《临江绿道》是艺术家曾健勇（曾健勇艺术百科 曾健勇艺术指数 曾健勇艺术号）2022年创作的巨幅作品，2022年8月18日，在由壹美美术馆举办的其最新个展中，我们见到了这件宽度接近20米的作品，巨大尺幅的画面给观众以身临其境之感。

作品的内容是纯粹的风景，没有人也没有动物，传达出的意境非常幽静甚至是寂静。

在艺术语言上，曾健勇讲到，他在传统山水画中，提取了一种规则，用其来观察自然和表现自然。画面中的线条和形状遵从书法的结构方式，通过不断叠加穿插，形成连续的无限空间。试图采用这样的规则，来建构一种基于中国传统的抽象体系。

而这也是他创作中思考的核心问题。

除此之外，展览现场呈现的作品可以看到艺术家的创作，从平面走向立体，表达的方式非常丰富。曾健勇还在作品中放置了一些小型动物雕塑，增加了作品的趣味性和生动性。

曾健勇讲到，自己的创作就像是植物生长一样，先长出一个主干，然后分叉，慢慢就形成了现在的众多系列作品。

不管作品的形式如何，他给自己的指导思想是，“用水墨的方式，从平面到立体到空间，最后又压缩回平面，这时的平面跟最初的平面已经是不同形态的东西，这其中的关键是必须用水墨的方式来解决。”

展览现场

而这其中，自然景观始终是曾健勇表达的主题，他认为自然界的信息量特别大，不管什么样的人、知识结构、视觉经验，都可以在自然界找到与之相对应的东西。

“很多东西我们真的需要去自然界中寻找。”

走向自然，曾健勇发现自己变得更自由，对他来说，创作的意义便是在这里。

曾健勇，1971年出生于广东澄海；1994年毕业于国立华侨大学艺术系中国画专业；1995年结业于中央美术学院版画助教进修班。现工作生活于北京。

对话

雅昌艺术网：首先谈谈此次展览您最新的巨幅作品“临江绿道”。

曾健勇：我每年都会回老家过春节，基本上每天上午都会去我家附近的江边跑步。在创作“临江绿道”这件作品时，画着画着就发现，和我经常跑步的江边景色特别像，那条跑步道里有一个牌子就叫做“临江绿道”，所以就将这件作品取名叫做“临江绿道”。策展人在听完我的叙述之后，也觉得这个名字很有意思，就作为此次个展的主题了。

雅昌艺术网：正如您讲到的，观众在观看时，需要走动起来，就像身临其境一样，画面的营造上您是如何考虑的？

曾健勇：在作品的设定上，一开始是比较平静的水面，其中立着一些石头，然后过渡到比较茂密的树林，再然后开始有山坡和山路，最后到比较阴郁的深山里面。这件作品像长卷一样，观众在观看时必须走动，因此作品具有了时间性。

画面的前景会立着一些植物、石头，好像触手可及一样，古代山水画，很多都是远远地看，而现实生活中，如果我们拿相机拍摄这样场景的照片时，前景会将画面全部挡住，看不到后面的景物，所以，我在创作中需要解决好前景的触手可得和后面的连续空间，画面的结构问题是我重点考虑的。

《临江绿道》局部

雅昌艺术网：作品的画面给人一种寂静之感，没有人也没有动物，只有纯粹的景物，这方面您是如何考虑的？

曾健勇：画面确实是没有任何人为的东西，非常纯粹的野外景观。我故意抹去了人为的痕迹，一旦没有人、动物，其实就没有中心，作品也就失去了叙事性。

我在画面中表现什么呢？可能是空气、水气，天地之间的灵气，也可能是跟艺术本体相关的东西。比如笔墨、色彩、空间、结构、规则，我希望它必须足够强烈，能够让观众感受得到，从而进入到画面空间中来。

《临江绿道》局部

雅昌艺术网：在画面中可以看到一些黑色的石头状的物体，是否有特别的寓意或者象征含义在里面？

曾健勇：黑色石头在画面中确实显得很不合时宜，这是我有意制造的矛盾，很多时候画面太顺理成章了，反而不能激起观众去进一步的思考，在这里黑色和画面的温润会产生强烈的矛盾，在创作中，我经常会设定一些矛盾对立的因素在画面中。

水调歌·花下 180x140cm 2022 

雅昌艺术网：风景是您创作非常重要的主题，为什么会对风景如此钟爱？作品的创作是否与疫情有关？

曾健勇：疫情之前，我就已经在探索风景、山水等主题，疫情期间这种探索变得更加专注。

疫情期间隔离成为一种常态，自然与这种封闭的人造空间形成更为强烈和鲜明的对比，对于自然的需要也更为强烈，几乎成为一种本能的自觉。

更为具体地讲，风景题材的创作与我的一次旅行有关，当时是在日本旅行，住在一个民宿中，早晨起来之后，被眼前的景物所吸引，民宿的边上有一条小河，远处山峦起伏，我走在乡村道路上，树木不是很密，地上长满了青苔，那种感觉特别舒服。

这种稍纵即逝的体验是很可贵的，有的时候必须有意识地去抓住它，并且不断地强化，再去寻找类似的体验，或者不断地去回忆，强化这种体验，然后将其转化为创作。

雅昌艺术网：您众多风景作品的命名都叫做《诸野》，有什么特别的含义吗？

曾健勇：风景系列作品大部分叫做《诸野》，与孔子相关，礼崩乐坏的时候，我们要去民间寻找，我会把诸野理解为大自然，我认为自然界的信息量特别大，不管什么样的人、知识结构、视觉经验，都可以在自然界找到与之相对应的东西。很多东西我们真的需要去自然界中寻找。

雅昌艺术网：此前的展览中曾讲到，您在传统山水画中，提取了一种规则，用其来观察自然和表现自然。画面中的线条和形状遵从书法的结构方式，通过不断叠加穿插，形成连续的无限空间。试图采用这样的规则，来建构一种基于中国传统的抽象体系。这方面能否展开谈谈？

曾健勇：西方艺术从塞尚开始到现在，一直在试图揭示视觉的本质，建立一种新的规则出来，并且把这种规则推到很高的高度。

中国传统艺术基于书法审美，最终会走向哪里？可惜的是我们的历史中途急转弯了，看不到那个结果。

我后来从徐渭、八大、石涛的创作中感受到，他们已经开始有自觉性，对我自己来说，我更看重的是传统艺术中所呈现出来的某种规则，就是基于书法不断通过线条形状的穿插重叠，形成一个连续空间。

这样的描述不好理解，我后来找到一个概念，就是“灰空间”，通过“灰空间”充当中介，我所采用的空间法则就好理解了。

传统建筑的亭子能够准确地表达这个“灰空间”概念，四根柱子加一个顶，中间形成了空间，但似乎又没有这个空间，介于实体空间和虚拟空间之间的状态，我的画面就是到处营造这种空间。

在这样的基础之上，不断地推导，有没有可能像西方艺术发展的那样，形成抽象艺术的体系？

目前来讲，我通过这套方式和规则来观察自然和表现自然，发现自己变得更自由，对我来说，创作的意义是在这里。

雅昌艺术网：这件作品的尺幅非常巨大，您在创作中是如何把控整体的节奏以及画面关系的？

曾健勇：要有精密的工作方法，要花很长时间来实现它，并且必须成功。

雅昌艺术网：大画的创作在您看来最重要的是什么？

曾健勇：作品不是为了大而大，大不是简单放大和重复，这种时间性和景物的过渡是为了形成作品的节奏感，而这种节奏感大型作品创作最重要的。

雅昌艺术网：在您的创作中，从平面走向立体，表达的方式非常丰富，这方面您是如何思考的？

曾健勇：创作就像植物生长，先长出一个主干，然后分叉，慢慢就形成了现在的众多系列作品。

我自己给自己的指导思想是，用水墨的方式，从平面到立体到空间，最后又压缩回平面，这时的平面跟最初的平面已经是不同形态的东西，这其中的关键是必须用水墨的方式来解决。

山水隔 之五200x200cm 2021

雅昌艺术网：您的作品中还出现了一些建筑空间，关于空间的营造您的思考是什么？

曾健勇：这些作品属于七巧板系列，是对居住环境的思考，尤其是疫情对人们的影响，可以看到作品中都有一个建筑的外形，里面嵌套了一些室内室外的景观，探讨的是人造空间与自然空间之间的关系。

雅昌艺术网：此次展览，您想给观众传达出来的信息或者感觉是怎么样的？

曾健勇：我希望作品是似有似无的，笼罩在观众周围。

雅昌艺术网：此次展览在壹美美术馆举办，从美术馆空间和这次与美术馆合作的角度，谈谈您对壹美美术馆的看法？

曾健勇：壹美美术馆的空间很有意思，有很多窗户，将室外空间和室内空间联系起来，此外还有很多的拐角、通道，与常规的白盒子空间不一样，为想象力发挥提供了非常好的空间。

作者：陈耀杰