2026年7月21日，由中国美术馆主办的“全国中青年创新艺术展”正式与观众见面。本次展览秉持“守正创新”的原则，旨在激发中青年美术家的创新创造活力，发现和扶持一批具有时代精神、锐意探索的优秀艺术人才。

　　本次展览是中国美术馆推出的首届聚焦中青年美术创新发展的全国性专题大展，国家馆搭平台，青年人唱主角，高扬守正创新的旗帜，从展览主题和筹备形式上都鲜明地突出了青春力量和艺术创新两个学术关键。中华文明绵延数千年，积淀出独树一帜的东方视觉体系，这是一切艺术探索不可动摇的文化根基，展览旨在深度挖掘传统美学背后的精神逻辑与生命哲思，展现当代中青年创作者可贵的特质：不被固有范式束缚，以个体生命体验对接民族文化根魂，用新的视觉逻辑完成文化精神的当代转译，让沉淀千年的审美智慧走出古籍古卷，融入当下大众的审美视野，构建跨越古今的精神对话。

展览现场

　　走进中国美术馆一层第1、8、9号展厅及三层第13至17号展厅，150余件作品涵盖绘画、雕塑、装置、摄影、新媒体艺术、综合材料等多种艺术形态。展览以“传统与转译”“跨界与融合”“观念与主题”“语言与材料”四个篇章展开。既体现了艺术家富有个性的创作思考，也从不同侧面折射出新时代的精神气象，集中呈现中青年艺术家立足中华优秀传统文化、回应时代要求、推动艺术创新的丰硕成果。

　　中华文明绵延数千年，积淀出独树一帜的东方视觉体系，这是一切艺术探索不可动摇的文化根基。本次展览秉持“守正创新”的原则，旨在激发中青年美术家的创新创造活力，发现和扶持一批具有时代精神、锐意探索的优秀艺术人才。展期将持续至8月11日。

　　开幕式上，中国美术馆馆长潘义奎在致辞中表示，展览筹备过程中牢牢把握正确导向的根本立场，创新办展形式，以中青年策展团队的形式同心协力筹办展览。同时，面向全国美术界中青年群体进行广泛征集、全面动员，累计征集各类美术作品2600余件。展览建立了多层级、高标准的学术评审机制，组织专家经过4轮评审，坚持思想标准、艺术标准双把关，最终精选150余件兼具思想深度、艺术水准与创新价值的代表性作品。

　　潘义奎馆长指出，这是中国美术馆在“十五五”开局之年推出的全新展览品牌，也是首届聚焦中青年创新发展的全国性专题大展。“国家馆搭平台，青年人唱主角”，从展览主题和筹备形式上都鲜明地突出了青春力量和艺术创新两个学术关键。这些展出作品突出体现了中华优秀传统文化的创造性转化、创新性发展，彰显中国风格、中国样式;突出体现了新时代艺术创作与人民生活、伟大时代的紧密联系。未来中国美术馆将持续完善年度办展机制，全力打造中国美术创新发展的新风范、新样式，搭建全国层面的中青年美术成果展示、学术交流、人才扶持和培养平台。他寄语广大中青年艺术家继续保持艺术创新精神的锐气，在守正与突破之间找到自己的路径。

　　中国国家画院院长刘万鸣在开幕式致辞中表示，在中国美术发展的历程中，每一代中青年艺术家都以画为媒，启民智、振心声，把个人创作汇入时代的浪潮。今天的中青年艺术家作为最具创新意识和创作活力的艺术群体，以时代性的艺术视角和创新实践描绘出时代的答卷。本次展览是一次成果的检阅，更是一场跨地域、跨门类的学术对话。参展作品呈现出研究传统背后的精神、提取独属于民族价值追求与审美逻辑的创作路径，以集合当下社会认知、大众审美的方式完成了当代艺术的转化，让古老文明在当代视觉场域焕发生机。中国国家画院期待与中国美术馆加强深度学术合作，共同推动传统文脉的当代转化。

　　中央美术学院院长林茂在开幕式致辞中谈到，身处技术迭代、文明交融的当下，艺术早已打破门类壁垒。数字技术、手工技艺、多元媒体不再是简单叠加的装饰手段，而是重构叙事逻辑、拓宽感知位置的底层支撑。青年创作者要敢于打破单一画种的边界，以跨媒介思维构建全新的视觉场域，在多元载体的碰撞中探索兼容并蓄的创作路径，为中国当代艺术开辟丰富多元的表达维度。“以大爱之心育莘莘学子，以大美之艺绘传世之作”是中国美术馆和中央美院共同推进馆校合作的共同方向。他期待以此展为契机，引导青年创作者走出坚守中国精神、时代品格、个人风貌的创作之路。

　　中国美术家协会秘书长王平在开幕式致辞中表示，中青年美术群体是美术事业发展的中坚力量，是承接百年美术现代化探索、开辟未来视觉途径的核心生力军。本次展览集中呈现当下美术创新的实践成果，是中国美术馆立足行业引领职能、推动美术代际传承、激活创作内生动力的重要举措，也是中国美协可以与中国美术馆共同合作、共同发力的重要方向。参展作品以稳固的本土文化主体性为根基，融合数字技术、传统手工、多元造型门类的表达优势，呈现出中青年创作者主动打破画种壁垒、在兼容并蓄的实践中塑造当代美术多元共生生态的锐气。中国美术家协会历来重视中青年美术人才的培养，期待与中国美术馆进一步深化合作，共同为中青年艺术家搭建更广阔的发展平台。

　　策展人代表王萌在开幕式致辞中讲到，本次展览是美术馆在潘义奎馆长推动下优化策展机制的又一重磅成果，由22位馆内中青年策展人组成的团队共同策划实施。展览分为传统转译、跨界融合、观念主题、语言材料四个学术单元，通过策展人提名、全国广泛征集、馆藏精选三个环节的多轮评选，最终呈现155件精彩作品。他代表全体策展人向馆领导班子、美术界前辈和社会各界领导朋友致以诚挚敬意，并表示希望通过开放、多元的学术视角，呈现当代中青年艺术家的创新探索，“让每一份独特的艺术思考，每一次大胆的创作尝试都能被看见、被尊重、被赋能”。

　　由靳尚谊先生宣布展览开幕，冯远、潘鲁生、张立辰、孙景波、姜宝林、王镛等德高望重的老艺术家出席了开幕式，与新一代创作者共同见证了这一时刻。

　　开幕式上由靳尚谊先生、冯远先生、潘鲁生先生、潘义奎馆长、刘万鸣院长、林茂院长为本次展览的策展人于海元、王将、王萌、尤洋、尹思文、孙亮、杨蕾、李浩然、李暨涵、张贺、陈真、邵菁菁、邵晓峰、柳淳风、高扬、徐梦可、董雪、魏祥奇颁发了《中国美术馆策展人证书》。

　　传统与转译

　　当中国深厚的千年文脉与当代目光遭遇，必然产生在地性的重构。第一篇章“传统与转译”聚焦传统文脉的当代活化，打破古今艺术的时空壁垒，侧重于古典美学意境、传统艺术形制、民族文化符号等方面的当代重构。

　　步入展厅，于瑜的综合材料作品《作为生命的绢——破茧》引人驻足。这件以绢本设色、手工抽丝与镜面亚克力结合的作品，将传统绢帛从“绘画基底”还原为“生命载体”——抽丝的过程既是材料的解构，也是文化基因的重新编码。艺术家大胆跳出固有创作模式，以当代审美视角重塑传统美学形态，让沉淀千年的文化底蕴转化为适配当代审美、契合时代精神的艺术表达。

　　展厅另一侧，邬建安的《崛起》以305×410cm的巨大尺幅引人注目。艺术家将背绢宣纸、彩墨、丙烯与剪纸、刻纸拼贴融为一体，以剪纸这一最民间的传统技艺，搭建起一座通往当代精神场域的桥梁。传统在这里不是被供奉的遗产，而是可以被重新激活的语言。曾志钦的绢本设色《造山图》以三联画形式展开，204×373cm的尺幅中，传统山水画的图式被解构重组，呈现出独特的当代视觉张力。

　　本篇章聚焦传统文脉的当代活化，打破古今艺术的时空壁垒，侧重于古典美学意境、传统艺术形制、民族文化符号等方面的当代重构。参展艺术家大胆地跳出自己固有的创作模式，以当代审美视角、多元创作思维重塑传统美学形态。他们通过有机的艺术转化，将审美智慧融入当代语境，让沉淀千年的文化底蕴，转化为适配当代审美、契合时代精神的艺术表达，实现传统美学的赓续重生，诠释古今对话的文化张力。

　　跨界与融合

　　第二篇章以“艺无界，融共生”为理念，呈现艺术家群体打破边界的视觉实验。中青年艺术家主动担负起时代创作使命，以跨媒介、跨学科、跨实践为核心，挖掘多元艺术和合相映的全新视觉体系。

　　艺无界，融共生。跨界的价值，在于打通艺术语言的边界，激活传统资源在当代语境中的再生能力;融合的意义，在于汇聚不同学科的思想方法，拓展艺术的维度与格局。这些创新探索表明，艺术的现代性建立于文化主体性的坚定自觉与对世界经验的深度转化之上，而成为新时代艺术守正创新、多元共生极具活力的发展势能。

　　其中，郑路的雕塑《十二水鉴》以12件单体构成，每件80×49cm。艺术家将“水”这一东方哲学的核心意象转化为当代雕塑的视觉序列——水的流变、映照与无常，在金属材质的凝固中获得了另一种永恒。十二件作品如十二道水鉴，映照着传统意象与当代观念之间无限的阐释空间。

　　汤杰的装置《红尘》以92×92×245cm的体量将自然元素导入展厅空间。艺术家贯通不同艺术语言，以共生思维重构叙事，让观众在物质与观念的边界上重新理解“融合”的含义。这些作品表明，跨界的价值不在于技术的炫示，而在于打通艺术语言的边界后，让传统资源在当代语境中获得再生。从绘画、影像到装置、雕塑，多元形态交融互鉴，尽显兼容并蓄、万物共生的蓬勃创新生命力。

　　中青年艺术家主动担负起时代创作使命，以跨媒介、跨学科、跨文明实践为核心，挖掘多元艺术和合相映的全新视觉体系，重塑彼此交织、无限突破的开阔艺术场域。他们融合数字科技、传统手工技艺与现代造物方式，贯通不同艺术语言，以共生思维重构叙事，让各类媒介优势相融，实现绘画、影像、装置、雕塑等多元形态交融互鉴，尽显兼容并蓄、万物共生的蓬勃创新生命力。

　　观念与主题

　　第三篇章“观念与主题”指向与时代同频的视觉思辨，艺术家们将个体经验与时代命题相融合，将人文关怀、生态思考、文明互鉴等议题纳入创作视野。

　　作为创作生态的中坚力量，中青年艺术家身处观念迭代与主题深耕的关键阶段。他们承接百年中国美术的现代性求索脉络，在守正与创新的张力中构筑起鲜活的艺术图景。

　　其中，王文婷的《未知的河与陆地》以300×600cm的巨大尺幅展开。艺术家将地理学意义上的“未知”转化为视觉上的“待探索”——画布上的每一笔都是对认知边界的叩问，将城乡发展、自然生态等时代议题转化为富有思辨性的视觉表达。她将人文关怀、生态思考等议题纳入创作视野，使艺术创新既保有个体感知的温度，又承载起记录时代的精神职责。

　　鞠婷的《琥珀》以木板丙烯为媒介，将时间的凝固与生命的流动并置一处。艺术家超越单一的形式语言实验，转向对文化根脉的当代转译与对时代命题的视觉思辨。他们扎根社会生活，聚焦时代变迁中的个体经验、集体记忆与文化认同，使艺术创新既保有个体感知的温度，又承载起记录时代、凝聚精神的文化职责。

　　于观念维度，中青年艺术家超越单一的形式语言实验，转向对文化根脉的当代转译与对时代命题的视觉思辨。他们一方面重返中华美学精神本源，从传统笔墨、造物智慧与文人意趣中提炼内核，以当代方法论重构东方审美意象;另一方面，持续拓展创作边界，不断刷新艺术表达方式，呈现出多元共生、和而不同的格局。

　　于主题向度，中青年艺术家亦始终与时代同频。他们扎根社会生活，聚焦时代变迁中的个体经验、集体记忆与文化认同，将人文关怀、生态思考、文明互鉴等议题纳入创作视野，使艺术创新既保有个体感知的温度，又承载起记录时代、凝聚精神的文化职责。

　　语言与材料

　　第四篇章“语言与材料”的拓展与实践中，材料成为“主动言说的媒介”。关注艺术家如何将材料作为语言生成的参与者，在材料实验与形式探索之间建立有机联系。

　　绘画语言的创新，往往始于对材料的重新发现。从水墨、坦培拉到油彩、丙烯，每一种媒介都携带着自身的语言基因，也都有着未被穷尽的表达可能——当代艺术家的创造工作，正是在持续实验中试探其新的言说边界。

　　叶凌瀚的《羿》以250×1050cm的惊人尺幅在布面丙烯的媒介中展开了一场关于速度与力量的视觉叙事。艺术家引导材料从“被使用的载体”走向“主动言说的媒介”，线条与色块在巨大的画面上形成强烈的视觉张力。当材料不再仅仅是达成某种效果的手段，而是成为意义生成的参与者与对话者时，艺术感知的边界便由此被不断拓展。

　　夏禹的《光》则采用木板坦培拉这一古老技法，让材料的质感、密度、温度与线条、色彩、空间相互激发。坦培拉媒介本身的温润质地与“光”的主题形成深层互文——材料不再是手段，而成为意义本身。从具象的塑造到抽象的构成，从对材料物性的尊重到对感知边界的拓展，艺术家们以材料实验重新定义了创新的本质。

　　本篇章关注艺术家如何将材料作为语言生成的参与者，在材料实验与形式探索之间建立有机联系，展现材料的质感、密度、温度如何与线条、色彩、空间相互激发，共同生成不可替代的视觉表达。从具象的塑造到抽象的构成，从对材料物性的尊重到对感知边界的拓展——艺术家引导材料从“被使用的载体”走向“主动言说的媒介”。当材料不再仅仅是达成某种效果的手段，而是成为意义生成的参与者与对话者时，材料便获得了语言的自觉，艺术感知的边界也由此被不断拓展——这既是创造的过程，也是创新的本质所在。

　　结语

　　这场展览的意义，或许不止于150余件作品的呈现。它是中国美术馆积极建立年度办展机制的开端，是全力打造中国美术创新发展的新风范、新样式的起点。展览不仅为中青年艺术人才搭建了展示、交流与成长的平台，也引导观众在审美体验和思想对话中，感受传统文脉在当代艺术创造中的赓续与焕新。这些展出作品以接地气、亲民性、互动性的呈现方式体现了时代精神，更突出体现了新时代中青年艺术家群体昂扬向上的精神面貌和投身时代伟业的创新活力。

　　策展人代表王萌在开幕式上的一句话值得记取：“让每一份独特的艺术思考，每一次大胆的创作尝试都能被看见、被尊重、被赋能。”当“守正创新”从口号变为可触摸的展品、可感知的空间、可对话的现场，中国当代美术的未来图景，正在这群中青年艺术家的手中一笔一画地展开。

　　这个夏天，不妨走进中国美术馆，看一看这150余种关于“创新”的答案。正如展览所昭示的：守正方能创新，承前始能高远。当中青年艺术家以个体生命体验对接民族文化根魂，用新的视觉逻辑完成文化精神的当代转译，中国美术的崭新篇章便在这代代传承与突破中，不断书写下去。

参展作品(部分)

巨浪  王牧羽  中国画  360×146cm  2026  艺术家藏