2007年夏，在法国南特市立艺术馆举办的安尼施·卡普尔大型个展中展出了一件“斯旺那布”：一个1.5米长的红色蜡块被安装在一个移动轨道上，以一种极其缓慢的速度被迫向前方的门移动，由于蜡块总是要比门框略高大一些，所以每次在通过的时候总会被刮掉一些，留下一屋子的粘稠物质，白色的门框周围也被沾染上痕迹，非常有宗教感和仪式感。这是安尼施·卡普尔以“红色”为主题的经典作品。

《斯旺那布》，2007

蜡、油基漆

尺寸可变

图片拍摄：戴夫·摩根

©安尼施·卡普尔，图片版权所有，2019

安尼施·卡普尔的作品中常常出现红色，他曾讲到：“红色具有某种含蓄和主动的性征，这让我着迷，我总是想用红色创作作品”。

这一次，安尼施·卡普尔带着他的红色来中国了！

这位国际当代艺术的代表人物，尤其特别令人印象深刻的，是那些矗立在都市公共空间的大型作品，成为一种艺术奇观，并在世界观众中产生巨大影响。2019年秋天，他的回顾性艺术展首航中国，以盛大的规模在中央美术学院美术馆和太庙艺术馆同期相继展出，是他艺术的首次中国之旅。

10月25日，中央美术学院美术馆的展览首先拉开帷幕，“红色”无疑是此次展览的主题色。

不管是美术馆入门的巨型装置作品《致心爱太阳的交响乐》还是《准备成为奇特单细胞个体的截面体》、《远行》（原名《放逐》）、《我的红色家乡》等作品，艺术家以巨大的体量和色彩为观众带了一场挑战以往感知经验的展览。

【直播回放】安尼施·卡普尔在央美：挑战你的感知经验

《致心爱太阳的交响乐》

展览现场：占领空间、占领视觉

进入到中央美术学院美术馆，迎面而来的是艺术家作品《致心爱太阳的交响乐》，红色的蜡块被放置在传送带上，传送到几十米高的高空，然后落下堆积在地上，一轮巨大的血红色太阳，悬浮在高空中，仿佛像是上帝在俯视着人间，作品的尺幅非常的巨大，高度占据了央美美术一层到四层的全部空间，观众拾阶而上的时候，可以在不同的位置看到这件作品，尤其是血红色的“太阳”给人强烈的视觉冲击力。

《准备成为奇特单细胞个体的截面体》

《准备成为奇特单细胞个体的截面体》

《准备成为奇特单细胞个体的截面体》

接着来到美术馆三层，这里展示了作品《准备成为奇特单细胞个体的截面体》和《远行》（原名《放逐》），这同样是两件体型巨大的作品，其中，《准备成为奇特单细胞个体的截面体》2015年在法国凡尔赛宫艺术家个展中展出过，这件作品探索了内部与外部之间的关系，作品就像是一个生物体，同样是以红色为主，观众可以进入到作品的内部，里面的管道就像是人体的血管一样，相互穿插，外面的光透过红色的管道射进来，看起来非常的神秘，这件作品是关于身体、存在与信仰的隐喻。

在三楼展厅还可以看到艺术家众多各个时期创作的作品模型，著名的《云门》也在其中，此外还有《轨道》(2010)、《南岸中心》(2001)、《地铁站，蒙特圣安杰洛，那不勒斯》(1999-2002) 以及今年十月将会在纽约展出的《伦纳德街模型》。

三楼展示的另外一件举行作品为《远行》（原名《放逐》），这件作品曾在2017年于阿根廷世纪公园展出，作品中一辆涂满蓝色的挖掘机爬伏在上百吨红色色粉上，蓝色与红色形成鲜明的对比，漫山遍野的红色色粉如同浪涌一般，给人一种宏大的视觉感受。

美术馆的四楼，展示的是作品《我的红色家乡》，一条巨大的金属臂被机械带动，沿着装有25吨红色软质蜡的开口容器表面转动，金属臂在一个小时的转动中，环绕着蜡的表面运动，好像是在搅拌材料，不断塑造蜡的形状，反复形成奇特的景观。

《我的红色家乡》

“卡普尔在意的是现场的视觉体验，卡普尔的创作从色彩开始，因为颜色是摸不着的，只与视觉产生关系，包括视错觉以及他不锈钢镜面作品的视幻觉，卡普尔将这些做到了极致，这是他最独特的方面。”雕塑家隋建国讲到。

他表示，大多数雕塑家的作品是偏触觉的，而卡普尔的作品重要的是现场的感受和理解，如果不在现场的，很难理解到艺术家想要传达给观众的信息和意图。

而关于作品的色彩，隋建国讲到，卡普尔强调视觉里面的幻觉和神秘感，因为人的视觉是最敏锐的，所以可以看到艺术家对红色、蓝色以及黑色的偏爱。而关于视觉与空间的处理，也是卡普尔被人们认可的原因所在。

卡普尔的意义：重塑对艺术的看法和理解

王春辰是此次展览的策展人之一，为了撰写策展文章，不管是去法国还是美国，王春辰都随身携带着卡普尔的画册，以便可以随时翻看，在翻看的过程中渐渐的发现了卡普尔的创作脉络。

就是我们要把卡普尔放在二十世纪现代主义里面来看，他在形式上的探索和追求具有一种实质力量，卡普尔非常了解现代主义的系统和理论，所以他的作品是一种汇聚了现代主义大成之后的全新艺术系统，他的语言是自然而然的表达，他作品的形式是现代主义的形式，立方、直线、曲线等等，是简约的、极少的，传达出现代艺术强调的淳朴性、极致性，达到一种至高的美学观念。完整反映了现代艺术对形式的探索和材料的应用，没有形式语言，我们体会不到卡普尔作品的宏大和感动人的细节。

卡普尔的创作从单一的平面作品到立体的雕塑再到空间装置，超越了雕塑的概念，占据空间利用材料，是一种综合的艺术，他很多的材料都非常的特殊独有的，比如他使用世界上最黑的颜料，就是要达到一种极致，让我们现代的观众体会到当代的艺术不同于以往，就是和空间发生关系，改变了我们对艺术的看法，我们对观看的理解。卡普尔的作品不仅仅是看到一种伟大的、美丽的、极致的形式，在这形式里面，观众可以体会到梦境、幻境、诗意甚至是一种世界的起源。

而在讲到此次展览的意义时，王春辰表示，卡普尔是一位多文化环境下成长起来的艺术家，他的身份超越了民族与文化，卡普尔是英国艺术家，但是他来自印度，创作上他不强调自己的族裔，他是一个艺术家，超越任何国家和族裔的概念，这种认识在今天的中国显得尤为重要，要做普遍意义上的艺术家和世界性的艺术家，这也是为什么卡普尔受到全世界追捧的原因；其次，我们要会用空间和占用空间，卡普尔从单一材料的使用，到立体材料的使用，再到空间的使用，可以看到空间就是艺术，是艺术家要挑战的对象，卡普尔的作品与空间有关，强调不同的空间带来不同的感受，他重视艺术现场，所以只有在现场才能感受到其作品的意义；还有就是对于外来的东西不要总是去排斥，很多时候我们常说要创新，要继承传统，其实传统不是生硬的继承，而是活着的吸收，不断地吸收，才会形成我们今天的传统。

安尼施·卡普尔：空间也是可供使用的材料

“我总是尝试着创作那些非物质的、不确定的东西。作为一名艺术家，我真的没有什么要表达的。要不然,我就该去做个记者。但是，我想邀请人们来追寻。”——安尼施·卡普尔

安尼施·卡普尔1954年出生于印度孟买，于上世纪70年代初搬到英国伦敦并开始艺术学习。不同文化背景中的生活经历，让他的作品被视为是印度和西方精神的结合；著名的公共委托项目和与社会时政相关的大胆抗议行为，让他频频出现在公众视野当中。

卡普尔毕业于英国霍恩西艺术学院和著名的切尔西艺术与设计学院，在这里他受到了现代主义和极简主义雕塑的影响。在早期的创作中，他常常会使用彩色粉末。这与他的印度旅行有关，比如1979年他在印度进行为期三周的旅行，当地寺庙仪式中所使用的彩色粉末给他留下了深刻的印象，他意识到这些彩色粉末可以用到雕塑的创作上，随后便回到英国的工作室创作了一系列颜料雕塑，并取名《一千个名字》，这一时期，色彩的运用对于卡普尔的创作有特别的意义，单一的纯色和抽象的形式表现手法成为他创作的重要语言，使得他和其他人的雕塑作品都不同。

《云门》

《天空花园》2013

20世纪 90年代，卡普尔开始用石头进行创作。他后来的石雕作品均采用立方体的石料，其中许多雕刻有孔洞，往往彼此呼应，对立统一，意为天与地、物质与精神、光明与黑暗、可见与不可见、有意识与无意识、男性与女性、灵魂与肉体。“最后，我想探讨的其实是我自己，并思索如何制造虚无。虚无在我看来是一个空白，而这种空白却又确实存在，即便它真的什么都没有。”

1995年起，卡普尔开始利用抛光不锈钢的高反射表面进行创作。这些作品都像镜子一样，只是用扭曲的方式反映着观众和周围的环境。在接下去的10年中，卡普尔的雕塑作品在尺寸和空间上越来越有野心。

比如位于芝加哥世纪公园的作品《云门》（Cloud Gate，2004-2006）是卡普尔的代表性作品。因为外形的原因，它被芝加哥人亲切地称之为“豆子”。“豆子”由多块不锈钢板高度抛光焊接而成，高达33英尺，重约110吨。它柔和简约的姿态唤起了人们内心温和的情感；反射出的变形城市景观又产生出超然的力量。卡普尔强调作品和周围空间达成的交流，而不仅仅是“豆子”本身。

还有完成于2006年的《天镜》（Sky Mirror）。这个悬挂在纽约洛克菲勒中心的直径为35英尺的凹面镜，仿佛纽约的一只眼睛，把城市景观尽收其中。

展览开幕式现场

此次中央美术学院卡普尔个人展中没有展示卡普尔的镜面作品，在11月11日太庙开幕的展览中，将会呈现一系列不锈钢与颜料雕塑，比如《S曲线》(2006)和《C曲线》(2007)等作品将被放置在太庙的中庭。《S曲线》是两片大型不锈钢无缝连接形成的“S”形雕塑，而《C曲线》则是一整片巨大的弧形不锈钢。两件艺术品两侧的凸面与凹面，则分别直映与倒映出周围的景象。围绕着这些作品的将是另一组卡普尔的重要不锈钢雕塑作品，包括《斯塔夫》(2013)、《非物体 (尖顶)》(2008)、《非物体 (门)》(2008)。这些作品皆呈现了颠倒的映象，将观众融于周边的建筑与环境中，挑战观者的感知体验。

开幕式合影

在太庙艺术馆享殿的两侧配殿中展出颜料雕塑。蓝色的《天使》(1990)和多形多色的《反射红色的一个私密部分》(1981)都会出现在此次的展览中。

当然除了巨大的赞誉之外，卡普尔也时常被质疑，比如2014年，国外一公司研发出了世界上最黑的物质，它可以吸收99.965%的可见光，以至于人眼无法识别看到的东西。安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）获得了它在艺术领域的独家使用权，也就是说，除了卡普尔，其他艺术家都不能使用这种颜色。消息一出就遭到了艺术家们的普遍反对。有艺术家质疑从来没有听说过一位艺术家可以垄断一种材料。

从这里也可以看到，卡普尔对于材料的敏感性，他曾经说：“空间不是虚无的，而是可以被感知的，空间是物质的，而且可以作为一种可供使用的材料”。所以在卡普尔在这里，一切都可以是他创作的素材。

安尼施·卡普尔以往重要作品图集：

Tall Tree and the Eye

Stainless steel

2009丨13×5×5 metres