前言

涤心守神，方合诗心澄怀之旨。涤尽尘嚣杂念，静守一片灵台，心怀澄澈方可与天地相融，于风物间体悟悠悠诗意。世间万象自有本真，人若为俗务所扰，则目不见真境，神不得清和。唯涤除杂虑，澄明灵台，使胸次虚静空阔，方能观物取象，悟山川风月之诗意。心与造化相通，诗情自胸中而生，此乃艺者立根之道。

至于墨语寄情，书画之道本循天地自然之变。笔墨本为心声，点滴晕染皆是心绪流露，借尺素抒怀，让万般情愫尽寄毫端。笔墨有刚柔，点画分动静，浓淡干湿，一如世间万象之变幻。以翰墨为语，以丹青传心，将俯仰天地之感、俯仰古今之思，尽托于尺楮之间。笔势开合，仿天地之吐纳；墨韵氤氲，合万物之灵机。情寓于象，象生于心，一画一帧，皆藏艺术真意。

古人云：“诗以言志，画以传情。”守诗心而澄怀，执笔墨以寄意，一情一境，皆见文心本色，尽显翰墨气韵。

【沈三草题】

艺术家简介

沈三草（原名沈从斌）

一级美术师

中国书画家研究会理事

故宫博物院特聘终身高级研究员

清华大学美术学院客座教授

意大利佛罗伦萨美术学院2026荣誉教授

法国美术家协会会员

上海中外文化艺术交流协会江南书画专委会副会长

西泠书画院特聘画师

出版《中国近现代名家画集——沈从斌》《中国近现代名家精品丛书——沈从斌山水画精选集》《中国高等美术院校名师教学范本——沈三草国画作品选》等10部。

并在北京、上海、广东、江苏、甘肃、浙江、山东、安徽等地举办20余场个人画展。

历年来作品多次在保利、瀚海、朵云轩、西泠等拍卖成交。

作品欣赏

《拟吴仲圭笔意》136X68cm

创古最难：论中国画中古意的深沉与担当

文/沈三草

“周虽旧邦，其命维新。”中国绘画数千年的流变，始终在“古”与“今”的张力中前行。世人常谓“创新”之难，以为突破樊篱、另辟蹊径最见胆识；然以我观之，在中国画的精神谱系中，“创古意”实比“创新意”更为艰难，也更具根本意义。创新可在材料、构成、色彩上做文章，而创古意必须深入传统之骨髓，从笔墨心法中自然流出，稍有不慎便沦于皮相模仿。更重要的是，古意乃国画品格之基石，若无古意为底蕴，无论多么新颖的形式终将流于浅薄，难逃“俗气”之讥。

《敦煌印象》50X68cm

何为古意？绝非复古，亦非宋元某家某派的简单因袭。将古意等同于披麻皴、折带纹，或梅花、竹叶的固定符号，乃是最大的误解。真正的古意，是一种美学气质的整体呈现：“静气”使画面安详深沉，“雅致”令格调超拔尘俗，“简淡”则让笔墨获得言外之象、象外之韵。古意是黄公望《富春山居图》中那“山川浑厚，草木华滋”的沉静，是倪瓒“逸笔草草，不求形似”背后的胸中逸气，更是八大山人笔下那孤禽的冷眼与荷花的残寂所折射出的生命苍茫。此等境界，绝非一朝一夕的技法训练所能抵达，它要求画家在数十年临摹、读书、静观、内省中缓缓涵养而成。董其昌言“读万卷书，行万里路”，正是指向此古意之养成——读万卷书以养气，行万里路以扩胸次，胸中脱去尘浊，自然丘壑内营。这个过程如同古琴的“养弦”，急不得，快不得，更取巧不得。

《听琴图》50X50cm

反观“创新意”，虽自有其探索的艰辛，但时代气息本就流淌在画家的血液里——我们生于现代，目之所及皆是高楼广厦、光影交错，心之所感皆为时代激流、个体迷惘，这些天然就是创新的素材。借鉴西方构成、融入当代视觉经验、运用新材料新媒介，皆为可行之路，且往往能在短期内形成鲜明的视觉标识。近世以来，从徐悲鸿引入素描造型，到林风眠融合中西色彩，再到吴冠中提炼形式之美，创新之举皆有迹可循，有法可依。创新之难，更多在于“敢”与“不敢”，在于观念和勇气的突破；而创古意之难，则在于“能”与“不能”，它需要的是积年累月的技术沉淀、心性磨炼，与审美直觉的千锤百炼。勇气可以在一夜间点燃，而素养只能在岁月中酿造。

《实桶无声空桶响》50X50cm

更为关键的是，古意对于中国画具有“定盘针”般的意义——它是品格的最低保障，是区分雅俗的重要标尺。清人王原祁论画，首重“气韵”，次讲“笔墨”，而气韵高下，全在有无古意。所谓“俗”，画论中常解为“甜、邪、庸、赖”：甜则媚世，邪则乖戾，庸则浅薄，赖则因循。一旦画面失去古意之支撑，纵然色彩缤纷、构成新奇，终不免堕入此四病。古意如同一道精微的滤网，它能滤去笔下的火气、躁气、市井气，使作品获得一种超越具体时代的永恒品格。明人李日华有言：“绘事必以微茫惨澹为妙境。”这“微茫惨澹”四字，正是古意境界的精准写照——它不张扬、不喧嚣，如月光下的远山，似晨雾中的丛林，于模糊中见清晰，在含蓄中藏力量。今日许多“创新”之作，张扬跋扈、声嘶力竭，看似大胆，实则早已远离了中国画的审美内核，徒具现代形式而失却传统灵魂，终成无根之木、无源之水。

《空山新雨霁》50X50cm

因此，创古意绝非保守，更非对创造力的压制。恰恰相反，它是在传承中完成的再创造，是“入古”之后的“出古”。入古，意味着要真正进入传统的审美世界，与古人对话、同经典相亲，理解中国画之所以为中国画的内在逻辑；出古，则要求艺术家最终从古人笔墨中走出来，以自己的心性、情感、阅历重新激活传统，让古老的笔墨语言说出当代人的心事。石涛所谓“笔墨当随时代”，其前提正是对笔墨本身有深入骨髓的理解；黄宾虹晚年浑厚华滋的山水，看似古意盎然，实则每一笔都是他个人生命的倾注，是“古”与“我”的深度融汇。这种辩证统一的创造过程，比单纯标新立异更需要时间的积淀与心性的修炼，也正因为如此，它所产生的作品才具有更为深沉、持久的艺术力量。

《门对青山立》50X50cm

回首中国绘画史，大凡能在时间长河中站稳脚跟的画家，无不是“创古”的高手：赵孟頫力倡“古意”，开启了元代文人画的新格局；董其昌以“仿古”为名，实则创造了属于自己的笔墨天地；八大、石涛遗民画家，笔墨极古而心境极新，形式极简而内涵极丰。他们没有刻意求新，却在深入传统的过程中，自然而然地获得了新的可能——这正是“创古”的奥秘所在：它不是向后的退守，而是向深处的掘进；不是历史的包袱，而是通向未来的基石。在今日全球化的语境下，中国画如何既葆有自身的文化基因，又回应时代的审美诉求？“创古”依然是绕不开的核心命题——因为只有根基扎得够深，枝叶才可能伸得够远。

《仰看乔木深》35X68cm