艺术家蒋贞蕾伦敦个展《无间之距》（Air’s Chamber）2021年6月中旬在伦敦WOLDT Gallery London画廊线上开幕。

展览推出了蒋贞蕾于 2020 年和 2021 年创作的最新作品。艺术家表达了她对全球新冠大流行危机的回应，并以新的视角展示她在空间感知、叙事、色彩和形象方面的探索，但音乐和对线条的执行作为动机和材料仍然是重要的参考。该展览将成为伦敦肯辛顿和切尔西艺术周的一部分，这是一个在繁忙的大都市举办的艺术和文化节。艺术史学家和学者伊莎贝拉·沃尔特博士（Dr. phil. Isabella Woldt）特此撰文。

文 / 伊莎贝拉·沃尔特

在最近的历史和当下这个充满挑战的时期，空气质量和空气颗粒物变得非常重要。与世隔绝一年后，艺术家蒋贞蕾创作了在绘画和雕塑之间摇摆不定的混合作品，对线条和建筑感的关注始终存在。在最新的12 件作品系列中，蒋贞蕾以相当敏锐的方式突出了 新冠时代的一些重要主题：肺的轮廓、连着氧气罐的人物、运动感的线条、腔洞和难以名状的图案。总而言之，一种普遍的焦虑感弥漫着——毕竟，即使乐观的调色板试图保持一张勇敢的脸，画布也受到了伤害。在珠子、纸和金属丝等材料的服务中采用了一系列技术（缝合、刺绣、书写）。多种纹理与三维趋势相结合，有助于使自然光的作用成为诠释的核心。无定形形状出现、重新排列并悬浮，使维度感复杂化了。

就像在梦中一样，颜色的情感维度会激发直觉反应。 蒋贞蕾在一个既熟悉又陌生的世界中创造了迷宫般的抽象、比喻和神秘的叙事。面对现实世界的疫情，这对于人类如此突如其来的事态发展和捉摸不定的敌人，艺术家特意投身于人类世界和拥有创造性思维和创造的超现实世界，以对突然席卷全球的时间不确定性做出反应。 当舒适的现实世界变得陌生时，艺术家进入潜意识的领域，并挖掘出被遗忘的角色。它们现在遍布装置空间，停留在切割屏风的花卉结构或新的建筑性空间中并保护我们。 

超现实的风景出现了，其中拼贴摄影针对女性的形象——尽管如此，她们似乎属于不同的世界，就像当人们转向虚拟世界中的空间时，空间是通过算法而非身体来理解的。 

远离了她已经探索了好几年并主要是白色和自然色的线和纺织艺术（如在 2020 年制作的《歪斜》或《四季》），蒋贞蕾现在探索明亮的色彩和抽象的几何形式，如图所示在《无关》或《误解》中。这些装置包含标题作为关键词，有助于澄清和表达不确定性。 尤其在 2021 年，艺术家开始通过在她的艺术实践中引入具象结构来强化她的叙事：不知名的人物，在整个空气中呼吸着的某种恶魔，装满或倒空的氧气瓶，突然出现在路上的蛇，连接观众的冥想中的女人和坐着的男人。

隐藏着的思想，剪纸，着色，拼贴，摄影作为一种关系，绘画作为对话伙伴，蒋贞蕾的作品从一个单独的框架或纺织纤维为主的白色双联画，演变到由四个部分组成的单个装置，进一步逼近时间和空间逼。质疑稳定感的文字，非具象和几何形式转化为具象叙事，讲述一个新的故事—----这就是艺术家对全球疫情流行时内在和外在体验的答案。

叠加空间

《无间之距》不仅仅是空间——在蒋贞蕾的艺术中，空间被转化为与空气的一种美学游戏，在那里，空气通过乐器般的流动唤起随着时间而扩展并创造空间的声音。

“每个画布都是一个时间的切片。我把画布一张一张地排列起来，叠起来。在我的梦里，每一幅画布都是一种剪裁的色调。我把石头堆砌起来，去建一个神庙。在我的梦里，每一幅画布都是一件乐器。我把它们召唤过来一起创作室内乐。被剪裁的画布是三维的，把它们一层一层的叠加，它们占据的三维空间不断地向上、向上扩展。我以为我在叠加时间和空间，但那是只是一个梦罢了。如果时间和空间真的可以重叠，那么我将穿越过去、现在和未来。然后我可以看到我过去的祖先，并可以前往在未来的空间站。”

---艺术家手记

即兴音乐

由于音乐在蒋贞蕾的艺术生活中起着决定性的作用，在展览期间，她将通过与双簧管演奏家安德鲁·诺加尔（ Andrew Nogal） 的跨介体对话来审视整体的心理状态。双簧管演奏家安德鲁·诺加尔以用他的乐器探索音乐的界限而闻名于世，在美国的疫情期间也有很多体会。在独展期间举办的一次特别活动中，他将参与即兴协作演出。演出播放时间为2021 年 6 月 24 日星期四，晚上 7 点。那时将是伦敦肯辛顿和切尔西艺术周的开幕之夜。

表达模式

穿过黑暗的过道。首先是头部，然后是身体。脐带与母亲相连。助产士拿起剪刀剪断脐带。婴儿脱离了母亲的身体，游泳般地，开始了世界的冒险。

--- 未完成小说的片段

伊莎贝拉：我想你在每个部分都上色后再拼贴？或者你将特定装置的每个部分按自然色准备好并组装，之后再用颜料？

蒋贞蕾：这个过程是把每一块帆布切割，然后用非常扁平的方式上色，之后把帆布堆叠起来一边，把这些帆布拼贴成一件作品。有的则用两层剪裁的画布来强调作品的立体感，让光线进入作品内部。

伊莎贝拉：在你的作品中有一些动机我需要确定。有的看起来像是从照片中截断的，有些是画出来的……

蒋贞蕾：是的，有的作品有我的水墨白描，有的有从书本上剪下来的照片，就像引用历史文字和图像一样。

伊莎贝拉：我也想知道，你为什么要制作四部分的装置，这样做有什么理由吗？

蒋贞蕾：我想我将这些帆布当作砖块并将它们堆叠并放置在一起。我想我受到了建筑的启发，建筑在本质上是将事物放在一起的工作。或者这样想吧，我们知道，室内音乐会通常使用不同的乐器，对我来说，这些帆布就像不同的乐器，那么我就好像正在作曲...... 通过使用我正在用的技术，我能够使图像和空间复杂化。城市生活是多样化的，生活是复杂的。我希望我的作品能与我们的时代精神产生共鸣，记录我们的时间和生活经历。

伊莎贝拉：特定的颜色对你来说有什么特别的意义吗？

蒋贞蕾：对于那些以白色居多的作品，我打算激发一种舒缓的感觉，近乎禅意。对于色彩缤纷的作品，我尝试使用强烈、饱和的颜色，目的是要触目惊心，几乎是病态的，鉴于已经过去的一年，我试图使它们不和谐。

切割就是创造

艺术家在更早期系列中发展出了对画布进行切割的手法，现在为表达疫情带来的伤害她在帆布上近乎痴迷地对帆布打孔。切割画布将她的情感体验转化为剪刀的运动，并创造出无限的有机形式和建筑性的空间，她从超现实世界中提升出的人物在不确定的现实中找到了自己的位置。

“切割在我的艺术中占有中心地位。一张张绷好的画布不再是颜料的支撑面，相反，我将画布回归到它原来的功能，一块布，更准确地说，一块覆盖在木头上的布。切割穿透了这个隐藏着的三维空间。木材的纹理变得暴露。这种切割方式，将人的形状、身体、线条和物体的性质带到表面。剪是创造的开始。”

---艺术家手记

轮廓

“切割画布的行为即兴而亲密。刀刃的动量，作为一种姿势，转化为直接的情感。我看到我作品中的手势呼吸、奔跑、挣扎、飞行、停止和逃跑。我扁平地地应用颜色以营造轮廓感。随着自然光线的进入，帆布的轮廓在墙壁上投下阴影。在真实与虚幻的张力和幻觉之间，画布让人想起记忆、渴望和模糊的尖叫声。”

---艺术家手记

简介

蒋贞蕾 ( Zelene Jiang Schlosberg）出生于湖南永州，2001年硕士毕业于北京师范大学，2009年旅美从事艺术创作。艺术创作灵感常来自于建筑和当代音乐。过往独展包括“一个阳光灿烂的下午”（伊利诺伊州立大学芝加哥分校，2012），“过渡景观”（密苏里州北中央学院，2019），“悬崖”（伊利诺伊州东中央学院，2019）。另一个即将举行的个展将于 2021 年底在美华艺术协会Chinese American Arts Council (CAAC)（纽约）举行。参加多个国际和美国的艺术群展。她的作品“方向 #0” 是作曲家约翰利伯瑞特（John Liberatore） 2018 年发行的 CD 专辑“线画Line Drawings”（奥尔巴尼唱片公司）的封面。她的作品也可以在艺术家谈话杂志（英国）、工作室参观（美国）和艺术市场杂志（以色列）上看到。

安德鲁·诺加尔（Andrew Nogal）是一位著名的管弦乐演奏家、室内乐演奏家和当代音乐的诠释者。他是 Ensemble Dal Niente 的长期成员，曾与芝加哥交响乐团、俄勒冈交响乐团、CSO MusicNOW、Talea Ensemble 和 Alarm Will Sound 合作演出。他也在“六月在布法罗”、拉维尼亚音乐节和“纽约爱乐乐团菲尔双年展”等舞台亮相。他是芝加哥当代作曲中心格罗斯曼乐团的成员。最近的国际活动包括日本、澳大利亚、新西兰和北京现代音乐节。作为琉森音乐节学院的校友，诺加尔在 Fischoff 比赛中获得一等奖，在达姆施塔特暑期课程中获得 Kranichstein 音乐奖。

伊莎贝拉·沃尔特（Dr. phil. Isabella Woldt）拥有汉堡大学的艺术史博士学位和哲学硕士学位。她是一位经验丰富的研究人员，她在高等教育领域任教，是多所艺术学院的教授，也作为唯一作者或共同编辑人出版; 2018 年，作为伦敦大学瓦尔堡研究院国际研究小组“Bilderfahrzeuge”的成员，她是伦敦 Lethaby 画廊《元数据。我们如何与图像相关联》展览的联合策展人。她的经验包括在汉堡、波兹南、巴黎、纽约和伦敦的研究和教学职位。她最近关于挂毯的研究项目是一本关于图像记忆理论和创造力过程的研究书（即将出版），使她与艺术实践、材料、技术和艺术生产技术建立了更密切的关系，包括当前关于艺术理论的论述。