在此次「溫故而知新」展中，藏淵帶來的是他在疫情期間的最新創作，以下是他關於此次作品創作的自述：

「疫情期間，身邊有朋友染疫。從媒體上看，很多地區的疫情之慘烈平生未見。

但是同時，前線的醫務工作者、救護人員等都在和疫情搏鬥奮戰。巴黎也是數次封城。我們每天傍晚18點也只能在陽台上鼓掌，為他們鼓掌加油。同時也是給我們信心，給我們自己鼓勵。

疫情讓原本很多困惑的思想問題得到明確的回答，疫情再一次教會我如何對待生命。

藏淵 《笑對人生》，114x162cm，布面丙烯，2021

我覺得，對生命的態度就應該如此飽滿，如此熱情。這種飽滿和熱情，就應該是厚重的熱烈的色彩。

我開始用大片的熱情的色彩做背景，在空間的描述上我更不願給自己限制。

色彩的構成上，我更摒棄了多年的習慣。粉色，銀色，金色，黑色，等等從來在我的調色板上沒有出現過的顏色都一一呈現。

藏淵  《狂歡節的面具》，120cm x 160cm，布面丙烯，2021

繪畫從來不是畫的問題，重要的是自己如何觀察的問題。

我換了觀察的方法，換了眼睛——不是我三年前的眼睛，更不是過往那些大師的眼睛。

我覺得我應該更加自由，更加大膽，尤其是突破自己心裡固有的意識、固有思維和範式，說起來真的如同過關一樣。

藏淵 《生篝火》，114x162cm，布面丙烯，2021

最重要的是我不再計較。不再計較成敗，或者說我的心裡竟安然地沒有成敗的概念，表達清楚就行了。

當作品《Sans élégance de cœur，il n'ya pas d'élégance（內心不優雅，就沒有優雅可言）》徹底幹透，我站在這幅作品前的時候，居然感受到‘此花我未見時依然開放，當我見到此花時此花便開的格外分明’，這種感受絕少發生。」

藏淵 《內心不優雅，就沒有優雅可言》，114x162cm，布面丙烯，2021

在天趣此次隆重術呈現的展覽「溫故而知新」中，陶立成的作品《東方慾曉》創作於2019年，早於同場展出的《天際線》系列，在技巧、表現手法上有很明顯的不同。

陶立成在《東方欲曉》中充分利用了刮刀這一工具的特性，打造出與普通畫筆創作時截然不同的肌理感。

陶立成《東方欲曉》局部

無論是畫布底層細膩的紋路還是觀者第一眼就能捕捉到的堆疊的不規則圖形，都是刮刀作畫帶給藝術家和觀者在視覺上的驚喜，而這種粗細、疏密相間的豐富層次也讓畫面更加立體生動。

另外丙烯這一靈活性更高的材料也使得《東方欲曉》中的色彩具備了通透性，尤其精彩的是位於畫面中央的黃橙色，仿佛清晨時分旭日噴薄時的光芒，又仿佛再現了藝術家腦海中靈光一現的剎那。

與此同時，我們能在畫面中感知光影與明暗變化，這種外在的變化無一不在牽動觀者的情緒體驗，似乎在引領觀者步入一個神秘的世界中，這與藝術家本身使用的創作工具和媒介是分不開的。

陶立成《東方欲曉》，150x150cm，布面丙烯，2019 

陶立成此前曾創作的《黑白水墨》和《花》系列，同樣運用了刮刀和丙烯這兩種主要材料，此次的《東方欲曉》技法更加嫻熟，色彩過渡也更加自然，而情感表達則走向深沉與複雜。

當代藝術發展到今日，已經跳脫出傳統的“架上繪畫”的模式，即便在繪畫領域，藝術家也在積極尋求屬於自己的風格。

創作慾非常旺盛的陶立成近年來試圖通過使用新的媒介、工具等，並逐步建立、完全自己獨有的繪畫符號。

陶立成 《天際線系列-鳶尾花》，120x120cm，布面油畫，2021

繪畫藝術發展至今，有無數的藝術流派和藝術風格，尤其到了近現代，繪畫表現的形式似乎已經被無數畫家的嘗試所窮盡。

徐晨陽則在這個時代自創出一種獨特而有效的藝術表現方式以及獨立的審美體系。

他的創作主線一直是以這種新的藝術表現形式來傳達東方的情感和審美，其背後的精神取向是：寧靜、寬和、優雅、博大。

徐晨陽《遙遠的海8》，130X194cm，布面油畫， 2013 

他的繪畫與日本的繪畫藝術有聯系，這種聯系是有關中國唐宋文化對日本的文化極深的影響，其氣息在日本延續至今。

一些在中國已經被淹沒在歷史長河里的東西，在日本被保留了下來，比如中國的藝術氣質以及對美的態度。所以徐晨陽的繪畫藝術源頭正是唐宋藝術。

作品的畫面中所呈現的平面性和裝飾趣味，實際上是一種東方繪畫特有的審美趣味。他希望在繪畫中體現出的感覺，是一種凝重的、一層一層慢慢沉澱積累的、無限豐富而又單純的感覺。

徐晨陽 《布的景象》，73×100cm，布面油畫， 2014

它不是一層精致的薄膜，一層表面的色彩，而是如巖壁般的厚重、經年累月緩慢滲入的、如巖石本身的顏色。

他所創作這種層層堆積的畫法，實際上也是對自己繪畫的一種限制。

把平整的畫面做成粗糙如巖壁的畫面肌理，其結果是讓畫面變得無法在上面輕松流暢地行筆。迫使他在畫畫時有所取舍、有所側重。自然地將物體的質感、對象精妙細節的表現過濾掉了。

這樣的結果，加強了形的力度、畫面厚重的浮雕感、也突出了固有色的意味。使得畫面更加有力、樸素、凝重，並產生出斑駁之感。

徐晨陽《影之三》局部

這種點點實際上也非常接近他對大自然的感覺——走進茂密的叢林，並看到長滿苔蘚、雜草蔓延的地方。這樣的場景才是自然生命的體現。

比如繪畫遠山，如果只是用色彩、明暗和色塊去表現，實際上無法表現層層疊疊的樹木。

對徐晨陽而言，只要點線才與想要表現的對象貼近。這種層層疊疊的點的技法，與仿對自然生命的感受是無疑結合在一起。

徐晨陽《風景》，73×112cm，布面油畫，2015 

「我的創作路從具像走上意象、抽象，是基於生活階段的改變。對週邊事物的感觀、思想態度發生改變，追求的東西也改變了，畫面上的取捨自然也有所不同。

繪畫過程就是生活過程的記錄，用最纯粹的語言詮釋人與自然、生存、生命的關係。

而抽象創作也一樣，也是一種緊密貼合生活和環境的思想紀錄。

何少中 《境界十七》，120x90cm，布面油畫，2021

於我而言，創作要有三部曲：要有衝動、要忘我、最後要懂得收拾局面。

衝動是生命的動力。對生命的熱誠和追求。有這種追求才會對週邊事物環境感興趣，去觀察，又或天馬行空的去思考一番。

忘我是需要放下自己一向或慣常對事物、形象、色彩的既定態度或觀感。如此才可走進一個全新的思維，對事物有了新的認識。以這種精神態度走進畫面中去創作，那種忘我的狀態對藝術家而言真有點興奮莫名。

何少中 《嶼之五》，110x110cm，布面油畫，2019

一切隨意隨心的思想游走可能是無止境，所以重要的是要決定在哪裡停止，也是創作過程中最重要的——懂得收拾局面。

我喜歡將畫面静置幾日，再次思量作品的布局取勢，節奏。這是一個二次創作的過程，把畫作左右、上下對調觀察思量，給畫面一重生的過程，讓畫面能游走在一個可調可控‘活’的狀態之中。

何少中 《嶼之五》，110x110cm，布面油畫，2019

接下来重新進入一個摸索階段，這是一個由虚入實，由無到有的過程。這需要喚起你所有的視覺經驗，你所行經過的境地、你夢裏深處的景物，再用你内心所讀到過的、思考過的、古典的、抽象的、傳统的、當代的，統統都可為你所用。

這些作品可產生不同的層次和沉澱、情感，而又能產生一種視覺效果以供觀賞者產生共鳴。」

「繪畫在視覺之外需要體現‘言外意’，直接關系到人的性情，關系到人與人之間不可言說的精神交流的方式。

許恩琦《雨後池塘》，70x90cm，油畫，2012

‘意’的深淺，是標志著一個畫家是否成熟的關鍵。‘外師造化，中得心源’就是被藝術家主觀強烈‘改造’了的自然，是一種藝術境界。她與自然息息相關，又是隱藏在內心深處的精神家園。

繪畫技術依我所需，包含了創作者的心思與智慧，每一點一線，從整體到局部反覆推敲，都帶有心靈和思緒的痕跡，都是意識和潛意識的外在表現，並不僅僅是一個‘外化’的工具而已。

許恩琦 《午後時光》，70x90cm，布面油畫，2012

‘今月曾經照古人，古人不見今時月’。現實生活和文化環境的日新月異，改變著當代畫家的思維和審美；它意味著畫家可以對古今中外的文化歷史資源，進行選擇性的提煉、轉化，從而使作品具有時代性和創造性。」