对这些片段的一次整理与回应。透过策划和布展，我不仅重新认识了自己的作品，也更加理解了自己的创作脉络。我认为，这种通过展览重新审视自己的过程，是艺术实践中非常有趣，也十分珍贵的一部分。

　　Q：这次个展由陶艺家、研究者、IAC 国际陶艺学会亚洲大使周光真老师策展。与周老师的合作对你如何理解自己的作品和展览结构产生了怎样的影响?

　　A：每一次与周光真老师合作都让我受益匪浅。早期接触中，首先令我惊叹的是他作为陶艺家、研究者所具备的深厚学识与文字功底。他为展览撰写的策展人前言，精准地梳理了我的经历、作品与创作脉络，也让我从另一个角度重新理解自己的作品。在策展过程中，周老师以丰富的展览经验帮助我思考作品之间的关系，以及作品与空间之间的呼吸。他的指导让整个展览不只是单纯的作品陈列，而是形成了有节奏、有留白、也有内在联系的空间结构。我也非常敬佩周老师对年轻艺术家的支持。他始终以平等、开放的方式与艺术家交流，让我感受到陶艺社群中包容与合作的重要性。陶瓷是一个包含众多技法和文化传统的领域，很少有人能够独自掌握全部经验，因此艺术家之间的交流、互助与尊重格外珍贵。周老师以身作则地营造出温暖而平等的陶艺环境，这也是我作为年轻一代艺术家希望继续传承的精神。

《Entangled Roots & Floating Forms》个展开幕现场

　　Q：展览题目《Entangled Roots & Floating Forms》同时包含“扎根”和“漂浮”两种状态。你为什么选择这样一个题目?它如何回应你的个人经验和艺术方法?

　　A：《Entangled Roots & Floating Forms》这个题目来源于我对于植物形态以及自身生活经验的联想。作为一位在美国生活与创作的中国艺术家，我想我的创作始终离不开对身份与迁徙的思考。我常常觉得，许多海外华人的经历像漂浮的植物。随着求学、工作和生活不断移动，我们像浮萍一样漂浮在不同的环境之中，也在这个过程中不断寻找与周遭世界的联系。而植物的根系总是在生长、缠绕、延伸，它们记录着时间，也记录着生命曾经存在过的轨迹。“Entangled Roots”与“Floating Forms”便来自这样的意象。一个向下延展，一个随水流动;一个连接过去，一个拥抱未知。我并不想为它们赋予固定的答案，而更希望它们像我的作品一样，保留开放性，让观众能够从自身的经历中找到共鸣。

艺术家作品

　　Q：你将陶土视作承载记忆、生命与时间的载体，在你眼中，陶土这种材料最独特的魅力是什么?

　　A：在我眼中，陶土最独特的魅力在于它的叛逆与个性。刚开始接触这个材料时，我并不是一个特别幸运的学生。陶土在我手中似乎总有千万种开裂的理由，我只能在一次次失败中慢慢摸索它的脾气，也学习如何让它不开裂。经过长时间的练习，我终于能够控制它、理解它，但当作品真的不再开裂时，我却突然觉得，我们之间好像少了一种呼应，仿佛我手中那个调皮叛逆但每天通过开裂和我说悄悄话的孩子突然被按下了暂停键。那时我才意识到，自己真正喜欢的，并不是完全掌控陶土，而是它在无法被完全掌控时所展现出的生命力与个性。从那以后，我开始有意识地观察和记录陶土自然产生的裂痕，并将这些痕迹视为材料自己的语言，融入到作品之中。对我来说，创作并不是要求材料绝对服从艺术家的意志，而是在彼此的磨合与回应中，共同完成一件作品。这也是陶土最吸引我的地方——它永远保留着自己的性格，也总会带给我意想不到的惊喜。

　　Q：你在作品中经常保留裂痕、断裂、粗粝表面和手工痕迹。对你来说，“不完整”为什么是重要的?这种“断裂与修复”的意象表达是否也和你的跨文化生活、迁徙经历相关?

　　A：我始终认为，艺术作品并不是艺术家单方面创造出来的，而是艺术家与材料共同完成的。材料有自己的记忆、性格和生长方式，而创作的过程，就是彼此留下痕迹的过程。对我来说，陶瓷上的裂痕、断裂、粗粝的表面和手工留下的印记，并不是需要被掩盖的缺陷，而是材料最真实的呼吸与表达。我希望保留这些“不完整”，因为它们记录着时间、烧制、重力，以及创作过程中那些无法完全被控制的瞬间。在我的创作中，我一直关注各种力量之间的碰撞：材料的极限与艺术家的意志、精致的釉面与自然的粗粝、秩序与偶然，以及环境与个人之间的互动。这些张力让作品保持生命力，而不是成为一种被完全驯服的物件。如果说这种“断裂与修复”的意象与我的跨文化经历有所关联，我认为这种联系更多是潜移默化的。跨越不同文化和环境的生活经历，让我更加意识到，完整并非唯一的状态，变化、磨损、适应与重组同样构成了生命的一部分。正因如此，我更愿意接受材料和人生中的不确定性，并将这些真实的痕迹保留在作品之中。

艺术家作品

　　Q：你的作品中既有蓝白瓷、器物等与陶瓷传统相关的视觉元素，也有装置、绳索、身体感和生态感。你如何处理传统与当代之间的关系?

　　A：在我的创作中，我很喜欢将两种看似毫不相关的元素放在一起观察，总结它们的相同与不同。例如在《无岸之浮》(Buoy Line)中，坚硬的陶瓷被柔软的绳索串联起来，独立的器物也因此成为一个更大的装置。绳索既连接着每一个个体，也让作品能够随着不同的展览空间重新组合，每一次布展都像是一次新的创作。我希望传统陶瓷不只是作为一种历史符号被观看，而是在与装置、身体、自然和空间的互动中获得新的生命。对我来说，传统与当代并不是一种继承与突破的关系，而是彼此依存、相辅相成，共同构成作品完整的语言。

　　Q：你的展览经历横跨纽约、罗德岛、北加州以及中国北京宋庄等地，包括 RISD Ceramics MFA Biennial、Trial By Fire、北京宋庄当代国际陶艺邀请展、The California Ceramic Invitational 等。不同地域的展览经验如何拓展了你的实践?

　　A：我参与过艺术馆、画廊以及沙龙等不同类型的展览，但对我而言，比起地域本身，更珍贵的是与不同艺术家的交流与学习。每一次参展，我都会利用这个机会去观察与我同台展出的艺术家如何理解和诠释陶瓷这门媒介。同样是一块陶土，在不同文化背景、生活经验和创作观念的影响下，可以发展出截然不同的视觉语言和表达方式，这总是让我感到惊喜，也不断拓宽我对陶瓷可能性的想象。这些经历让我意识到，陶瓷既是一种历史悠久的材料，也是一种充满开放性的媒介。不同地域的展览经验并没有让我寻找某一种固定的风格，而是让我更加愿意保持好奇，在交流与碰撞中不断学习，并重新思考自己与材料、空间和观众之间的关系。

展览现场

　　Q：你不仅是艺术家，也活跃于 NCECA、ACGA 以及 UNESCO Memory of the World—Global Ceramic Heritage 等专业与文化项目中。这些经历如何影响你对陶艺的理解?

　　A：NCECA、ACGA 等专业组织以及 UNESCO Memory of the World—Global Ceramic Heritage 项目的经历，让我有机会接触到来自不同文化背景和职业阶段的陶艺家与研究者，也让我意识到陶艺不仅是一种艺术创作的媒介，更是一种承载历史、文化与集体记忆的语言。这些平台为不同领域的创作者提供了平等交流和相互学习的机会，而 UNESCO 项目更让我了解到，不同国家和地区对于陶瓷技法、文化传统以及艺术表达都有着丰富而独特的诠释。与这些和自己有着相似热爱，却拥有不同成长背景与创作经验的人交流，总能带给我新的思考与启发。这些经历也让我更加珍惜陶艺作为一种连接人与人、文化与文化的媒介。未来，我也希望继续积极参与行业项目与专业组织，在交流与合作中不断学习，也为陶艺社群贡献自己的力量。

　　Q：你担任 VESSEL: An Exhibition on Sustainability, Community, and Our Shared Future 的评审。这个展览将在 Stanford University Carnegie Institution, Department of Global Ecology 呈现。你如何理解这次评审工作的重要性?

　　A：这次 VESSEL 展览的评审对我而言是一次很特别的经历。我们收到的作品跨越了多样的媒介，从陶瓷、版画、油画到扎染、摄影等，也没有对艺术家的年龄和职业阶段设限。评审过程中，我们更关注作品本身的质量，以及艺术家如何通过自己的创作语言回应展览的主题。我认为，这次评审工作的重要性不仅在于挑选优秀的作品，更在于为不同背景、不同媒介的创作者提供一个平等交流的平台。展览举办地位于硅谷，这里汇聚了前沿科技与多元文化，也让我更加希望通过 VESSEL 呈现包容性、多样性，以及艺术面对共同议题时所展现出的无限可能。作为策展人与评审，我希望观众能够在展览中看到不同个体对于社区、环境与未来的思考，也相信艺术能够成为连接不同经验与文化背景的一种语言。

　　Q：这次VESSEL展览除了室内展览，还包括一个室外现场创作项目：乌干达的孩子们和硅谷本地高中生共同完成一件关于 sustainability 的壁画。你如何看待这种跨地域、跨年龄、跨文化的艺术合作?

　　A：这次的壁画项目由旧金山湾区非营利组织 CompassPoint Mentorship 和国际艺术非营利组织 Art2 Foundation 联合发起。整个作品以“双联壁画”(Diptych)的形式呈现，由乌干达的学生先完成一半，再由硅谷的学生在 VESSEL 艺术展现场共同完成另一半。在壁画筹备的过程中，来自两个不同国家、有着不同成长环境和文化背景的孩子们进行了长达数月的学习与交流，共同探讨可持续发展这一主题。对我来说，这件作品不仅仅是一次青少年对于艺术的诠释，更是一次跨越地域、文化与生活经验的合作实践。我一直认为，艺术最珍贵的地方之一，在于它能够创造人与人之间的连接。这幅壁画最终呈现的不仅是一件完整的作品，也记录了两个不同社区的孩子们如何通过交流、合作与共同创作建立理解与友谊。我想，这也正呼应了 VESSEL 所希望传递的理念——面对共同的未来，我们可以通过艺术分享故事、交换观点，并共同创造新的可能性。

展览现场

　　Q：从个展《Entangled Roots & Floating Forms》到担任VESSEL的评审，你的工作似乎一直在讨论“连接”：人与土地、材料与记忆、艺术与社区、地方与全球。你如何看待艺术家的社会角色?

　　A：对我来说，艺术家更像是一个观察者和连接者，通过创作去发现那些容易被忽略的人、故事、材料与情感，并让它们产生新的联系。回顾自己的创作和策展实践，从《Entangled Roots & Floating Forms》到 VESSEL，从陶瓷材料本身到社区合作项目，我发现自己始终对“连接”这个主题感兴趣：人与土地的连接，材料与记忆的连接，传统与当代的连接，以及不同文化和社区之间的连接。我相信，艺术未必能够直接改变世界，但它能够创造交流与理解的机会，让原本没有交集的人和故事相遇。当观众因为一件作品而产生共鸣、开始思考，或是愿意倾听彼此不同的经验时，艺术便已经发挥了它的社会价值。我也希望自己的创作和策展工作，能够持续成为这样的桥梁。

　　Q：你如何看待当代陶艺在今天的艺术系统中的位置?它是否已经超越了传统意义上的“工艺”分类?你认为当代陶艺该如何传承传统、面向年轻群体?

　　A：在我的职业道路中，我从未刻意将陶瓷划分为“工艺”或“当代艺术”。对我来说，陶瓷只是一个充满可能性的媒介。它既有烧制前细腻、可塑的触感，也有烧制后坚硬而持久的形态，这种特质本身就给予了创作者无限的表达空间。我也从不认为，专注于技艺的工匠和追求观念创新的艺术家之间存在高低之分。无论是为了掌握一门工艺而日复一日地反复打磨作品，还是不断突破材料与形式的边界，他们都值得尊敬，也共同推动着陶艺的发展。我的学习和创作经历也让我更加理解这一点。我曾在纽约感受概念艺术带来的开放与活力，也在罗德岛经历过工作室里日复一日专注于眼前作品的创作过程。这些经历让我意识到，艺术需要灵感与创造力，但扎实的基本功和长期的坚持，同样是找到个人视觉语言不可或缺的基础。我想，当代陶艺如何传承传统、面向年轻群体，或许并不是要刻意打破传统或摆脱“工艺”的标签，而是在尊重材料和技艺的基础上，鼓励更多人用自己的方式去理解、实践和表达，让陶瓷这门古老的媒介持续焕发新的生命力。

　　Q：接下来，你希望自己的创作和策展/评审工作继续推进哪些方向?

　　A：在创作上，我希望继续深入陶瓷这一媒介，探索材料本身的特性，以及它与自然、记忆和个人经验之间的关系。同时，我也希望尝试在更多的展览，空间以及公共参与的活动中，让作品能够与不同的环境和观众建立联系。

　　在策展和评审工作中，我希望能够继续支持来自不同背景和不同职业阶段的艺术家，为他们提供交流与展示的平台。我相信，艺术不仅是个人表达，也是一种连接人与人、地方与地方、文化与文化的方式。

　　无论是创作还是策展，我都希望保持开放和好奇，在不断学习与交流的过程中，探索艺术更多的可能性，也让更多不同的声音被看见。