1、怎样理解中国画的传承与创新？关于时代性，你有什么看法？

　　传承与创新是相辅相成又对立统一的，创新指向当前，是点性的；传承指向历史，是线性的。

　　以青绿山水画为例，我们可以梳理出青绿山水画传承的清晰脉络，也可以探寻到不同时代的画家在这条传承的脉络中迸发出的创新的火花。从中国现存最早的山水画作品隋代展子虔的《游春图》到唐代李思训、李昭道，再到之后的王希孟、钱选、仇英、文征明、张大千等人的青绿山水画，承衔有序，风格鲜明，勾勒出青绿山水画发展的清晰脉络，同时拓展了山水画的题材内容，丰富了山水画的表现技法，绵延千载，至今不衰，这即是传承。

　　笼统地看，这些画都是青绿山水画，但细察我们却能从中明辨出这是王希孟的画，那是仇英的画，这就是创新的可贵之处。

　　艺术作品的时代性是客观性的体现，也是创新的结果。但时代性不是一个简单的标签，更不能用特定的符号化等同于时代性，时代性是要关注时代，反映时代，表现时代，准确地预测和把握时代的发展潮流和方向，体现出一个时代的独特精神。同时，好的艺术作品又对当前的时代有能动作用，反过来又影响着特定时代的人们的思想、观念和审美，从而间接地推动时代向前发展。

　　2、对于中西界限、画种间的界限，你的态度是什么？

　　无论是中西方还是不同的画种之间客观地来看是存在差异的，这是由于地域、社会、历史等造成的审美差异的外化，然而就其本质而言是没有所谓的“界限”的，所以也无需加以人为的界定和划限。而不同的画种由于材料、技法的差异也都天生地带有某些优势和不足，基于此，我认为应该打通这些“界”与“限”，大胆地借鉴与融合，汲优补短、去伪扬长，构建不同的画种和艺术形式共生互益的艺术生态，促进各画种的进一步萌生与发展。这种借鉴与融合在当下的艺术创作中已经有了很多的探索和尝试，有赞誉，也有争议，但我认为这些并不是中西方或是画种间的问题，美的本质才是标准。

　　3、你认为理想的创作环境应该是怎样的？

　　理想的创作环境并不是要躲进“象牙塔”，把自己同外界隔绝起来，而是要拥有一个可以让内心安静的环境和氛围，更是保持人格的相对独立性。我的“西窗窥梧轩”窗外有两棵很大的梧桐树，树上隐着一个雀巢，岁岁更迭，叶绿叶黄，“西窗窥梧知秋冷，半壶香茶听雀鸣。”一窗观得四季，掩帘可听风声。所以，理想的创作环境应该是与自然隔一扇窗，与社会隔一道墙。亲近自然但不据为己有，隐于市但不消融其中。

　　4、你如何看待写生？你认为写生的意义是什么？

　　我每年都要外出写生，常去的地方有楠溪江、武夷山、雁荡山、沂蒙山等。

　　我觉得写生的直接意义在于它能够为艺术家提供新鲜的创作素材，让创作不至断源枯竭。我的“楠溪系列”青绿山水的创作素材都是来自于楠溪江写生。在写生中，随处可见山水画的基本元素：屋、石、木、溪、云、竹等，一草一木一石一山都可以入画。通过写生和创作的实践让我对山水画有了更深的理解：“石为画之骨，屋为画之魂，水为画之脉，竹为画之神，云为画之气，烟为画之韵。”这是我在长期写生过程中对山水灵韵的切身感悟，也是我对“眼中山水”、“手中山水”与“心中山水”的深层认知。

　　写生的深层意义还在于它能够激发艺术家对美的感受力，让心灵不会麻木迟滞。有了感受才会有表达。当我觉得文字不能足以表达美的时候，我就画，当画不出的时候，就用文字，有的诗作就是在写生的途中创作出来的，如《楠溪翠色》：“雨洗青山苔痕绿，风来篁乱波影重。巧借楠溪为一镜，抱得翠色入怀中”。

　　写生需要你走出来，亲近大自然，你看到的每一种美，都会让你产生不一样的情绪和情感，从而让我们对大自然心生敬畏。当大自然经过手中的画笔以理想化的姿态凝固在纸上，这就是具有生命的温度的艺术。

　　5、你经常读哪些书？对绘画有影响吗？

　　除了画画，我喜欢读一点书。画画是生活方式，读书是休闲习惯。我喜欢读三类书，一类是人物传记，可以洞察不同的人生；一类是哲理散文，可以启发心智；还有一类是古诗词，感觉是在与古人交心。

　　文字是逻辑的抽象的，绘画是具体的形象的，然而它们又是想通的，其内在的叙述性、逻辑性、审美性是有着相似性的。读书对绘画是有很大的影响的，读书会延展绘画的创作思路，开阔创作视野。我们常说的“画外功夫”很大程度上指的就是读书获得的文化素养。我在画《楠溪村舍图》之前读一首诗：“鸡鸣知晓至，灯明夜归来。炊烟染屋檐，翠竹送清波。林深遥歌寂，花浓泉不歇。山中有四季，何羡天外客。”我觉得“炊烟染屋檐”是很具有画面感的，同时画面中有些地方也受到诗的意境的启发，互有补益。

　　6、如果可以选择，你愿意生活在哪个时代？

　　如果可以选择，我愿意生活在宋代，精致生活，有品位，但这一切又那么地自然天成，不做作。你不用看宋代的绘画，就看一看宋代的瓷器你就会爱上那样的生活。自然、闲适，不用活的那么紧，这就是理想中的生活状态。