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个人简介：
2014年取得湖北美术学院油画系学士学位后，先后于2017年取得伦敦艺术大学切尔西艺术学院硕士学位、2018年取得湖北美术学院当代艺术研究硕士学位、以及2020年纽约城市大学布鲁克林学院MFA Sonic Arts 声音艺术设计硕士学位，至今工作生活在武汉。
2022 “新青年—第四届学院实验艺术文献展”——陶溪川美术馆，景德镇
2021 研究型展览:策展方案入围展——OCAT 研究中心，北京
“隐形的声音——P8星球2021夏季艺术驻留，长沙
Art 11 Prize 2020首届 K11 新锐青年艺术创作奖，K11 艺术村, 武汉。
2020 《地⽅⾳景——苏州的声⾳地理》，寒⼭美术馆，苏州
2019 “坐标变换”——所见画廊，北京
“WHEN BLACK SWALLOWS RED”——LA GALLERIA, USA , NEW YORK(纽约)
“IMAGINED COMMUNITIES”——THE CRYPT GALLERY, 伦敦
2018 “媒体的迁徙”——第⼆届中国合川钓鱼城国际新媒体艺术节，重庆
2017 艺术·家书 ——“Inter-youth” 国际⾼等艺术学院青年绘画展，中国美术学院，杭州
新青年展览现场
张一丁：这次展出的有两件作品《30°24'59.6"N，114°25'20.9"E》和《Reverse-Vibration》。《30°24'59.6"N，114°25'20.9"E》是用Google地图查的我住的地方的经纬度，也是很特殊的一件作品，它是去年在长沙的艺术驻留项目时的创作，但最开始准备去驻留时的计划并不是现在看到的这样的一件作品。我原本打算到长沙后再进行驻留创作的，但去年八月份爆发了德尔塔局部疫情，我所在的江夏区是武汉第二波疫情主要的区域，武汉和长沙两个地区的形势都不太乐观，所以驻留项目就改成线上了。在封锁期间，我第一次遇到这种情况，当时没有任何想法、灵感和素材，所以这件作品是在当时特定条件和情况下的被动的产物。从我被封锁的感受和经历出发，我尝试着去每一个区域的边界点，收集了一些交通管制和汽车的声音，看到强制管控下的出入通行，录制了一些素材。然后通过建模完成视觉上的设计和效果。 交通路牌是比较符合我的动机和感受的，路牌是我对事件的主观感受，稍微进行改动，有一些荒诞，或诙谐、调侃的意思在里面，但更深层是表达我的不满和整个疫情封锁期间一个消极的状态。
《石路南行The Sonic Stone Road》，2019，声音装置
SEA：在您的作品中，经常出现具有“声音”符号的物品：磁带、音响、话筒，但在这次现场，各种标识、护栏的选择还挺不同的。可以解释为一种视觉“发声”嘛？
张一丁：是的，《30°24'59.6"N，114°25'20.9"E》是去年八月份疫情控制下来后去的长沙落地作品的。当时的展厅是一个非常开阔的空间，计划是把这些交通标识摆放成不同的排列组合，类似迷宫一样，引导观众进入，让他们在作品的场域里有一些不一样的有趣的体验。交通标识对于很多人来说是简单粗暴的物件，是方向指向型的物体；让你执行就执行，左拐就左拐。我想把这种不同的指令放在一起去产生一些奇特的视觉心理反应。
展览现场作品《30°24'59.6"N，114°25'20.9"E》和《Reverse-Vibration》
张一丁：最开始的时候并没有想到摆放在通道里或展厅入口。在布展团队的建议下提出来将作品分散，一个放在展厅的入口，另一个放在艺术家王芷子的空间里。
因为路牌本身的性质还是方向性引导的功能。如果把它当成入侵的方式也非常有意思。另外“当心化学反应”的标识其实是75%（酒精含量），因为我记得在疫情一开始的时候，我们都说洗手消毒要用75%以上的酒精。所以在构想路牌图案的时候正好看到一个当心化学反应烧杯器皿，于是把它改成75%酒精作为一个调侃。然后入口的“进来容易出来难”路牌，也是封控期间，我家附近离开江夏区的高架桥上交警放置的一个大告示牌：它的意思是到江夏区里来容易，但是想出来就很难。当时在我的朋友圈传了一段时间，大家都在自我调侃，所以我觉得这样的一个视觉文本信息它有点荒诞甚至还有点黑色幽默，那么我想就用在了作品里面吧。
《30°24'59.6"N, 114°25'20.9"E》，2021，声音装置，长沙
SEA：那这次展览的两个作品都是以疫情为主题的，您在解释作品《Reverse-Vibration》时讲到是对于疫情当下的回应，但作品呈现方式让我觉得很矛盾。可以解释一下“回应疫情”指的是什么吗？
张一丁：自从疫情爆发后，我不太愿意仅因为疫情去创作作品。每次创作实际上在开始时，我并没有想把疫情和作品联系在一起，但当我完成作品后结合声音效果，视觉效果去审视作品时，发现它是比较贴切我在疫情中的感受的。 《Reverse-Vibration》这件声音装置作品是去年11月份，我接到“新青年”的展览邀请时，在湖北美院油画系着手构思完成的作品。
《Reverse-Vibration》的构思最早是2020年初我因为疫情被困在纽约进行居家隔离时，在最后一个学期的声音装置课上所构思的demo演化而来的。当时那件demo名为《Reverberation》，即“残响”，其实就是一件跟声学里面的混响效果有关的作品，是当时我不断对现有材料进行实验时得到的一种持续性蜂鸣的声音。这种声音让我一只联想到疫情犹如一种持续不断的，挥之不去的存在。因为在疫情爆发后，我每天接收到的信息都是疫情相关的信息。我会下意识认为作品的声音是对这种影响在视觉上的具象化。
最终作品的形态在构建完成时我听到的声音效果除了原本的蜂鸣声，另外也由于麦克风之间的矩阵使得声音信号的无限被动放大以及回授之后加上悬挂的麦克风会因为机械臂来回摆动触动下设备，使得声音变得忽远忽近。当面对作品的运行的时候，它听上去特别像武汉2020年4月8号清明节时，轮船发出汽笛声，悼念因为新冠去世的医务人员和民众，尤其是有一段视频，所有的汽车和轮船都在同一时间鸣笛，整个江边声场的能量是巨大的。
《Reverse-Vibration》，2021，声音装置
张一丁：我的乐队主要是做偏流行的摇滚乐。是和当年大学时有相同爱好的朋友组建的，是为数不多的还在坚持一起做乐队。（乐队名：海大鲜，在网易云音乐、qq音乐、apple音乐、sportify上收听）
张一丁：我自己问过自己这样的问题。在美国当时读sound art声音艺术的时候我想象身边的人大部分是做实验音乐，声音装置这一块，因为我原本是想过去学习声音装置创作的。但去了之后我发现身边很多同学是例如musician、songwriter这种独立音乐人的身份或者乐手等不同背景。然后课程学习中，也有recording（录音）的这种形式作为课程的主题，去研究声音的问题，在和声音在打交道，并不是在处理音乐上的问题，而是用音频工作的角度和思维在工作和学习，那我认为和我们使用视觉软件解决的问题本质上是一样的。
所以回国之后做乐队也没有什么冲突，会有点像职业习惯去注意到某个声音的生产或音色问题。并不是说音乐怎么样，或者一首歌好不好听或者怎么样。去年乐队进录音棚录制单曲的时候，我们更关注的是录音环节中麦克风这些硬件、设备的问题，包括混音的各个乐器的频段等问题，从某方面来说，音频（audio）是总体的思考问题，做乐队只是一个具体的艺术形式而已。
SEA：可以透露一下你最近相关的实践活动嘛？
张一丁：4月30号我的个展“消弭Eliminate”在武汉的dong×3洞洞洞开展。这个个人项目跟四月的上海疫情有关。我有很多以前一起在英国上学的同学们在上海正在经历挨饿，知道的时候挺难过的，但非常地无能为力。我想借这次个人项目在他们空间里面，当做一个很自我的实验性空间去放一些我想表达的东西在里面，所有的声音素材、画面也是从互联网上提取的。
项目的团队是中国美院毕业的三个在武汉的朋友组成的艺术团队，他们现在的方向是计划每一个月在武汉找一名青年艺术家，在空间里做为期一个月的个人项目。作品展览的氛围，和观众的距离很近。其实像这样既小又特别独立、在一个能够基本上做到绝对自主的实施个人项目的空间，有很多以往可能看不到、感觉不太明显的东西会反而被放大：空间大了展览大了人多了，有时候反而感觉不到人与人之间的真正和真诚的温度与距离。我相信当物理的空间和距离在缩小，人与人的关系和距离同样也会被拉进。
因此小空间独立空间也有他们的好处，特别是实验性又得到了进一步的发展和研究，我觉得挺棒的，另外我觉得难得的是，他们基本都在其他城市上学，但想回来给武汉做点贡献。武汉的艺术生态确实是需要多一些这样的年轻人，一些独立的艺术空间让大家交流，展示。让更多人在武汉能够看到除传统艺术形式之外的展览。
《消弭Eliminate》个展海报
张一丁：对，隔音棉的声学作用是我的出发点之一，它可以把空间里的声音有一个聚集的作用集中起来。然后整个黑暗的调性会让观众能够走进去，站在空间里稍微沉静下来一点。再一个我认为我是故意想要打造一个沉浸甚至略带压抑的空间。
文中作品图片/视频由艺术家本人提供
未经允许请勿转载
采访 / 王一珂
文本整理 / 彭米苔
编辑 / 赵子萱
校对 / 王一珂
实验
艺术
SHAANXI
作者：陕西实验艺术
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