【导言】北京画院是新中国成立最早、规模最大的专业画院，一直致力于艺术人才的培养。历经几代人薪火相传，依托雄厚的画家资源，以画家工作室为主，建立了独特的师徒相授的教学模式。多年来，北京画院研修班为全国各地培养了众多优秀的艺术人才。《北京画院精品艺术课》通过直播形式，让您对北京画院工作室的教学有更加直观深入的了解。本期我们一起走进艺术家徐卫国的工作室。

艺术家 刘旭

青绿山水作为传统山水画的重要分支，承载着深厚的文化底蕴与独特的艺术魅力。其创作过程不仅是技法的传承，更是对传统山水画精神的领悟与表达。每一笔勾勒、每一层色彩的叠加，都蕴含着传统山水画的精妙。从树的勾勒到山石的皴擦，从色彩的运用到上色的节奏，无不体现着艺术家对自然与传统的深刻理解。

北京画院开设的这堂艺术课，通过艺术家刘旭的详细演示与讲解，系统梳理了青绿山水的学习路径。课程涵盖技法、理念及色彩运用等核心要素，为学者答疑解惑。课程重点讲解了墨稿的重要性、色彩搭配的技巧以及材料选择的要点等。墨稿作为青绿山水画的基础，其质量直接影响作品的成败。色彩方面，石青、石绿的选材与调色的微妙变化至关重要。材料的选择也会影响作品的整体效果，纸与绢的不同特性决定了绘画方法的差异。

我们应从传统中汲取灵感，同时结合现代审美与个人风格，探索出独特的艺术表达。刘旭强调：“要师古人、师造化。学习古人其实是一条捷径，站在巨人的肩膀上，才能看得更远，走得更稳。”这一理念不仅适用于青绿山水画，更适用于所有艺术创作。每一笔的重复与调整都是对艺术的打磨，而耐心与细致则是创作过程中不可或缺的品质。通过这堂课，我们不仅能够掌握青绿山水画的技法，更能领悟其背后的文化精神与艺术价值。

【北京画院精品艺术课】刘旭：传统青绿山水研究

47564浏览直播时间：2025-11-01 14:45:43

视频：直播回放链接

师生对谈内容

（根据课堂中师生对谈内容整理）

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学生：青绿山水是在墨稿的基础上施以颜色。为什么一张青绿山水画的好坏，很大程度上取决于墨稿呢？请您讲解一下墨稿的重要性？

刘旭：谈到画青绿山水，很多人首先想到的是颜色，因为颜色是最先吸引观众眼球的元素。然而，这容易让人忽略色彩之下的墨线以及皴擦等的质量。在青绿山水画中，墨稿的质量是作品成败的关键。在创作过程中，应将70%的精力投入到墨稿中。

这就好比一个人的外貌，如果五官天生丽质，无论薄施淡彩还是浓妆艳抹，都会好看。但五官本身如果不够协调，即使再精心化妆，也难以达到理想的效果。同理，青绿山水画并不是简单地在山水中添加青色和绿色就能称之为“青绿山水”。其墨线勾勒是有一定规矩和法度的。

虽然历代画论对青绿山水的规范并没有严格的说明，但在长期的艺术实践中，已经形成了一套约定俗成的方法和法度。比如，墨线需要清晰明朗，因为颜色要在轮廓之内呈现，墨线要将颜色框住。皴法也是有规律和法度的，它可以区分石头的阴暗面。青绿山水画中颜色之下的树、山等相对比较严谨。在中国画写意的范畴中，青绿山水画是比较偏写实的。

刘旭 《高松碧筱图》

100cmx220cm 2024年

学生：在创作墨稿时，有没有什么特别需要注意的地方？如在笔法、布局等方面。

刘旭：以松树为例，在山水画中，松树的画法很重要，能体现画家的基本功。起稿时需注意松树的姿态，松针与枝干的布局要合理，有的地方需留白，有的地方则要有遮挡。松树枝干的表现主要有两侧和正面三个方向。画松树时，先搭建树干，再画松针。古人总结了松针的三种基本画法扇形、放射状、塔形。画松针时，笔触要轻盈灵动，避免过于实。同时，要注意整体的穿插、浓淡、轻重缓急，位置靠前的松针墨色要稍重。画青绿山水时间比较长，需要有耐心，需要一笔一笔无限重复，然后进行整体的调整。最后用比较干的笔画松鳞。

刘旭 《岩上青烟 》

45cmx50cm 2021年

学生：青绿山水的墨稿应如何为后续设色留出空间？比如在勾勒轮廓、皴擦等环节，如何做到既表现山石的结构，又为后续颜色的渲染留出空间？

刘旭：通常画青绿山水时，石头不宜画得过黑，线条要清晰，轮廓线要明确，适当用皴来增强石头的质感和结构。用笔要有跳跃感和节奏感，线条多用中锋，皴时则会多用侧锋，避免出现过重的墨块，否则会影响后续颜色的纯度和亮度。

轮廓线必须完整。如果线条中有很多缺口，后续上色时，颜色的边界就会模糊不清，让人难以分辨，从而使画面显得不明朗、含糊。当然，现在也有一些作品是在写意山水的基础上添加青绿，但这与传统青绿山水约定俗成的操作方式和概念还是有所不同。此外，线条的质量和姿态也很重要。以绘制一组较大的山石为例，勾与皴擦通常同时进行，而不是先勾后皴，这种画法偶然性强，更具灵动性和不可预知性。

上完颜色后，线也不用复勾。如果复勾，线条会显得死板，缺乏灵动性。颜色也要淡淡的一层一层上。画青绿山水没有捷径，要有耐心。

刘旭 《扇面之一》

25cm×55cm 2021年

刘旭 《扇面之二》

25cm×55cm 2021年

学生：您在青绿山水创作时，尤其是在材料的选择上，包括纸的选择上，您更倾向于哪些？

刘旭：我主要使用纸和绢这两种材料。材料的选择决定了绘画的方法。纸的特性使笔墨下去后会扩散，产生一些偶然的效果，画起来比较轻松，适合小写意风格，墨色较多，色与墨的结合更具文人气。

我使用的绢是特制生绢，其特点是墨色会垂直向下渗，绢能够清晰地保留笔痕，不像宣纸那样向四周晕开。用绢作画更接近工笔，相对工整。古人将传统青绿山水分为细笔和粗笔。相比之下，用绢作画，颜色会更厚重，整体效果更富丽。

刘旭 《团扇之一》直径25cm

学生：在青绿山水画中，矿物颜料如何调制？比如石青、石绿等颜料在调制过程中需要注意哪些细节？如胶矾配比等。

刘旭：青绿山水最主要的颜色是石青、石绿。中国传统石青和石绿制作用“飞水”法，即将石头研磨粉碎后，加入水和胶，漂浮在最上面的部分是最细的，颗粒越细，颜色越白。

在中国传统绘画中，石青和石绿分为四个等级分别是头青、二青、三青、四青，以及头绿、二绿、三绿、四绿。这四个等级主要根据颜料颗粒的粗细来区分，颗粒粗细不同，颜色呈现也不同。日本也生产矿物颜料，其颜料分为12个等级，划分更细。日本的色彩体系更接近西方，其加工方式也与中国的传统方法不同。

中国的传统加工方式相对粗糙，矿石经捶打粉碎后可能仍含杂质，因此颜色不够纯净，显得较为中性，带有一些灰色调。颜色并无所谓的高级或低级之分，关键在于如何使用和搭配，以达到画面所需的效果。

在使用矿物颜料时，胶的配比也很重要，其中“冻力”是关键，胶的冻力越高，性能通常越好。在常温下，胶是固态的，需要加热才能溶解，这也是为什么裱画时使用冷水的原因。有些画家会使用日本胶，这种胶倒出来即可使用，但它的缺点是画出的颜色容易扩散。日本胶主要用于卡纸绘画，因为卡纸无需装裱。

古人使用的胶主要有骨胶、皮胶和桃胶，其中皮胶的黏性最强。在唐卡绘画中，会专门使用藏牦牛皮熬制的胶，这种胶的黏性极大，不适合在宣纸上使用，它会使宣纸起皱。唐卡是画在布上的，所以使用这种强黏性胶没有问题。因此，胶的调配要恰到好处，既要能拉开笔，又要保证颜色在后续过程中不扩散或移位。

如果对胶的使用没有把握，可以在调好颜色后，先在一张纸上试一试。等颜色干了之后，如果颜色不掉，就说明可以使用，如果掉色，就需要再加一点胶。将胶和颜色充分混合后，加入适量清水继续调匀，这样就可以备用。最关键的是如何使用这种颜色。因为矿物颜料是石头粉末，在静置时会迅速沉淀，上面全是清水。所以每画一笔之前，都要充分搅拌，使颜料均匀分布。

刘旭 《团扇之二》直径25cm

学生：青绿山水很容易走向制作性和装饰性，如何通过写意性笔触等规避匠气，对“度”的把握是否有具体技法和参考？

刘旭：颜色度的把握决定了画作的俗与雅，而画作下方的墨、线以及墨的运用水平，也决定了作品的质量。

历史上青绿山水画经历了几个高峰。宋代以王希孟、赵伯驹、刘松年为代表，他们的作品大多画在绢上，比较工细，颜色亮丽。到了明代，青绿山水画迎来了又一个高峰。这一时期，文人开始大量参与绘画创作，他们在作品中降低了颜色的色相，加入了更多的水墨，使画面显得更加轻松、更具文人气。这种风格的转变，反映了文人画家对自然和艺术的独特理解和表达。民国时期，青绿山水画再次达到高峰。代表性画家有吴湖帆、张大千等，他们的作品大多画在宣纸上。宣纸的特性使得墨色更加灵动，因此这一时期的青绿山水画呈现出另一种风貌，颜色的色相和色度都较低，风格更加文人、更活泼且文雅。

学习青绿山水画，可以从这几个阶段入手。无论从哪个阶段开始，都可以向上追溯或向下探索，并且在同一个绘画体系和脉络上。

在我的画中，如对于云的处理，古人多用勾云法，用线条勾勒云的轮廓，然后留白。而我画的云大多比较自然，这种感受来源于对自然的观察，无论是在绢上还是宣纸上作画，我都力求表现出云的流动感，这与古人的画法有所不同。在树木和山石的处理上，我会运用大量的近景，近景很近，远景很远，形成鲜明对比。在颜色运用上，我不会画得过于艳。如在使用石青时，我会搭配二青、三青、四青等多种色度的石青，通过这种搭配使画面的青色更加丰富，整体效果更加和谐舒适。

刘旭 《团扇之三》直径25cm

学生：生宣的特性使得水墨与青绿的结合更具挑战性。如何在生宣上做到水墨与青绿在技法上的“互不干扰”又“视觉呼应”呢？

刘旭：一是要将墨和颜色分开使用。例如，等墨完全干透后再上颜色，避免两者同时使用时相互碰撞、影响。另一个墨和颜色的比例也很重要。如果画面中黑色部分过多，会显得画面脏乱。在实践中，需要自己去感受哪种效果会更好。若全是颜色而没有墨的参与，画面就会显得飘，容易俗。因此，用墨和赭石来把控石青、石绿，相互制约，效果会非常好。

刘旭 《团扇之四》直径25cm

学生：学习青绿山水画，很多人会选择临摹王希孟的《千里江山图》，您如何看呢？

刘旭：宋代的青绿山水画达到了一个高峰，从学习的角度来看，其实有很多优秀的画家作品可供临摹。比如张伯驹的《江山秋色图》，还有刘松年的作品，他们在颜色之下墨色的呈现非常好，对初学者来说是很好的典范。

王希孟的《千里江山图》整体气势宏大，布局精妙，颜色艳丽。但如果去掉颜色，其墨线会显得有些凌乱。王希孟的作品可能更适合有一定绘画基础的人学习，从中可以吸收颜色处理和布局方面的经验。

青绿山水实际上是一种法度的体现，它有自己的一套规矩。青绿山水的色彩体系实际是谢赫六法中的“随类赋彩”，是一种对颜色的象征性表达。古人观察到，暗面通常带有冷色调，如青色，包括远山也是如此。由于古人没有现代的冷暖色彩理论，他们只能通过青绿色来表现，因此青绿山水中石青多用于表现石头的暗部或孤立的小石头。我在作画时，也不会刻意将某块石头画成蓝色或绿色，而是在整体完成后再对颜色进行调整。有时可能需要局部观察，根据需要添加一些花青或石青，以达到整体的和谐。

想画好山水画，有些功夫是不能省的。要师古人、师造化。学习古人其实是一条捷径，站在巨人的肩膀上，才能看得更远，走得更稳。

​刘旭 《团扇之五》直径25cm