2020年，伍伟在当代唐人艺术中心做了两个个展《异质》和《无阻》，一个在年初，一个在年尾，一个是偏重纯粹艺术语言的呈现，一个是伍伟对语言的推进和演化和对现实的思考，以及对整体方向的把握的展示。

这两场展览这也让我们对伍伟的最新实践有了完整的认识。

伍伟的作品中总是充斥著触感慾望，涉及文明、野蛮、神话的议题，在材料与空间中寻找新的感受和可能。

就像此次展览《无阻》中的大型装置作品《提丰》，以希腊神话中的巨神命名，此位敢与宙斯较量的失败者曾诞下了许多可怕的怪兽，同时展览中还呈现了另外一件作品《穷奇》，是一种上古巨兽，2016年他的个展《白泽图》、2019年的个展《龙伯》，都与神话有关。

《无阻》展览现场

对于伍伟来说，神话是人类最古老的想象力，也可以说是超现实主义的解读。他不希望对一件作品的解读是漫无目的的游荡。

“我想让观众走进一个想象的领域，在已有的故事逻辑中建立自己的理解框架。”

同时，他所传达的也并不是神话本身的含义，它只能是一个“药引”，最终作品所指向的还是现实。

就像作品《提丰》，运用的材料是汽车零件，“汽车背后所带来的速度、冲击、工业化、工艺美学，都是我选择它的原因，桑塔纳也是在九十年代进入中国的公用车型，具有时代感，在童年记忆里也是某种力量的象征。”

在展览中，除了装置作品之外，我们还可以看到他的架上作品，似乎在语言上变得更加的纯粹，而装置、影像等多种艺术形式的呈现，也使得他的创作看起来非常的多元化，对此伍伟讲到，自己的创作方式其实不同与现代主义的形式演练和推进，也不同于早期艺术家的概念先行，它不是核心化的，它更像一张拼图，他不断的在增加和调整内容，已有的点还在发挥作用，但是已经不同于之前的逻辑。在不断更新和连线的过程中，有可能触碰到新的范畴，以此来建立一个新的概念，而已有的概念像是一个基因，仍在推进的过程中继续生长。

《无阻》展览现场

“多元化也不只是在作品中体现不同的材料和形式，我希望它在如此多变的、不确定的外部环境中拥有持续的活力。”

而在策展人杨紫眼里，伍伟没怎么变过。

“语言纯粹和形式多元不是目标，它是一个过程。可能下一个阶段，伍伟的语言又繁多了，形式又单一了。他的不同阶段，都是同一个内核的变体。这不是说，他的每一步不充斥着挑战和刺激；而是说，保持一种运动的状态和自由，比‘纯粹’或‘多元’更重要。”

伍伟

伍伟：我想让观众走进一个想象的领域

雅昌艺术网：首先谈谈此次展览的背景，三月份在唐人做了双个展，此次是个展，此次个展对您个人来说有怎样的意义？

伍伟：今年实际上做了两个个展，3月份的双个展《异质》主要展出的是架上形态的作品，以及五组装置作品。上一次展览偏重纯语言的方面，架上的基本都是2019至2020年的新作，装置部分有以前作品脉络的体现。12月的展览《无阻》以装置为主，是一个完整的项目，我也为此准备了全新的作品，都是在2020年内完成的。《异质》是对个人语言的强调，让观众看到一种材料语言的可能性和独特的形态，属于基础工作，《无阻》则更具有观念性，也可以看到我对语言的推进和演化和对现实的思考，以及对整体方向的把握。

《提丰-20》，金属、纸张，146 × 125 × 15 cm，2020

雅昌艺术网：展览呈现的作品均为2020年新作，尤其是此次展览的大型装置作品《提丰》，谈谈这件作品的创作，首先是材料的选择，为什么是“汽车”零件？将纸制“毛皮”附着在汽车零件上面，一方面像是自然生长出来的，另外一方面又很像是异物的入侵，两种材料的结合和碰撞是如何考虑的？

伍伟：《提丰》这件装置作品，我采用了双线并行的叙事的方法。一条线是来自于“无阻”这个概念，美国社会学家理查德·桑内特（Richard Sennett）在《肉体与石头》一书中，讨论了城市几何学对人类身体的驯化，而“无阻”（Freedom from resistance）描述的是人驾车在公路行驶体验到的由城市所创造的某种“无阻挡的自由”，这种自由也令人类陷入“被催眠状态”的被动感受。汽车背后所带来的速度、冲击、工业化、工艺美学，都是我选择它的原因，桑塔纳也是在九十年代进入中国的公用车型，具有时代感，在童年记忆里也是某种力量的象征。另一条线，我把它命名为“提丰”，并把所有的零件拆卸下来，用突出的形态和皮毛赋予其生命感。而在形式层面，从空间置景的极简主义风格连接到中国古代的工艺美学，比如青铜器的饕餮纹，也连接到比工业文明更久远的原始时代。“提丰”来源于希腊神话中一位战斗失败的巨神，他的身体演化为各种怪兽。这种比拟的手法在我以往的作品中也曾出现过。

雅昌艺术网：除此之外，还有一件作品叫做《穷奇》，是上古神兽，像您2016年个展《白泽图》、2019年的个展《龙伯》，也是如此，为什么会对中外的神话这么感兴趣？您的作品想要给观众传达的信息是什么？

伍伟：神话是人类最古老的想象力，也可以说是超现实主义的解读。我不希望对一件作品的解读是漫无目的的游荡，我想让观众走进一个想象的领域，在已有的故事逻辑中建立自己的理解框架。从《白泽图》到《龙伯》再到《提丰》，所提供的都是这样一种方向，实际上作品本身也在沿着这个方向走，从材料、形态、色彩到作品背后的含义，“提丰”的悲剧感和破碎的身体，“龙伯”描述的是一群无知的巨人，“白泽图”展现了一个充满精怪的世界，而“穷奇”则是一个不断扩张不断吞噬的怪兽。从另一个角度讲，我所传达的也并不是神话本身的含义，它只能是一个“药引”，最终作品所指向的还是现实，《无阻》所要体现的就是这一点。

雅昌艺术网：展览中还展示了您的《分裂与聚合》、《缝隙》、《突出的形》等作品，相较于之前的个展有了很多不同的面貌，比如同样是架上作品，此次展出的作品在视觉语言上更加的完整和纯粹，能否谈谈这几年在创作语言上的探索和变化？

伍伟：这次展览中，所有的装置作品都是以一个具体的名字命名，比如“提丰“、”穷奇“，而架上作品都是以一种抽象的状态命名，比如”分裂与聚合“、”突出的形“，这是处于对整体概念的考虑。架上作品的边框更像是隔开的另一个空间，而装置与雕塑更接近于实体，也就是极简主义提出的媒介性，所以架上作品更像是想象层面，而实体空间的作品更靠近现实层面，就像是中国古代的帛画，有着明显的空间界限。另外，这次的架上作品尺寸更大，但是所呈现的反而是一种瞬间与直觉的状态，”分裂与聚合“的草图甚至是我在手机绘图软件上的随意勾画。架上语言的推进会自然的走向极致化，其实也不是所谓的”做减法“，形式的演变早在现代主义时期已经提供了很多种路径，我的工作不是闯出一条新路，而是在已有的逻辑下建立自己的系统。

雅昌艺术网：您的创作始于“书”，然后发展到“纸”这种材料的实验，这一过程是怎样的？是否与您开书店的经历有关？

伍伟：2008年我在老家经营过一家书店，主要卖一些艺术类和文史哲的书，当时应该是当地当代艺术书籍最多的书店。我个人也喜欢收集旧书，每天在那个氛围里，自然就想要用这种感受来做作品。与此同时，我也感受到了书籍和传统带来的充实感和压力，所以我的早期作品是用书籍作为材料，比如《藏书》系列，把原始的动物性和书籍的规制感结合。后来逐渐演变成印刷书籍的原材料——纸张，想要把书籍的内容去掉，指向更广一些，之后的《皮毛》系列作品即使是看不到书的形态，也都有这么一个线索，它跟阅读经验和历史都有关系。

“异质”个展作品 伍伟《皮毛》 ，纸，170 x 170 cm，2016

“异质”个展作品 伍伟《虎落-3》 ，纸，35 x 35 x 18 cm，2018

雅昌艺术网：从现在的作品，可以看出，您对纸这种材料的运用已经非常的熟练，也在不断的进行新的拓展，除了创作的形式、材料和语言的建构之外，您的创作思考的核心问题是什么？或者您在创作中想要解决的问题是什么？

伍伟： 我的创作方式其实不同与现代主义的形式演练和推进，也不同于早期艺术家的概念先行，它不是核心化的，它更像一张拼图，我不断的在增加和调整内容，已有的点还在发挥作用，但是已经不同于之前的逻辑。在不断更新和连线的过程中，有可能触碰到新的范畴，以此来建立一个新的概念，而已有的概念像是一个基因，仍在推进的过程中继续生长。多元化也不只是在作品中体现不同的材料和形式，我希望它在如此多变的、不确定的外部环境中拥有持续的活力。

杨紫：伍伟的不同阶段都是同一个内核的变体

雅昌艺术网：此次展览的主题叫做“无阻”，这个主题我们该怎样来理解？

杨紫：展览名“无阻”的英文是“Freedom from Resistance”。这是桑内特在《城市与肉身》的序言里面提出来的，大概说是我们生活在一个被精密计算过的道路系统里，开车的时候不用太耗神，但是也会令人神智麻木。按他的意思来说，这是城市对肉身的控制术。这个题目不是在说艺术家的工作方法，而是在为他的创作提供个总体的现实背景，也捎带着提示他这次是用汽车的框架做作品。

雅昌艺术网：为此次展览准备了多久的时间，有没有什么特别的经验？

杨紫：今年做了四个个展，基本都是2019年底或2020年初接手的。因为在香港M+艺术学人研究启动后，按照约定，我就没有再增加新的展览策划的计划了。“无阻”是这些个展中的最后一个。

雅昌艺术网：这是伍伟在唐人的第一次大型个展，在具体的策划上面您是如何考虑的？比如作品与空间的关系？作品与作品之间的关系？

杨紫：策划个展时，我的工作方法主要是通过一段时间的接触，猜测艺术家心底的想法。做决定就那么几个瞬间，但是要捕捉到那几个瞬间，要等待很久。去年在柏林的时候，我跟伍伟去看了汉堡火车站美术馆，看了很多极简主义大师的作品，Tony Smith，Carl Andre什么的，我们也聊了很多。这些人的作品对伍伟影响很大，也提供了某种空间的范式。但伍伟总是以自己的“误解”去解读他们，我想，这样很有效，很好。今年，我又跟他去了巩义的宋陵，开封的旧皇城，我想了解这些“误解”打哪来的。这些“误解”就是他的个人经验，他的成长经历，他的世界。这些决定了他作品和空间的关系，作品之间的关系。我是一个他的世界的后来者和观察者，只能说点“依据你的生长轨迹来看，你的作品应该或不应该被呈现为这般模样”这样的话。

雅昌艺术网：了解到伍伟在柏林的上一次个展《龙伯》也是由您担任策展人，对于伍伟的创作方式您是如何看待的？

杨紫：上一个展览之中，词语、能指和所指被突出了，物质性的部分反而减弱。这可能跟陌生的语言环境有关，在这样的环境中，表达和沟通显得特别重要，但总又是没法表达和沟通成功的。

雅昌艺术网：还有近几年他作品的变化，您又是如何看待的？比如创作语言的变得越来越纯粹，形式也越来越多元。

杨紫：在我眼里，伍伟没怎么变过。语言纯粹和形式多元不是目标，它是一个过程。可能下一个阶段，伍伟的语言又繁多了，形式又单一了。他的不同阶段，都是同一个内核的变体。这不是说，他的每一步不充斥着挑战和刺激；而是说，保持一种运动的状态和自由，比“纯粹”或“多元”更重要。

“异质”个展作品 伍伟《祥瑞 -1》 ，纸，150 x  150 cm，2020

“异质”个展作品 伍伟《祥瑞 -2》 ，纸，150 x  150 cm，2020

雅昌艺术网：在您看来伍伟的独特性在哪里？

杨紫：他找到了“纸质皮毛”这种语言，这种语言和他生活和学习的经历密切相关，也和他对神话的持续兴趣密切相关。以上这些种种，与此时此地我们的现实，有着晦涩却又精准的联系。