7月5日上午，“2026年造型艺术与科技媒介国际教育研讨会”在广州美术学院昌岗校区举办。本次研讨会汇聚了法国、意大利、日本、奥地利、德国及国内多所知名艺术院校的院长、教授、国际策展人与前沿实验艺术家，围绕“当代艺术教育与科技”“艺术策展与科技”“艺术视野与生态共域”“媒介材料与数字艺术”四大议题层层深入，以此展开对话。

研讨会设主旨演讲、圆桌论坛等环节，二十余位专家学者从多维角度切入，系统比较不同文化背景与教育体系下科技媒介融入造型艺术教学的理念、方法与实操路径。这场跨国界、跨学科、跨媒介的高端学术对话平台，为新时代造型艺术教育改革提供国际视野与实践参照。

造型艺术教育变革是一个全球课题

广州美术学院院长范勃教授在发言中表述发起此次研讨会的初衷。

数字化、智能化浪潮正在全面改写造型艺术的创作媒介、展览形态与美育体系，传统绘画、雕塑等造型学科，正迎来传统本体与数字技术碰撞融合的关键转型期。尤其是，生成式人工智能迭代的速度和能力，超出了许多人的预期。它能在几秒内生成高度成熟的图像，自如驾驭古今艺术风格，轻松抵达过去需要长期磨砺才能企及的高度。凡是可以传授、量化、反复演练的创作能力，都正在失去它的稀缺性。过去一个多世纪，造型艺术教育大体就是围绕这一点建立起来的；一旦它能被机器轻易复制，艺术教育的根基也随之动摇。

“科技媒介给造型艺术教育带来的变革，已经不是某一所学校、某一个国家的局部课题，而是我们必须共同面对的时代处境。当人工智能深度介入创作，我们究竟应该教什么？”

作为国内艺术数字化教学改革的关键推动者，范勃教授从具身感知、审美判断、价值立场三个维度阐释了人工智能时代艺术教育的核心命题。范勃表示，历史上每一次重大技术变革，都曾引发“艺术将死”的忧虑；而艺术总是在技术的压力下，回到更深的人性根基。今天，生成式人工智能再一次把我们推回原点：艺术从来不是技艺的展示，而是人认识自身、感知世界、确立立场的方式。具身感知、审美判断、价值立场，三者互为依存：感知为判断铺就底色，判断为立场提供依据，立场赋予感知以方向和意义。它们共同构成造型艺术教育在人工智能时代不可让渡的内核。

来自全球的学院经验

范勃提出的“三个根本”引发了与会者的持续共鸣。在聚焦艺术院校的转型路径与创新实践的议题“当代艺术教育与科技”中，来自全球的三所美术院校带来了不同的经验分享。

法国阿维尼翁高等艺术学院院长伯努瓦・布鲁瓦萨特教授从数字符号生成逻辑切入剖析了人工智能时代视觉创作底层语言的变化。作为知名艺术家、艺术理论家，他的创作覆盖绘画、影像、数字动画、装置等领域，长期深耕数字图像、生成 AI与视觉符号研究。

他指出，数字技术对艺术创作而言存在一种悖论：一方面，数字可以使艺术更加直观、更加形象，许多艺术家积极响应新技术，使用数字技术进行新形式的创造；另一方面，也有保守者强烈反对数字化的逻辑与建构本身，因为数字化本质上是二元制的，对于艺术创造而言，这种二元逻辑是不可接受的。面对这一悖论，布鲁瓦萨特提出，我们不仅不能够完全地沉浸在这种新技术的信息当中，而是要退一步对它进行反思。无论是在现实世界、艺术角度，还是政治层面，都需要审慎地使用数字形式。

日本横滨美术大学校长加藤·良次主导了横滨美大数字化课程整体改革，带来了日本艺术教育数字化转型的完整样本。在日本相关政策的推动下，信息教育已经实现了必修化，并构建了从小学到大学的贯通式信息教育体系：自2020年起，日本将信息教育纳入中小学必修课程；作为横滨美术大学母体的常磐松学院，从2024年开设信息专业前身，2025年导入数字表现课程，2026年在视觉设计学院正式成立信息设计专业。其课程实现了Photoshop、Illustrator、Figma等工具的全面覆盖，学生甚至可利用AI工具在4小时内完成企业设计提案，并已获得真实订单。

“信息设计是可以产生这个世界上不存在的一些服务的，可以改变我们的生活。”加藤·良次强调，“通过使用想象力，我们希望培养能够引领社会、推动文化发展的创造性实践者。”

中国美术学院跨媒体艺术学院是中国最早系统开展新媒体艺术教育的机构，其发展可追溯至1980年代中后期年轻艺术家对媒介、媒体的早期关注，并于2010年成立跨媒体艺术学院。中国美术学院跨媒体艺术学院学术委员会主任管怀宾教授介绍，学院一直强调“促进媒体技术开发，推动当代艺术实验，从媒体中发掘创意，从技术中彰显人文”，将发展愿景描述为“一个行进中的艺术计划”“一个知识实验室”“没有围墙的学院”以及“没有学院派的学院，以“思想为先、实验为重、课题为引、创作为本”为建设思路，致力于培养掌握媒介技术、具有实验精神和深厚美术基础的创新型人才。

管怀宾还介绍了该学院近年来推出的多个品牌活动并表示，面对技术迭代快于思想更新的现实，学院始终主张“重启思想能源”，在动态、行动、多径交叉的路径中探索艺术教育的未来可能。

被数字技术重塑的展览叙事

议题二“艺术策展与科技”聚焦数字技术重塑展览叙事、沉浸式展陈、线上策展生态，来自国内外的四位策展人分享了各自的经验，从本土实践、国际前沿、行业变革多角度展开探讨。

“对于新技术，学界有过很多的讨论，涉及到身份、伦理、阶级、东西方关系、生命界限等众多问题。有的持积极的态度，有的则比较消息。但不管怎样，如何与科技及机器共处，的确是排在我们面前的重要议题。”

广州美术学院艺术与人文学院院长胡斌以观察者视角聚焦数字技术与人工智能语境下的中国青年艺术发展现状。他指出，当下数字技术已彻底打破计算机艺术与纯艺术的边界，图灵的技术领域与杜尚的纯艺术领域深度融合，网络数字媒体成为青年艺术家的原生生存环境，新技术创作成为自然趋势，直面技术变革已是必然选择。从2008年以来国内新媒介艺术发展的脉络来看，以第十四届全国美展首次将数字艺术纳入展出为标志，新媒介艺术已从早期实验走向主流视野，涵盖互动媒介、数字艺术、AI 创作等多元形态。同时，传统国画、油画、版画、雕塑等媒介也主动回应时代。胡斌提出，随着新技术发展，许多作品可以由人工智能或电脑来创作，艺术创作的主体性问题需要重点关注。胡斌援引了多位艺术家和批评家对于相关问题的思考。大家普遍认为，不能把科技与传统、科技与思想割裂起来，技术只是艺术表达的手段，要用技术去继承传统、表达思想。在数字与 AI 时代，坚守人类精神内核、情感体验与思想深度，方能在技术浪潮中守住艺术的本质。

意大利卡拉拉美术学院法比奥·卡瓦卢奇教授曾历任多家欧洲当代艺术中心负责人，推动场馆数字化革新。他回溯现代策展起源，为数字时代艺术展览革新提供路径。法比奥・卡瓦卢奇指出，现代展览体系起源于拿破仑时代，策展人如同 “知识制图师”，以自上而下的方式遴选作品、设定动线、构建权威叙事，观众仅为被动接收者。这一模式延续至今，早期数字展览亦多照搬实体展厅逻辑，疫情期间大量虚拟空间更因体验乏味、缺乏互动而陷入平庸。他强调，数字环境从根本上改变观众行为，用户不再满足被动观看，转而追求参与、决策与自主探索，社交媒体普及更让 “人人皆可策展”，但也带来内容碎片化、价值逻辑缺失等问题。

“在拿破仑时代的美术馆策展人的职责是为亚历山大图书馆馆藏建立秩序，而未来美术馆的策展人的使命是引导我们穿行在不断扩容的信息海洋之中，在大众共建的海量内容中找到独属于自己的路径。”他认为，数字策展的核心绝非照搬、复刻线下实体展厅，核心挑战是探索全新路径，带领人们穿梭于如同当代《巴别塔图书馆》般海量的数据与知识海洋。这套新型数字策展模式还能反哺实体美术馆，推动场馆开放协作，实现与观众协同共创。

“我认为数字艺术尤其是区块链艺术的时间线和空间线与我们熟悉的物理时空是相互独立、自成体系，它以时间戳为它的根本逻辑和时空锚点，形成了自有秩序和时空观，这样的时空观与我们具身感受所接触的真实世界是一个平行宇宙。”

顾振清以“从中国出发的国际策展人”身份，回顾了过去15年游走80个国家、覆盖五大洲的策展实践。他深入分析了区块链艺术、AI艺术与加密艺术对传统艺术体系的颠覆性冲击。他在疫情期间进一步转向数字领域，探索区块链、元宇宙、AI 技术带来的艺术变革，通过泰勒・霍布斯、刘嘉颖、达敏・赫斯特等大量国内外数字艺术、加密艺术案例，剖析技术对艺术创作、版权、传播、边界的重构，并阐述艺术对数字产业的引领作用，最终提出去中心化是当代艺术突破旧体制、应对科技挑战的核心路径。

被连接和构建的生态共域

“艺术视野与生态共域”单元将讨论拉回学院教学现场，从数字虚拟透视、工业遗产数字化生态重塑、国际共域教学三个维度，探讨科技媒介连接艺术、自然、在地文化的创新实践，为艺术如何借助科技媒介连接不同领域、构建全新的生态共域，带来了很多新鲜的思考角度。

广州美术学院特聘教授、国家级人才项目入选者克劳德·洛蒂埃近年主攻VR虚拟空间透视、元宇宙视觉逻辑研究。他以身体感知、视觉实证为基础，批驳了“透视是幻象” 的传统论断，认为视觉可同时感知空间纵深与画面平面，透视不会抹除自身载体。他认为，透视无意识形态、无情绪、中立普适，是纯粹的几何抽象体系，适配所有场景与观测者，属于视觉层面的 “生态感知”，而且并未过时，在数字时代仍具生命力。因此，透视教学应立足身体感知、空间移动、实物实验，让学生直观理解透视原理。

华中师范大学美术学院院长郑达长期深耕智能媒介、算法视觉、人机交互创作，持续探索科技语言与生态美学融合路径。郑达以一件双智能体互相观看、学习的装置作品为例，展示了AI技术发展带来的艺术创作的主题转型，即艺术家退出核心控制，转向搭建机制、协调人机关系、解读智能体行为。郑达表示，若只是将传统空间、材料类造型艺术直接移植到 VR、影像载体中，仅属于媒介形式的简单延伸，并未依托新媒介生长出独属于它的美学体系。因此他和他的工作团队围绕智能体行为美学开展系统性创作，并梳理配套创作方法论，主要包含两大方向：一是创作主体身份的转变，二是跨学科艺术创作范式的革新。

郑达还分享了正在进行中的论文《智能体导向的自主性艺术的创作实践研究》写作。他提出，技术虽带来 “上帝视角”，但艺术需回归身体具身性与感知经验。目前已有的智能体能够满足一定的创作需要，但是也存在某些问题如欠缺体系化认知、无法深度理解技术逻辑。如在创作环节，AI 仅凭借用户输入的简略想法便可丰富内容，但创作过程完全黑箱化，作品内核可能会脱离创作者初衷。他明确：AI 是创作加速器，而非答案，生成结果需经艺术家验证、理解与复现。

法国阿维尼翁高等艺术学院希里尔·贾顿教授主攻数字工具修复工业遗产、重塑生态艺术空间，多次落地中法在地艺术改造项目。他分享，在工作坊中，为表现气候变化问题，贾顿会指导学生跳出传统绘画模式：一方面依托气候数据作画，并利用热致变色颜料直观表现全球变暖；另一方面运用热成像技术搭配太极式缓慢的身体行为，可视化人体与环境之间的能量传递。在针对废弃煤矿遗址的在地化改造中，团队则会充分发挥AI的工具优势，不仅比人工测算规划方案省时省力，还能快速分析场地数据，高效完成气候变化应对方案设计。

在贾顿看来，互联网、AI 与热成像技术的发展逻辑是一致的：伴随技术持续演进，艺术创作也随之革新；技术工具的用途并非固定不变，艺术家可以跳出它原本的应用场景进行重新利用。他对技术的理解是，发掘全新的技术表达形式，将科技与大自然相融，让技术充当艺术创作的媒介，并希望依托技术打通不同维度之间的联系。

广州美术学院绘画艺术学院副院长、油画系主任刘可教授长期统筹中法、中日、中意国际教学工作坊，搭建多国美术院校互通教学体系，推动传统绘画与海外数字实验课程融合。他以《国际共域的教学路径》为题介绍了广州美术学院油画系面向当代艺术教育所构建的教学机制。该教学体系主要由课程结构、实验室支撑和分布式艺术空间三部分组成，其中，课程包括观念认知、专业核心、前沿技术和交叉实践四个板块，分别强调终身学习、长期创作事业、技术的即时应用以及真实项目体验。实验室则围绕持续性课题开展研究，推动教学、创作与技术协同。与此同时，油画系通过腾挪空间、盒子美术馆等多种社会空间，将展览、驻留、工作坊和国际合作纳入教学。

刘可认为，数字技术、生物艺术和通信技术不仅改变了艺术生产方式，也催生了新的社群结构，因此艺术教育不能停留于传统传承或单纯追求创新，而应转向“艺术机制生产”，让教师、学生和艺术家共同成为艺术生态的参与者与生产者。

对艺术本体语言的追问

在议题四“媒介材料与数字艺术”中，拥有创作者和教育者双重身份的发言嘉宾回到了对艺术本体语言的追问，围绕传统绘画材料、复合媒介、AI算法艺术展开分享。

湖北美术学院实验艺术学院院长唐骁用了一个比喻来描述当下造型艺术教育的处境：“如同一片看似平静，实际暗流涌动的大海，我们既是船夫，也是引航员，没有矛盾就没有世界，但这些矛盾不是我们要消除的障碍，而是造型艺术在科技媒介时代获得新生命的源泉。科技媒介不仅改变了艺术创作的工具，更对艺术教育的理念、体系和人才培养模式提出了全新的要求。”

他在发言中以今年初在顺德盒子美术馆举办的个展“没有矛盾就没有世界”为线索，展示了一个艺术实践者如何在创作中回应科技媒介的冲击，以及作为一名美术教师，如何将这些思考转化为教学改革的具体路径。唐骁多年深耕抽象绘画与跨媒介实验创作，持续思考传统造型语言和数字媒介二者对立又共生的内在关联。他表示，艺术史和科技史表明，绘画的演进不仅是美学运动，更是科学发现、技术发展和日常实践共同催生的结果。这个认知对于今天的艺术教学至关重要。科技与艺术的融合就是艺术发展的内在动力，我们今天做的只是在新的技术条件下延续这个传统。

乌克兰先锋艺术家、湖北美院客座教授奥列克西·科瓦尔以“预测误差”为核心，讨论人类如何观看以及绘画为何具有不可替代的价值。他还以彼埃·蒙德里安与卡西米尔·马列维奇这两位同时代且都改变了人类视觉方式的艺术家作为，精准阐释了绘画与图像之间的本质区别：图像的功能在于叙事、再现、宣传；而绘画的本质则在于媒介自身的生成性，主题不是被预设后执行，而是在材料、动作、颜色和时间的过程中不断被发现。

他还提出，节奏训练能够建立一种新的感知模型，使观看者首先关注运动、间隔、比例和材料，而非迅速进入叙事解释。由此，绘画的意义正在于保持预测误差、抵抗认知惯性，并让人重新获得直接而真实的观看能力。

旅居日本的艺术家、独立策展人的王晓鸣教授持续探索传统绘画介质和数字扫描、影像转译相结合的创作路径，在复合媒介领域积累了大量实践成果。2019年，王晓鸣在武汉合美术馆驻留期间，首次与科技团队合作将平面绘画转化为VR作品，作品《邂逅肖邦》诞生。作品借助虚拟现实、音乐、笔触与色彩构建沉浸式空间，使观众由被动观看者转变为主动参与者，体现了科技发展对审美结构和艺术体验方式的改变。

她认为，材料研究能够丰富绘画的质感与表达，而科技则为传统绘画打开新的空间。艺术家不应排斥新技术，而应寻找绘画、音乐与科技之间的协调关系，实现真正的“一拍即合”。

奥地利维也纳应用艺术大学媒体工作室主任卢修斯·伯恩哈德教授是全球AI网络艺术先行者，是教学理念“实验室即艺术基础设施”的提出者。在讨论技术变革背景下艺术教育的结构性转型时，他指出，绘画与雕塑本身并未受到威胁，但其生产环境已由平台、协议、算法、硬件、能源和机构等共同塑造。艺术学院不能只教授作品的表层形式，还应帮助学生理解连接技术、制度与资源的“编排层”，并将学校视为可被主动设计和治理的艺术系统。

面对人工智能带来的加速，他进一步提出“平行学校”模式，通过软件智能体、物理实验室、出版、展览和协作网络形成可扩展的教学单元，“核心并非单纯提高效率，而是探索艺术与技术如何共生、由谁设定规则，以及哪些技术应用可以被选择、质疑或拒绝”。

从并置共生到破壁重构

本次研讨会还设有上、下两场圆桌对谈，分别以《并置与共生：科技媒介时代的造型艺术教育》和《破壁与重构：科技媒介如何重塑造型艺术教育生态？》为主题，从并置、共生到重塑，议题设计本身揭示艺术教育在数字时代面临的挑战与迎来的机遇。

首场圆桌论坛由刘可教授主持，围绕艺术教育、设计教育与产业实践的关系展开讨论。东莞理工学院国际设计学院负责人许燕转结合东莞制造业基础提出两个问题：在数字技术与跨媒体语境下，艺术教育如何与设计教育、城市空间及产业链发生联动；面对人才培养，学生应具备哪些更具本质性的核心能力？在回应中，管怀宾指出，艺术教育与设计教育从文艺复兴时期起便相互交织，当代教育的关键是把碎片化知识重新组织为有效体系。涂渊介绍了广州美术学院“大通识教学改革”，提出艺术教育应在快速变化的科技时代重塑学生的创造力、判断力与价值观。他认为，现代大学在提高知识生产效率的同时，也造成了学科割裂，因此艺术教育需要走向“无墙学院”，回应万人规模美院如何开展个性化、整体性培养的问题。

收官圆桌论坛以《破壁与重构：科技媒介如何重塑造型艺术教育生态？》为主题。作为主持人，新美术馆学研究中心助理研究员冀然指出，嘉宾们的发言虽视角各异，却共同体现出跨学科与跨文化的鲜明特征。他进一步提醒，人工智能看似拓宽了知识获取的渠道，实则可能因英语语料与主流学术体系的主导地位，反而加剧不同文化、语种与概念之间的不平等。学生若缺乏足够的专业判断力，极易将经英语体系转译和筛选后的知识误认为唯一权威。东莞理工学院国际设计学院副院长张艳红从媒介与信息科学及纪录片实践出发，提出两个问题：其一，人工智能介入创作后，艺术家可能产生主体性被削弱的羞耻感、焦虑感和追赶压力，这些社会心理如何影响艺术发展？其二，在“超级艺术家”“人人都是艺术家”与AI赋能之间，谁拥有定义艺术、创作价值和表达方式的权力？圆桌由此将讨论引向技术、主体性、知识权力与艺术教育重构之间的关系。

从“并置与共生”推进到“破壁与重构”，两场论坛在多个方面形成共识：技术变革不可回避，但技术不能取代人的具身感知、审美判断和价值立场；艺术教育不能停留于软件操作和工具培训，而要帮助学生理解技术背后的平台、数据、制度、文化与权力结构；传统的艺术、设计、科学和人文学科边界正在弱化，未来人才需要形成跨学科知识结构和综合判断能力；真实项目、产业现场、美术馆、实验室和社会空间应成为教学的重要组成部分，使学生在解决真实问题中生成知识；AI生成内容不是最终答案，而是需要验证、编辑和重新判断的材料。学生既要会使用AI，也要能够拒绝、质疑和修正AI；未来艺术教育的改革不仅是课程更新，更是教学环境、组织方式、实验机制和教育治理的系统重构。

“经过一天的研讨，我们听到了来自国际国内学者专家的声音，使我们更加确信：科技媒介对造型艺术及艺术教育的重塑不是简单的工具升级，而是认识论层面的重构。”广州美术学院绘画艺术学院院长郭祖昌教授在大会闭幕致辞中表示。

这些严肃而深入的探讨，既有对人工智能冲击下传统造型学科核心价值的坚守与重申，也有对数字技术介入艺术创作、策展、教学全链条的创新路径分享，更有对艺术与生态、科技与人文关系的深层叩问。这些都是对探讨会初衷的回应：如何在全球化数字语境中建构具有中国美学精神与当代话语的美术体系？如何避免在算法中心化中失去真正的多样性？又如何在人机协同中捍卫人的审美判断与能力责任？

正因为外部变化愈加激烈、剧烈，内在的坚守才愈加珍贵。郭祖昌表示，作为主办方，他们希望通过汇聚国际艺术教育前沿力量，研判科技发展下造型艺术教育的改革趋势，通过国际经验比较与学术研讨，厘清科技媒介融入造型艺术教育的核心逻辑与实践路径，构建面向未来的当代艺术教育体系，促进艺术与科技的共生共荣。