8月6日，“南风撩人——陈春木、LUGAS SYLLABUS双个展”在永乐艺术空间开幕。展览呈现了陈春木近年创作的二十件作品，相较于此前浓厚深沉的色彩和主题，陈春木在这批新作中开始使用大面积的纯色、亮色，层叠堆积的色彩延展到画面以外，给人眼前一亮的全新观感。

多年来，陈春木始终以绘画为主体创作，他热爱绘画，并且有着自己独特的风格。就像评论家说的“春木的作品是一种排他性的绘画语汇，是一种难以用语言概括的神秘性绘画形式。”或许是受名字中“春木”所影响，陈春木的绘画从来没有离开过树木虫草，同时气息深沉潮湿，油彩像苔藓、霉菌在画面上肆意蔓延生长，似乎影射了生态、环保、社会矛盾、人性等问题，同时又不点明，而是挑战着观者的认知和视觉经验。

这种创作持续了十几年之久，直到近期，突然进入画面的纯色、亮色带来了极大变化，层叠堆积的色彩延展到画面以外，这其实并不是“打破边界”的技术性处理，而是光线的进入。陈春木甚至在一些作品把霓虹灯管安装在画面中，享受造景的乐趣。 这个变化其实是作者对自然对世界的认识的转变。从被动接受环境表现环境，到自主去改变环境。

陈春木从小生长于福建安溪，茶乡的土壤和植物深植于内心，即使成人后离开家乡，远赴北京，也长期无法走出这种氛围。他嗜茶如命，对他来讲，茶就是水，水就是茶。他的身体就像一株茶树，绘画也一直缠绕着又永远挥之不去的，专属于南方“潮湿”。然而绘画就是这么一种玄妙的东西，当日复一日处于工作中，绘画的乐趣就会产生：画家终于脱离了乡土的羁绊走向绘画的自由表达。

此次个展中，陈春木挑选了“赞美诗”“南风撩人”等系列新作展出，其中自然元素不再作为符号而是作为一种意象出现。大面积的亮色和撞色铺垫出画面的另外一个维度，恣意的笔触也强调了速度感。

“南风撩人”系列作品最早应追溯到2018年，真正集中推进工作是从2020年开始至今。画家似乎是无意中发现了光的作用，并用光主宰了画面，此中，细节显得不那么重要了，完全在随机和直觉中产生。有些作品尺幅很小，但是有很大的气象；而一些大尺幅的作品中，泼洒出来的浓烈鲜艳的色彩宛如放大的人体器官，激烈的色彩冲突猛然强化了人的视觉味觉和嗅觉，形成让人叹为观止的冲击力。

“以前我的作品可能更多专注在画面本身……而我现在的作品可能语言不同了，作品的格局已经产生了变化，可能更多会以这种观念性的东西去切入。当然也是跟自身的一些体验，包括看到的、认识的有关系。”在陈春木看来，太完整、太舒服的东西是值得反思的，生活如此，画面亦如此。有的艺术家画完一幅完整的作品后不愿意再去更改，因为他希望保留在那个当下创作时的心境与状态;有的艺术家则是过一阵子就觉得画面哪里不对、太过圆满的东西让他觉得是危险的，他随即在画面上修改，他觉得不断在原有的基础上去推翻、去重塑是创作艺术必然有的状态。陈春木显然是属于后者。

雅昌艺术网 对话 陈春木

雅昌艺术网：本次展览中的几个新作系列较以往有怎样的转变？

陈春木：总的来说是在往前推进。变化最直观的是画面的效果，以前绘画考虑的东西太多，现在慢慢在做减法，同时又把想要的东西放大。

每个阶段的认知和沉淀也不一样。像很多人感知大自然是通过触觉，但我在“南风撩人”系列里更多是用味觉，用舌头去感知，得到的也是另一种观感。它不同于你日常感受到一阵风吹过的触感，而是风在不断撩动你。对于一幅画，观众最好去看，去读，如果都能用语言概括，那画就没有必要了。当然艺术家的初衷只是一个参照，如果观众能通过作品获得更多，那样对观众才是好的。

雅昌艺术网：为何新作的色彩会变得更亮了？

陈春木：人活得更明白了一些，很多事想通了自然就豁达了，而表现在画面上就是色彩更轻快一些。这两年由于疫情，所有事都慢了下来，人会有更多时间思考和面对自己，以前想不通的事，会慢慢搞明白。而且艺术创作也不可能总是重复一个固定的模式，作为一个年轻艺术家，加入新鲜血液进来是很有必要的。

雅昌艺术网：那为何以前的作品很少有这样大面积的亮色？

陈春木：可能以前不敢。

雅昌艺术网：为什么不敢？

陈春木：在一般的认知里，别人都这么做，所以你天然也可以这么去做。但作为一个艺术家，似乎不具有这样的资格。我认为艺术应该有一种独特性，有人这么做过了，你就得绕开他，到达同样甚至更远的终点。所以以前觉得自己不敢用轻快、明亮的方式去画。但最近想通了这个问题，我其实可以驾驭这种方式，并且通过亮色获得了完全不同的快感。

艺术的独特性是来自骨子里的。就像我开始用亮色后，发现做着做着又会回到自己的方式中，有些独特性是自身带来的，想抛弃都不行。我的画面自带一种潮湿感，同样是画一片沙子，我画出来的就是泡在水里的沙，或者是吸饱水的沙。要动笔时，我会不自觉地拿起一些颜色，那种敏感度难以言说，趋近于直觉。

雅昌艺术网：本次展出的作品很多绘画边框上都有溢出的颜料，这代表了什么？

陈春木：颜料溢出画框，这算是与之前最大的一个差别。以前画画，溢出的颜料部分会被擦掉，因为这种溢出往往是预想之外的。但最近我觉得这也是绘画过程中的一种痕迹，所以后来就变成根据画面需求，有意识地安排颜料溢出，有时是顶部，有时是侧面。最开始我会给自己设置一个边界，比如用几支颜料后去画，颜料画完了就停手，但后来又慢慢打破这种规则，毕竟自然而然才是最舒服的。虽然颜料溢出会在运输上带来一定的麻烦，但没关系。

雅昌艺术网：除了溢出画面的颜料，你以前的作品还会在画面上做浮雕，或者加霓虹灯管之类的尝试，似乎在融合装置与平面。

陈春木：其实我一直有做一些绘画装置类的作品，也独立的装置创作，媒介对我而言从来不是障碍。像这次展览我特别添加了一件带灯管的作品《化蝶》，最初的展览作品里并没有它，但我觉得需要有这么一件。《化蝶》完成于2020年，灯光在幽暗的环境显得非常迷幻，会有一种朦胧的幻觉，仿佛现实与虚幻间隔了一层纸。

雅昌艺术网：相比以前表现形式的动植物形象，你在新作品中对形象的描绘变得更模糊，像《南风撩人》系列里经常出现的气泡，甚至还带有一些抽象的意味。这是你追求的方向吗？

陈春木：那些可以是气泡，也可以是细胞，或是胚胎等等。它们在自然环境中会有不同的遭遇，作为一个生命体，为了保护自己，壳会变得很坚硬，但也有一些无法逃离最终被淘汰的命运，能不能成功最终要靠自身，如自然界努力求生存的任何生命一样。我对生命的关照在新作品中不断深入，最终又回到原点。站到更高维度去思考生命这件事，表现在画面上，会自然而然地变得更加轻松、欢快。

至于绘画语言，无论观众看到是怎样的，我不会具体指向某个事物，更多是介于各种模糊的概念之间，可以解读成某种东西，但也可以不是，介于多重含义之间。不必太在意具象的东西是什么，抽象的是什么，其实都是一种情绪的模糊状态。

雅昌艺术网：谢谢！

作者：刘震风