创新，是艺术长河中永不熄灭的灯塔。它既意味着对原有经验的超越，也指向一种与时代共振的精神自觉。在当下，中青年艺术家正以敏锐的感知和大胆的实验，不断重塑创作的边界，将创作的艺术思考转化为具有公共价值的文化表达。

仲夏时节，“2026全国中青年创新艺术展”在中国美术馆与公众见面。155件作品，从2600余件应征之作中精选而出，涵盖水墨、油画、雕塑、装置、影像、综合材料与数字科技等多个品类。作为中国美术馆推出的首届聚焦中青年美术创新发展的全国性专题大展，它所呈现的不仅是一批充满锐气的新作，更是一个以“创新”为坐标、持续观察中青年创作生态的展览新品牌。

中国美术馆馆长潘义奎在开幕式致辞中指出，“国家馆搭平台，青年人唱主角”，展览从学术立意到呈现方式，始终围绕“青春力量”与“艺术创新”展开。这样的定位来自一种清晰的判断：中青年艺术家是艺术创新最活跃的群体，他们处在观念蜕变、语言成型的关键阶段，既有对传统的深刻体悟，又敢于向未知地带突破。因此，本次展览从策划到呈现，始终指向这个坚实而重要的判断。艺术创新，本质是创作者思维的突破、认知的迭代，是跳出固有范式、忠于艺术表达的积极探索。它不是对“新”的盲目追逐，而是在文化根脉与时代体验的互动中，打开新的感知空间。这份源源不断的创造力，正是支撑艺术持续向前发展的原生动力。

展览以“传统与转译”“跨界与融合”“观念与主题”“语言与材料”四个学术单元展开，打破以画种分区的做法，让不同媒介、不同代际的作品在同一语境下彼此对话，生成观看的崭新意义。围绕四个单元，参展作品以多元的面貌回应着“如何在守正与突破之间找到属于自己的路径”这一时代命题。其中，最引人关注的成果集中在传统资源的当代激活与数字科技的跨界融合两个方面，同时，在观念探索与材料重构的维度上，同样涌现出不少令人惊喜的作品。

传统资源的当代转化

传统艺术资源的当代转换在艺术家的创作中被持续激活与转化，而且转换的语法正在变得更为成熟和内在。这种从创新角度生发的转换，可理解为基于转化意识进行的面向今天观看方式的创作。艺术家把传统技法和图式从原有状态中释放出来，作为可重组、可转译的视觉元素，通过方法置换、图像重构和感知方式的更新，让传统符号与当代生活经验重新连接。这不是对传统样式的简单挪用，而是在今天的观看语境中获得新的语义，从而在当代观看逻辑中生成新表达。例如王牧羽的水墨《巨浪》采用“以水为山”的创作理念，将笔墨技法推向表达澎湃气势的新语境；毛冬华的《帘·竹》将竹影与帘幕转化为层叠的笔墨结构，在光影与留白间赋予传统竹意象以都市空间的通透；黄丹的《唯见松》以摄影负片的图像感觉展开新水墨创作，画中展现的松叶充满生命张力，状如火焰般蓬勃豪迈，将文人写意品格赋予审美的当代张力；杜小同的水墨《雨》以氤氲朦胧的墨色捕捉雨天海边的静谧，将自然风景转为内在的叙事，使传统笔墨获得了现代诗意；黄红涛的《对望——倪瓒疏林图》以今人视角与元代倪瓒的疏林展开跨时空对话，在笔墨的拆解与重构中探寻山水精神的当代回响；王礼军的装置《山雨》以旧家具残片的循环利用重构古代绘画的山雨图式，在材质与空间的对话中接续了传统意象；郑路的雕塑《十二水鉴》将“水”这一中国哲学的核心意象提炼为当代雕塑的视觉序列，在金属的冷峻与水意的流动之间构成禅思般的回响。通过作品可以看到，在中青年艺术家的创作语境中，传统不是作为素材被简单提取或复制，而是以艺术创新的语法进行转化，每位艺术家都在用自己的方式与传统文脉对话，而这种对话，与时代的观看语境密切相关。

数字与科技的跨界融合

数字与科技的跨界融合为艺术表达打开了新的语言维度。这种语言维度的开拓，源自艺术创作的深层变革：在艺术家的作品中，数字与科技并非简单充当新工具，而是重构了创作过程与感知方式。编程、算法与传感让作品获得“生长”的能力——光线变成可书写的语素，机械律动转化为生命节奏，数据流动本身即是笔触。作品从固定模式中被释放，进入可交互、可生成、可实时演化的动态系统；观众不再被动旁观，而是融入作品环境，以参与触发叙事，将诗性与计算深度缝合，从而让作品完成了从“静观之物”到“体验场域”的范式转换。正是这种语法层面的更新，让科技成为艺术表达的新元素。例如，王志鸥的数字影像《天际流》以李白的“唯见长江天际流”为灵感，让长江奔流的节奏感与数字时代的数据流动产生视觉共鸣，在特定的观看空间里营造出光影流淌的沉浸式体验；许毅博的动态机械装置《一》以隶书中“一”字的具象形态为原型，用精密编程的机械律动使其在光影中舞动，探索生命与秩序的诗意共振；刘峰、何杰的互动装置《仙镜》通过观众的介入触发虚实交织的镜像空间，在交互中产生了参与者与影像互动的乐趣；马丹丹、马良的数字媒体装置《荼蘼》以数字手法演绎中国传统建筑中藻井的层叠美感，通过光影叙事的投射与实体纹样形成的图形交织，在真实与虚拟之间以缓和的节奏营造技术之外的人文情境；杨蝉翼的通电装置《固态储存——波长1》以橙色可见光的波长为创作载体，将固定物理参数、定量标准的光波数据与版画语言的丝网印刷结合，转化为可视的图像语言。本次展览中大量作品突破了传统媒介的使用方式，而科技的跨媒介融合、手工与数码的交织、自然材料与工业材料的对话，正在持续拓展创作的边界，不断刷新艺术表达的方式。

观念作为方法

在观念与主题的维度上，不少作品以敏锐的生活观察和切身的日常经验，展现出中青年一代通过观念方式开启艺术创作的探索。这种探索的创新之处，在于“观念作为方法”，将观念的生成从艺术史的逻辑拉进到日常知觉的现场。艺术家不再依赖既定符号的转译，而是让生活的触感、日常美学的偶发互动成为观念的语言。生活不再是艺术描绘的对象，而是艺术发生的土壤，观众也在感知与参与中成为叙事的共同生产者，艺术表达的边界得到拓展。例如，吴哲仁的观念绘画《繁花2》画面如隔花玻璃观繁花，其基础创作符号源自楚简“玄”字之象和蚕吐丝之形的南方传统，在观念语境中笔触连绵往复，沉淀为笔下的直觉；于瑜的《作为生命的绢——破茧》以传统工笔三矾九染之法绘于绢本之上，创作完成后抽去画面的纬线，以“破图抽丝”的观念手法，对照蚕蛾破茧的意象，让最终存含在绢丝经线和图形间的生命力全然释放；尹思文的抽象绘画《未来视界系列1》构筑了一个奇幻的景观，在算法生成的视觉流变时代，以手工的制作参与和时间的投入回应技术奇观与人类感知的交互；蔡雅玲的装置《对话》用水晶珠帘形成可穿透、可晃动的软性雕塑，珠帘静态观看是清晰图像，穿行触碰时画面摇曳，重视日常物件与观众身体的参与，也探索图像在美术馆空间墙面的再生成；李洪波的纸雕塑《教具系列——马赛》以可拉伸变形的纸质媒材重塑经典石膏像，以教具为出发点探索静态与动态的造型语言。这些创作在观念层面通过具体可感知的视觉语言，将创作构思转化为与生活美学密切相关的叙事。

媒介与材料的表达

语言与材料的重构让绘画性与物质性焕发出新的美学光彩。这种创新的核心，在于将材料从被动的媒介转变为主动的表达。当丙烯的层叠与剥离成为时间的刻度，当瓷片的烧造凝固水意，材料自身的物性便不再是静默的载体，而是叙事的共同作者。艺术家以打磨、刮擦、烧造等动作让绘画性挣脱平面的限制，获得浮雕般的触觉与生命的温度；物质在转化中展现出“生成”的诗意，每一次偶然与控制的角力，都在重构视觉的方式。姜淼的综合材料《始基20260320》在数十层丙烯颜料的覆盖与剥离中，让创作行为本身凝结为时间的刻度，画面仿若一个呼吸着的生命体；马文甲的雕塑《传奇》以材料重塑日常的影像，追问记忆与纪念碑性的物质形态；刘锐的陶瓷雕塑《沧溟》以高温烧造的瓷片模拟水面涟漪，将水的无形凝固为脆硬的瓷质，在材料转换中呈现中国哲思的视觉表达；沈采的综合材料绘画《漂移说》以几何与网格作为理解世界的方式，采用拼贴与多材料绘画相结合的方式，在秩序的演化中，探索不断变化的视觉结构与图像生成。这些实践表明，材料可以不只是形式的载体，其本身就是创作方法的延伸，是艺术家与物质世界深度交流的印痕。

本次展览的落地，是中国美术馆在新形势下主动回应社会公众日益增长的文化需求、顺应艺术创新自身发展规律的积极举措，也是持续优化策展机制、推动展览体系升级的最新进展。此次展览通过“策展人提名+全国征稿+馆藏精选”的多重路径，将馆内的学术资源与广阔的艺术生态进行对接，让来自不同地域、不同背景的中青年艺术家的创新实践汇聚于国家级的对话空间，为中青年艺术家提供了跨界交流的可能。

本次全国性大展的深层旨归，在于引导广大中青年艺术家把握文化传承与艺术发展的核心动能，以鲜活的艺术实践充分体现守正创新和文化自信的生机活力。守正，不是固守僵化的教条，而是对优秀文化基因的深刻领悟；创新，不是与传统割裂，而是在理解之后的自觉超越。从这个意义上说，展览中那些游走于传统与当代、架上与空间、手工与科技之间的作品，恰恰是“守正创新”最具说服力的注脚。它们证明了，当深厚的文化底蕴与创新的实验精神相遇，艺术便能够产生既扎根于本土经验、又具备跨文化交流能力的作品。

当“守正创新”从理念转化为可见的艺术实践、可体验的展览空间与可交流的策展理念，当代中青年不断创新的理想追求，正在美术馆的展厅中凝聚为充满创造力的青春图景。展览的初衷朴素而坚定：让每一份独特的艺术思考、每一次大胆的创作尝试，都能够被看见、被尊重、被赋能。此次展览引导广大中青年艺术家在守正与突破之间探索创新的多维路径，以昂扬向上的精神面貌和紧随时代的创作自觉，让中国风格、中国样式在全球艺术舞台上绽放光彩。同时希望广大观众在每一件作品中感受到创造力的鲜活存在——那是一种流动在纸本、画布、屏幕与空间之中的勃勃生机，一种源自文化深处而又朝向未来的磅礴力量。

注：原文发表于《中国文化报》2026年8月2日第10814期，本文标题和内容有调整

王萌（中国美术馆研究馆员）

初稿于2026年7月30日