2019年1月12日下午3点，重庆当代青年雕塑展——《转角的风景》即将在南滨路原·美术馆开展。该展览由中国美术家协会理事、四川美术学院副院长焦兴涛进行策展，原·美术馆与四川美术学院联合主办，四川美术学院雕塑系承办。此次展览共展出35位重庆青年雕塑艺术家的30余件优秀雕塑作品，是重庆优秀青年雕塑艺术家近期创作成果面对公众的一次集中呈现。

众所周知，雕塑在当代发生了很大变化，其内涵和外延不断拓展，早已超越了传统“雕塑”应有之意，这次展览将以具象雕塑、跨媒介雕塑、器物雕塑等多元的概念和丰富的形态，刷新公众对雕塑这一艺术形式的认识。

策展人焦兴涛认为，“随着社会的发展、观念的更新和科技的进步，当代雕塑创作呈现出多样而丰富的变化，并深刻地影响到今天的中国雕塑教育和未来的方向。正是对于这些改变的回应，两年前，川美雕塑系建立了四个方向的工作室：具象雕塑工作室、跨媒介雕塑工作室、景观雕塑工作室和器物雕塑工作室，确立了两年基础部和三年工作室学习的学制。从雕塑出发，以空间、时间、身体、形体为核心和内在逻辑，去拓展边界和可能，以‘雕塑+’的方式去完成当代雕塑教育的重新升级。”

显而易见的是，在“雕塑+”的意义界定下，本次展览呈现出了极大的包容性和实验性，既有传统雕塑艺术作品，又有大量跨媒介的装置艺术作品，写实与抽象，观念与超验，现实与虚构，冶于一炉，体现出当代雕塑开放包容的认知与实践。

这些作品或探讨生命的本质，如装置作品《触不可及》，“将虚拟影像光球和现实墙洞相结合，当人在感应区域内走动时，光球感应人的运动而运动，当人将光球逼到洞口时，光球随之掉进洞里，照亮洞里的影像，洞中虚拟影像是被埋在灾难之后的废墟下的人们。光球如同手电筒的光圈闪烁，跟随人寻找生命的微弱存在，而生命却已成过去的触不可及。”

或对司空见惯的现实进行重新审视，洞见隐藏在表象之下的时间记忆和历史追述，如影像装置《剧院》。

艺术家用剧院废弃的物件，辅之以屠场宰杀牲畜的影像和戏剧性灯光，试图复原“一座30年代的老剧院”。在现实语境中，剧院早已失去了原初的功能，但艺术家看到并试图表达的却是“残留的巨大幕布和道具能隐隐约约感受到曾经的热闹与喧嚣，而如今在这黑暗的剧场里只有等待宰杀的羊。生命边缘的羊悬空摆动着身体，时而疯狂时而静止，它既是挣扎又像是生命最后的舞蹈，荒诞戏剧化而又充满残忍的剧场让人不禁感到滑稽又疚心。”时间、历史、记忆因此而连接，自我繁衍、指认出新的意义。

古希腊雕塑让我们感受了艺术的静穆和伟大，不过在当代语境之下，雕塑也可以偏离宏大的公众视野，提供个体的私密体验，如装置《不要的脸》。艺术家塑造了自己24岁本命年的公众表情，并用铝箔袋塑封起来，放在超市货架进行展示。现场观众“可自动扫码付款24元，带走被遗忘的脸，每当成功互动一次，后台订单号记录了你互动的时间”，从而达到艺术家的目的——“观者收藏了艺术家24岁的某一瞬间，艺术家收藏了观者互动的某一瞬间，相互产生一种有趣的关系。”雕塑与人、空间、观众因此而形成一种共谋的关系。

作品《好的》也是艺术家对个体私密体验的一种艺术延伸和表达，是在日常生活中习惯于对母亲敷衍的一个自我剖析和意义追问。这几组橙色作品，各自独立又相互关联，艺术家将作品构思过程中产生的手稿、便签，以板报的形式钉在床垫上，“给予母亲一个具象的回复。”

展览作品也不乏对传统文化符号的重新解读，如《石空系列》。艺术家在老子对器物阐释的基础上，通过石头这一材质重新思考和界定了传统文化语境中的“器物性”，即在人类文明进化过程中起过重要作用的石头，在功能性之外的精神属性——“它作为一种材料交到我手上时，我想是否也可以在它身上有更多器物性的体现。”

艺术家利用灯光强调、放大石头内部空间的可能性、可变性，利用内外空间之间的通道（观看形式、介入形式）让观者更好的介入其中去感受，“在保存质材自有形体的前提下，变循石造型为因势造型，以镂空内雕的方式创作处丰富多样、意趣横生的形象。运用光照处理，强化了石头的透光感，并造就虚实相应、以小见大的视觉效果。”

不管雕塑这一艺术形式在年轻的艺术家们手中呈现出何种面目，对公众而言，这个展览显然既是一个挑战，又是一种“经验之外让人愉悦的”观展体验，用策展人焦兴涛的话来说，“慵懒和重复的日常是生命感和审美的大敌，每个人都有从日常的平淡中本能地寻求超越经验的冲动和需要。每一个不期而遇的日常生活事件所引起的固有认知系统的暂停、波动和惊奇，其中就蕴含着某种强烈的审美，艺术家无非是赋予这种‘中断’以应有的形状和形式，并主动地发现和创造这种经验。雕塑固有认知概念的改变和发展，恰恰是当代雕塑能够不断带给我们惊喜体验的原因。”

他的话可能就是我们顺利理解这个雕塑展的一把关键性钥匙。

后附其他展出作品：