2026年5月9日，“初心共染：宿利群、林春岩艺术文献展”在宋庄美术馆正式拉开帷幕。这场由杜曦云策展、宋庄美术馆主办的展览，汇集了两位艺术家从1980年代至今创作的油画、水墨、装置及文献手稿等150余件（组）作品，梳理了其艺术实践历程。

宿利群在北京圆明园 1982年秋

宿利群与林春岩，两位生于60年代初的北京发小，自幼在少年宫结缘，相识五十载。在展览现场，两位艺术家的作品形成了奇妙的互文与对话，共同勾勒出半个世纪的笔墨情谊。

宿利群 1989年在中国美术馆个展

作为从1980年代“新潮美术”现场走来的艺术实践者，宿利群的履历本身就是一部微缩的当代艺术转型史。他1981年考入中央工艺美术学院，师从祝大年、吴冠中、袁运甫、杜大恺等艺术大家。90年代，他曾深耕环境艺术领域，主持了中国保利博物馆、中国国家图书馆等大型公共空间的设计。2006年，他重归艺术创作，构建出独立的创作世界。

宿利群 《风车》布面油画 100cmx130cm 1991年

近年来，宿利群将视野聚焦于残损古瓷，发展出一套独具匠心的创作程序——从残器收藏，到修复，继而以水墨转写，最终以稠厚的油彩进行覆盖。在残器的纹理釉色与大面积的色彩涂抹之间，以“当下”覆盖“历史”，引导观者用文化意识来填补画面的缺失。他的作品始终游离于具象、抽象与意象的边界，画面中的瓷器纵然形态具象、描绘精湛，却往往被大面积颜料覆盖，在强烈的色彩冲击下传递出历史的厚重与斑驳；水墨画则以“色墨融合”的光色运用和“没骨”技法，营造出光色迷离、氤氲顿生的诗意梦境。

宿利群工作室2026年

宿利群 《覆盖2026-0.9》布面油画 85cm×85cm 2026年

在展览现场，宿利群介绍了这场跨越半个世纪的“双人展”策划初衷，回溯了两人“殊途同归”的人生际遇，也讲述了自己四十余年来的艺术蜕变。

（注：以下内容根据“初心共染：宿利群、林春岩艺术文献展”展览现场采访录音整理）

Q：这次展览是您与林春岩先生的双人展，请您先整体介绍一下展览的策划初衷与呈现脉络？展出的作品和文献大概跨越了怎样的时间维度？

宿利群：我和林春岩相识了50年，这次展览最重要的是梳理这50年来我们相互间的认识、了解，以及在艺术追求上的相互影响。

在策划之初，我们和宋庄美术馆馆长进行了交流，最终决定一楼以文献为主，二楼尽量展示最新的创作。

宿利群（左一）1981年在北京中央工艺美术学院与81级同学合影

1984年，就读于中央工艺美术学院的宿利群（右一）随吴冠中（左二）、乔十光（左一）老师考察大足石窟

宿利群1995-1996 在法国巴黎国际艺术城研修

一层展览现场

一楼11个展柜，展示了我们两个人不同时期的生活、艺术创作到整个人生的大致脉络。前期的黑白照片记录了我们80年代的学习和艺术活动，那时我们都很年轻，处于学习和探索的状态。到了90年代，林春岩去了澳大利亚，我大学毕业后留校任教，后来又去了欧洲。在1996年到2006年这十年间，我主要从事建筑室内设计和企业管理，展览中也有专门的柜子对此做了简单介绍。再往后，基本就是我们两人各自的艺术创作历程。

宿利群装置作品《径》 2026年

一楼除了文献，还有一个小展厅，展示了我的装置作品《径》。这件作品是用大漆修复古代陶瓷的方式呈现的。策展人杜曦云老师对此有很深刻的解析：地球是圆的，我们在任何一个点都看不到另一个点。我展示的彩陶来自4500年前，代表着中国传统文化的印记。彩陶以前的文明我们不知道，未来的事情我们同样未知。这件半圆形的装置，隐喻了我们对过去近5000年文明的探索，以及对未知的敬畏。这件作品虽然与曾景德镇陶溪川展出的装置作品《蚕》的内容上有相似之处，但杜曦云老师的策展赋予了这件作品更深的意义，反观了我们这块土地的文明。

这个展览其实在四年前就开始策划了，经历了四年的沉淀才最终实现。这四年间，我们的作品也发生了变化，今天大家看到的2026年的新作与四年前已有所不同。漫长的策展期对我们而言，反而成了一个极好的创作契机。

Q：这次展览从“文献”的角度切入，您觉得以这样的视角面向观众，有怎样的意义？

宿利群：首先是让观众了解我们两人是发小，是非常好的朋友。双人展和个人展的切入点完全不同：个人展可以从出生讲到当下；双人展就需要从我们的相识讲起，讲述我们对艺术的追求是如何“殊途同归”的。

我们走的是完全不同的人生道路。很多人认为我的路很顺畅，大学毕业留校当老师，然后进入社会、进入企业做设计和管理。但这只是“表面”的顺畅。相比之下，林春岩的人生路更坎坷。当年他没能上大学，后来他去了澳大利亚补充学业，回国后一直进行纯粹的艺术创作。

他和我形成了鲜明的对比。我觉得这能给认真看展的年轻人一些启发。每个人的人生轨迹是不一样的，但只要目标一致，按照自己努力的方向前行，就有实现的可能。

Q：跨越半个世纪的艺术之旅，在您的艺术风格之路上，哪些是不断变化的，哪些又是坚持不变的？

宿利群：一楼展厅我们用巨幅黑白照片还原了当年圆明园的场景。那时我们向印象派学习，随着学识的增长，我们知道了“山外有山”，接触到了西方当代艺术不同的理念和更高的追求，艺术不单纯是“美”，它还有思想和文明层面的深度。

艺术家宿利群与杜曦云

从印象派的学习，到如今以抽象形式进行创作，这个心路历程是非常艰难且痛苦的，它需要一种“蜕变”。我们经历了从写实到抽象，从抽象回到写实，再进入中国水墨，接着尝试装置艺术，最后又回到抽象绘画的过程。中间我还做了大量的建筑和室内设计工作，这些社会实践其实都是对我艺术创作的补充和滋养。

Q：如果让您来划分自己的艺术历程，大概可以分为哪几个阶段？

宿利群：80年代，是基础学习的过程。90年代，我留校做了9年系秘书，这期间我仍在坚持创作，这是一个对当代艺术的探索期。1996年到2016年，我处于一种交织的混合状态，既进行创作，也做设计和企业管理。我尽可能地把在社会中看到、学到的东西运用到创作中。

2016年“寻真——宿利群绘画艺术展”

2016年我在今日美术馆办过一次展览，现在回头看，那时的作品还不成熟，甚至有些幼稚，但我并不害怕把这种幼稚展示给观众，因为这是必经之路。从2016年至今的这十年。我的创作慢慢走向了自我的状态，形成了自己对艺术的理解，也逐渐被同行和批评家所接受。当然，路还很远，艺术永远在于探索。

Q：在您整个艺术历程中，如果让您挑选一两件最重要的转折性代表作，您会选哪几件？

《无题 .89号》 布面油画 130cm×200cm 1989年

宿利群：第一件是1989年参加“中国现代艺术展”的作品《1989》。画面左边是鲜红，右边是暗红，上面写着“1989”，尺幅是2米乘1.3米。当时工资很低，连画布都买不起，我是用床单画的。

宿利群《覆盖》 2026/0.24布面油画180cm×220cm2026年

第二件是2026年的新作《覆盖2026/0.24》。这幅画恰恰说明了我现在的状态，所有的兴奋和幸福感都在创作的过程中，结果反而是次要的。

Q：在2026年的新作品中，您的创作与以前相比发生了哪些大的变化？

宿利群：我觉得更自由了，没有任何所谓艺术的约束。同时，这次的新作大量使用了蓝色。十年前我非常喜欢绿色，但到了今年我突然对蓝色产生了兴趣。我觉得这和年龄无关，而是我现在的大脑、眼睛和思维，对蓝色有了更深层次的理解。

宿利群《覆盖 》2026/0.27布面油画 200cm×400cm 2026年

展览现场

Q：我们也注意到，您近期作品中与瓷器结合的元素似乎减少了，原因是什么？

宿利群：用瓷器进行创作是我的一个艺术语言，但我觉得这种语言不能成为束缚，一定要突破。我永远要求自己突破自己，否则就会被困在自己挖的井里，变成井底之蛙。

展览现场

Q：在当下这个AI高速发展的时代，您如何看待艺术在生命中的意义？

宿利群：艺术是非常重要的，是人类不可或缺的。现在AI非常发达，已经渗透到生活和工作的方方面面，但AI的存在永远离不开艺术。因为艺术的本质是“创作”。如果没有艺术的创作，AI不可能成立。科学家也都是在某种“创作”状态中形成最新理念的。虽然我们从事的是艺术不是科学，但艺术创作产生的新形式、新思想，对科学家和其他学科都有着一定的启发作用。

艺术，永远在赋予人类大脑创作的力量。

Q：谢谢！

​宿利群，1961年生于北京，1981年就读于中央工艺美术学院（现清华大学美术学院）特种工艺美术系壁画专业，1985年留校任教，曾任中央工艺美术学院装饰艺术系秘书，现为清华大学清华工美高级工程师，1995—1996年在法国巴黎艺术城研修，现居北京，从事艺术设计和绘画创作。