克莱因蓝风靡了60多年，具有其他颜色所缺乏的“维度”。在伊夫·克莱因看来“只有蓝色才能以一种精神性的、非物质性的方式共鸣。” 他相信，用最纯粹的色彩才能唤起最强烈的心灵感受。

近期，“伊夫·克莱因——超越时空”中国首次大型个人回顾展近期在嘉德艺术中心展出。展览呈现了伊夫·克莱因 60多件代表作以及大量的文献资料，其中包括了绘画、雕塑、装置、摄影和电影等多种类型的艺术作品，展示了他短暂而充满创造力的一生。

展览汇集了伊夫·克莱因短暂而辉煌的艺术生涯的全部轨迹：第一批单色画、著名的蓝色系列、浮雕与海绵雕塑、人体测量学系列、单色金以及他最后的艺术实验——使用自然元素（如火焰、空气和水）进行的创作。他通过这些艺术实践表述了三个主要观念：“单色主义、身体的物质性以及艺术的非物质性。”这些观念是建立在思考两极的动态平衡：“可见的与不可见的、物质的与虚空的、身体的与精神的。”伊夫·克莱因这些独树一帜的作品在短短七年内创作完成，他领先于他的时代，并不断打破艺术的边界，预见且引领了许多未来的艺术发展趋势，至今仍与当下文化艺术发生着持续的共鸣。

通过一片无尽之蓝，走进伊夫.克莱因的精神世界，领略这位法国国宝级艺术大师卓越非凡的艺术成就。

▋“单色冒险”

很多人只知道伊夫·克莱因是蓝色大师，其实他的第一份工作是柔道运动员。他曾在日本讲道馆学院研学，并获得柔道四段。他热衷于源自唐朝的禅宗，喜欢冥想，因此开始思考真正穿越时空的语言。后来他将禅意融入到了艺术和柔道当中，注重身体和精神上的关联。

展览现场

1954年，他回到巴黎后才将自己完全投入到艺术中，开始了单色画创作。他认为只有最纯粹的色彩，才能唤起最强烈的心灵感受力。

早期蓝色并未进入他的创作当中，所以我们进入展厅最先看到的就是他早期五种颜色的单色创作，纯净而饱满，这些作品曾在他1955年的个展中展出。

伊夫·克莱因曾在巴黎维里尔大道的隐者俱乐部举行首次个展中写道 :“每一种颜色的微妙情况，是某一种单一个体，是基础颜色上同一类族的个体，但拥有每个个体不同的个性和灵魂，有温柔、凶恶、猛暴庄严、粗俗、安静等等的不同状态。总之每个颜色的状态都有一种‘呈现’，都是一种活的存在、一种活动的力量诞生，并且在经历过颜色生活的悲剧之后死亡。”

伊夫·克莱因不喜欢油画，喜爱纯粉末状的颜料。“它们拥有一种鲜活、非凡而独立的灵魂。这才是真正的色彩。色彩应当是活生生的，是可触摸的……这种新的单色风格正不可抗拒地吸引着我，我决定进行技术研究，找到一种能够固定颜料而不改变它性质的媒介。”

伊夫·克莱因在一位化学友人的帮助下，发明了一种稳定纯正群青蓝颜料的方法，并申请专利，命名为“国际克莱因蓝”(I.K.B)。“最高的与最深的，都是蓝色的”。伊夫·克莱因对群青蓝情有独钟，“蓝色是天空，是水，是空气，是深度和无限，是自由与生命。” 在他看来蓝色不仅仅是一个物体，而是他哲学、美学语言，以及他生活的全部。他一直在与蓝色打交道，直到生命的尽头。

伊夫·克莱因以独有的国际克莱因蓝创作了一个地球模型，刻画了在太空中飘浮的地球仪，远离轴心及支杆，利于凝视思考。从此，地球在他的作品中成为一个反复出现的主题，并以多种变体出现，形成了一个更为全球性的系列，名为“行星浮雕”，它完美地表达了伊夫·克莱因对单色、非物质、空间和自然的迷恋。

在本次展览的中心，是此次展览必打卡之地。著名蓝色系列之一《纯颜料（PIG）》作品首次以圆形方式重磅呈现，与《蓝雨（S 26）》相结合，让观众沉浸在空灵纯粹而深邃的蓝色中，感受艺术的治愈之力。

▋人体“活画笔”

在伊夫·克莱因所有的艺术活动中，最引人谈论的就是让模特身上抹颜料在白纸或布上滚压，印出痕迹，在当时引起了不小的轰动。他将模特称为“活画笔”，将模特拉在纸上拖动，成为一幅蓝色单色画。

1960年3月9日，伊夫·克莱因在巴黎国际当代艺术画廊呈现了一场前所未有的表演。乐手演奏长达20分钟的《单音交响曲》，三位女性将自己涂满IKB蓝色，然后按照艺术家的指示将身体印在画布上，这也成为了伊夫·克莱因 “人体测量学”的巅峰之作。

“画笔的时代终结了，而且最终我可以使用我的柔道知识。我的模特就是我的画笔。我让她们涂抹上颜料，然后在画布上留下印迹。但这只是第一步。此后，我计划让一个芭蕾舞女孩在一张巨大的画布上翻滚涂抹，画布就好比柔道比赛中的白色垫子。”

伊夫·克莱因的作品打破了传统艺术创作方式和媒介的刻板印象，也打破了行为艺术和传统绘画艺术间的壁垒，将身体作为艺术表达的媒介，通过行为和触觉传达出深刻的艺术意境。

在展览中我们可以欣赏到伊夫·克莱因代表性的《人体测量学》系列作品，其中《商店诗》（与阿尔曼、克劳德-帕斯卡尔和皮埃尔-雷斯塔尼一起创作）作品迄今全球仅展出过二次。

▋自然的“痕迹”

除了用人体创作，伊夫·克莱因还特别会用火来创作。1961年初，他通过法国燃气公司试验中心，伊夫·克莱因得以使用一种类似喷火器的装置并将其变成了一种绘画工具。他以高达 3 到4米的强劲燃气火焰冲击耐燃的纸板表面来作画。

“对我而言，火焰是未来，但也不忘记过去。它是大自然的记忆”。伊夫·克莱因记录了火焰在支撑物上的流动轨迹，被火的辩证性吸引。火象征着善与恶、毁灭与再生、生与死，伊夫·克莱因在许多作品中运用火焰的效果。

伊夫·克莱因曾对他火的艺术解释到 :“我的意图是双重的：首先记录人在当今文明中的感性迹象，然后记录确实孕育出这文明的元素，即火的痕迹。这些都是因为‘空’一直是我主要关心的问题，我要确切地说，在空的中心，在人的中心有火在燃烧”。“人必须要像自然中纯粹的火，温柔而残忍，我们可以这样矛盾地说，唯有如此，人才是真正的个人和宇宙之根本。”

在展出的作品中，我们不仅可以看到火的痕迹，还有火与水的结合。伊夫·克莱因对火、水、风、土、空气等宇宙形成元素很感兴趣，还尝试利用这些自然元素进行创作，捕捉它们在画布上留下的痕迹。

1960 年夏天，他开车由巴黎到尼斯实践了他以水、风、土来作画的想法。他将一幅涂上蓝颜料的画，捆绑在车顶，一路风雨、尘土袭来，旅程结束后画面就记录下了自然的侵蚀“痕迹”，在自然元素的帮助下完成了他的创作。

▋“跃入虚空”

伊夫·克莱因是第一个将“空”引入西方艺术史的人，他一生追求灵魂的重量与身体的虚无，摆脱实体与可见，朝着非视觉性、非物质性观念艺术不断实践。他曾说：“我最好的工作室将是宇宙之下的天空。” 由于各种“空”的想法，伊夫·克莱因自己想投入空中。

“空无充满着力量。”这是一位是法国存在主义哲学家阿尔贝·加缪，在看过1958年伊夫·克莱因在巴黎伊丽斯·克莱尔画廊举办的展览“虚无”后写下的留言。在开展前展厅中所有物品搬空，墙壁刷白，展品便是空无一物的房间。他摆脱了实体与可见，朝着非视觉性、非物质性观念艺术不断前行。

《跃入虚空》1960年，让蒂尔·贝尔纳街5号，巴黎, 法国 

 伊夫·克莱因的遗产，巴黎 

照片版权：保罗·盖蒂信托  盖蒂研究所，洛杉矶 (2014.R.20)

1960年10月，伊夫·克莱因在位于丰特奈-玫瑰的柔道俱乐部进行了“跃入虚无”的表演，摄影师将这一场景永久定格。11月，伊夫·克莱因在巴黎市各处书报亭上发行了《一天的报纸》，其中便使用了这张照片，并附有标题“太空画家跃入虚无”。他在法国晚报周刊《星期日》上还发表了很多关于《跃入虚空》的新闻。

“我是空间的画家。我不是抽象画家，相反，我是一位具象艺术家和现实主义者。如若绘制空间，诚实地讲，我必须置身其中，必须身处其中。”

——伊夫·克莱因，《星期日》节选片段，1960年

▋结语：

伊夫·克莱因在他人生的最后阶段曾留下了这样一句话。“我将进入世界上最大的工作室，我将只做非物质的作品。”

“我的作品即是我个人艺术的灰烬”，他主张艺术家的“非物质”。他的艺术生涯虽然短暂，却颠覆了传统美学观点，对艺术的定义、艺术的界限提出了挑战。以他名字命名的“克莱因蓝”，是他带给这个世界的礼物，但他给我们留下的不仅仅只是“克莱因蓝”。