【编者按】艺术跨界在当下成为越来越普遍的现象，尤其是与商业品牌的合作，艺术家从最初的排斥到接触再到深度介入，从另外一方面打开了艺术的另一扇窗户；当下众多的跨界行为，对于艺术家来说，更多是一个纯艺术项目，只是其中有商业的支持和更为便利全面的推广模式。艺术家仍然是将此视为自己的艺术作品，很少有艺术家会为了应和商业的要求而跳脱出自己一贯的艺术线索，或更换自己的艺术符号。另外一方面，对于品牌方来说，商家已经不局限于仅仅是撷取一个艺术家的作品元素挪用其中，尤其是具有悠久历史的品牌，本身就会有艺术收藏的体系，对商品未来的判断同样适用在艺术品上，人们往往关注的是品牌在合作如何花费巨大，而忽略了，跨界行为本身带来的文化效应以及商业效应，其实，更为深层的是，是双方社会公益形象的展示，以及品牌未来发展的决心展示，他们是在给自己的产品赋予情感和生命力，也在为消费者提供关于未来的可能性， 这意味着消费者会更加忠实地追随。

在全球经济正在发生巨变之下，艺术品行业从学术到市场，必将发生深刻的变化。画廊作为业界持续性发展的基础，在疫情对市场的强情影响下画廊的升级和突破被广泛关注。雅昌艺术网画廊频道从“画廊展出作品的公开价格”为契机，深入探讨“画廊的购物心理”、“画廊线上交易模式”、 “画廊价值判断” 、“画廊的品牌合作”、“画廊服务—艺术品保护和修复”等五个系列主题。此次聚焦艺术家跨界与品牌合作的价值，希望通过梳理，能对行业起到有益的作用。

高孝午与西单大悦城：另一种替代性空间

“追溯和高孝午老师的合作的渊源，还是去年5月在我们现在举办活动场地大悦酒店换新开业的时候，高老师的“我们这一代”系列作品，落展在我们一层，所呈现出鲜明的个人风格和极富探讨性的创作立意，和西单大悦城的艺术审美主张不谋而合。”西单大悦城总经理助理宋莹讲到。

8月14日，“动静2020——高孝午新作发布展”在大悦酒店八层中庭举行，艺术家高孝午发表新作不倒翁《梦想-鼠》 ，该作品是高孝午以十二元辰首位图腾为发端，在2013年《十二因缘》系列探索基础上，对生肖图腾进行进一步解构和再演绎，实践传统文化的转化和“再生”，力图发挥艺术作用于社会的最大有效性。同时也是其跨界合作的又一次尝试。

艺术家高孝午

宋莹表示，今天我们又相聚这场新作发布会，一方面是为大家带来高老师在2020年动荡充满不确定性的特殊年份中，新的艺术思考与实践成果。另一方面也是为了进一步促进商业空间和艺术的跨界融合和互动，艺术不只是艺术馆里的艺术，我们需要打破业界壁垒，架起商业和艺术间的桥梁，是艺术拥抱大众的必然选择，同时也是未来商业发展的趋势所在。

高孝午 不倒翁 《梦想-鼠》 260x260x350cm  2020

在他看来，早期艺术融入商业，只是作为装饰商业空间的附属品，我们的目的是更深入的进行艺术的普及，将艺术家推广出去，将好的艺术带到大众的面前，在过往的尝试中，我们重视平衡学术与商业的双重标准，将艺术的美感传递给年轻的消费者，与他们产生思想上的碰撞和连接，打造西单大悦城的商业美学，我们还需要做更多的尝试。

“虽然说西单大悦城只是在去年刚结下的缘，但是从我的艺术的创作状态来说，应该是很早，我们都应该认识了，这种认识是一种共同价值观的认识。我最早期，03年来北京，04年办了第一个个展。”艺术家高孝午讲到。

展览现场

他觉得在户外的公共空间，当然那时也没有那么多条件，对其来说反而转换成了一种新的展览可能性。因此当时的他选择在大家最关注的一个具有商业性，又有文化关注的项目——北京建外SOHO，举办第一个个展。这让他解决了很多问题，“首先我的作品得到了很好的展示，第二，解决了我对未来艺术新方向的一种思考。从那之后，艺术与商业的这种结合，成了我创作意义本身之外，一直希望能产生更好连接的一个关系。”

高孝午谈到，自己属于那种比较不在体制里头运作的一种艺术状态，他说的体制不仅仅是某一种体制，是各种圈层的概念。高孝午更希望的是一种更自由的状态。

高孝午 不倒翁《梦想-鼠》 不锈钢 50x50x88cm 2020

“对我来说，在整个大的社会里，可能性就太丰富了。这种社会空间，我觉得从创作本身出发，我首先思考创作的交流人群，应该是大众人群，是每一个人。我们不讲圈内圈外、专业非专业，或者讲所谓‘高级’与‘初级’的这种区别，我希望是很平等的方式的交流。因为我一直需要别人对我平等，所以我更希望把艺术更平等地带给大家，大家看这个作品也能很平等的一种心理。然后跟作品发生关系，大家站在这个空间，自己也会觉得就是芸芸众生里平等一个人的这种心态。提出平等的角度去看待自己，看待别人。这个就是对空间的要求，我灵活地去跟空间发生关系，也给自己提供更广阔的一个可能性。”

同时，这也是高孝午跨界与不同品牌合作的初衷，作为中国雕塑界的中坚力量和中国最早也最重要的 探索艺术在公共空间诸种可能性的艺术家之一，高孝午可能是当代艺术家群体中最懂得邀约大众参与的创作者。近年，他的作品正逐渐从北京侨福芳草地、中关村腹地、上海 K11、杭州西子湖畔、新加坡翠城新景等国内外知名公共空间传播和辐射到更广大的空间和社会领域，与更多的人分享和探讨“凡人艺术”。

梁远苇与劳斯莱斯：真正凸显价值的是对文化的坚守和传承

提起劳斯莱斯，你会想到什么，贵?奢华?壕气?似乎很难和文艺挂上边，其实劳斯莱斯也很有文艺范儿，尤其是第八代最新款劳斯莱斯幻影，其提出的“艺境藏珍”画廊概念，打破了汽车仪表台一成不变的设计理念，这种改变会给汽车界带来怎样的触动很难去预测，但可以肯定的是，劳斯莱斯在“将最好变得更好”的道路上又往前迈进了一步。

艺术家梁远苇作品《秋的调色板》

2017年劳斯莱斯发布的第八代幻影，在最新的设计中提出了“艺境藏珍”画廊的概念，全新幻影的仪表台由一整块密封玻璃覆盖，在这里车主可以随心所欲的展示自己心爱的艺术品，再加上劳斯莱斯全球高端的私人订制功能，不禁让人浮想联翩。

劳斯莱斯汽车设计总监贾尔斯·泰勒称：“全新劳斯莱斯幻影仪表台区域由一整片充满简约之美的玻璃覆盖，衬托出该区域简洁、匀称的线条。这片玻璃密封并延伸至整个仪表台，带来宽阔之感。它位于车内前部中心区域，成为全新劳斯莱斯幻影内饰的视觉焦点，为艺术作品提供了完美的展示空间。用这种方式处理的玻璃区域为保护以及展示艺术作品提供了前所未有的可能性，这是我们将之命名为‘艺境藏珍’画廊的原因。”

为了实现这一构想，劳斯莱斯邀请世界上不同国家的艺术家以及工作室来一同完成这项创举，比如中国艺术家梁远苇（合作机构：北京公社），她会专门为“艺境藏珍”画廊创作油画作品，这也是中国艺术家第一次参与合作。

梁远苇 《生活的片段16》，2008年，亚麻布上油画，160 x 190厘米

谈到合作时，梁远苇讲到，劳斯莱斯汽车有自己的艺术顾问，他们在中国区的艺术顾问是一位德国策展人Christoph，他也是一个艺术编辑，对于中国和欧洲的文化艺术生态很了解，知道如何将合适的项目跟合适的人连接到一起。是他促成自己和劳斯莱斯的这次合作。

合作之前，梁远苇没有乘坐过幻影，只看见过外观，对它的了解主要来自于文学作品和社会资讯中。当她参观了劳斯莱斯工厂，也见到了全新劳斯莱斯幻影，给她最大的感受是，知行合一，劳斯莱斯将这种价值观渗透到了车的每一个细节，皮革也好，饰板也好，包括发动机，所有的东西在表达：为什么这么做，而不那么做?一旦采用了这种方式，他就必须要求自己既有传承，又要开放，才能一直保持这种独立性。

另一个就是品牌文化，这么多年来，劳斯莱斯一直与每个时代的文化紧密相连，这种开放性也是特别有趣的。英国文化其实是多元化的，例如甲壳虫乐队的时代，劳斯莱斯也介入了迷幻文化的构成，其实文化就是因为一个又一个坚信自己价值观的个体，不断践行，成为一个又一个的标志点，大家再互相地发生影响，从而形成了一种生态。

梁远苇 《Untitled 2014.1》亚麻布油画  100x80cm 2014

梁远苇觉得特别有趣的是在劳斯莱斯工厂里，看到了像艺术家一样的工程师形象。他们有很多部门，每一个部门就像一个艺术家工作室一样，那些工程师跟我一样很安静，只是大家的工位要稍微小一点，组合在一起就是有很多艺术家的工作室，这种方式就是像在创作艺术作品。

关于“艺境藏珍”，艺术家梁远苇在谈到时表示：“这一代幻影和上一代相比有很多新的东西，其中特别突出的一点是增加了‘艺境藏珍’画廊。劳斯莱斯在全世界甄选了7位艺术家、设计师和艺术工作室，我们相当于在做一个范例，去启发全新劳斯莱斯幻影车主的灵感，他可以选择自己喜欢的艺术品放在这个车里，然后车的其他元素可以和这件艺术品发生一个互动，我跟设计师在聊的时候，他告诉我，这幅画拥有这些颜色，那相应的车的座椅，所有的饰板，车身颜色，都和作品是有联系。我觉得有趣的是这对车主的艺术鉴赏力提出了很高的要求。”

梁远苇《石榴》纸上口红，21X21cm／每幅 35幅一组 2011—2012

其实，这些艺术作品只是给全球的车主，劳斯莱斯收藏家们一个范例，让他们知道什么样的作品可以放到车里去，甚至在这个基础上还可以扩大到什么样的高级定制。因为“艺境藏珍”画廊中这七个艺术家的作品属于全新劳斯莱斯幻影最高级的定制形式。据劳斯莱斯中国区企业传讯高级经理许娜讲：“全新劳斯莱斯幻影有五个比较大的变化，这是它最大的一个变化，也是和劳斯莱斯百年历史上最有噱头的一个卖点、Bespoke高级定制相关的。这次我们把高级定制做到了一个极致，一个价值的体现，也就是希望我们车主对艺术、对文化有一定的鉴赏力，这本来也是奢侈品的天赋属性。这就是奢侈品和其他高价品的差异，它必须要有一个精神和文化的领导性，就像贾尔斯当时说的，不是迎合大众，是让大众走向我们。因为我们一直在坚持的过程之中，有这么一个标准在里边，所以可以保持这个价值百年不变。”

而关于创作，梁远苇在谈到时表示：“这件作品是在时间中慢慢浮现的，观者会和这件作品相处比较长的时间，所以它需要提供有层次的东西，让观者在这段时间里不断地体味出一些东西。作品形式是一件狭长的横幅，我第一感觉像中国古代文人所欣赏的长卷，从一边到另一边逐渐展开，慢慢的去阅读，这是很特别的。在仪表台的这个位置，驾驶者、副驾乘客和后排乘客，由于所处的位置不同观看到的角度都不一样，阅读这件作品也是一个不断展开的过程。所以这件作品完成后是有一个阅读方向的，有具体到抽象的变化，它里面有具象的形，也有色块，仔细观察你会发现它是具象的，但整体上又是抽象的。色彩方面有很多对比的关系，但又不那么强烈，有一些东西反复出现，但你会发现这些对比的强弱是不一样的，就像欣赏音乐作品的时间性 。欣赏这件作品是一个阅读的过程，与时间的流逝有关，也是我坐在幻影里看窗外景色变化的感受。你对事物的认识是在经历了一个过程之后产生的印象，而不是一望即知。”

艺术家梁远苇

在梁远苇看来，车就像一个美术馆，包含着这幅画，是在配合车主如何将自己的艺术观放进车里：“当时我跟劳斯莱斯设计师交谈的时候，他告诉我这辆车的所有色彩会从我的作品里面来提炼，这个概念超脱了传统意义上对于汽车的概念，将艺术在与工业的关系中推到了一个最高的层面。”

对于劳斯莱斯尤其是其旗舰幻影来说，真正凸显其价值的是对文化的坚守和传承。就像艺术家梁远苇所讲到的那样，劳斯莱斯是一个有悠久历史的品牌，拥有极大的影响力，劳斯莱斯幻影不仅仅是一件工业产品，也是人类文明史的一个文化符号，参与建构着社会的价值观，这都是非常特别的。

在她看来劳斯莱斯是在引导观众去理解它的历史和价值观。为何劳斯莱斯将艺术放在一个这么高的位置，不是强调汽车工业的速度、强调体验荷尔蒙爆发的感觉，而是让你去体验文化的脉络和自我情感在可视的形式中浮现?她觉得很少有品牌有自信去这样做。这种自信也是她在这次合作中深刻体会到的一点：“价值观和形式的结合，这点很难做到，我也一直在实践。这意味着你看到的形式不仅仅是形式，它既有文化脉络的传承，另一方面也是个人感情的渗透，这是两个平行的线索。要理解它需要你本身对于文化有认识，还需要打开感官敏感地去体验这些情感。”

还有另外一方面就是品牌文化，这么多年来，劳斯莱斯一直与每个时代的文化紧密相连，这种开放性也是特别有趣的。英国文化其实是多元化的，例如甲壳虫乐队的时代，劳斯莱斯也介入了迷幻文化的构成，其实文化就是因为一个又一个坚信自己价值观的个体，不断践行，成为一个又一个的标志点，大家再互相地发生影响，从而形成了一种生态。

曹斐与宝马：为艺术家带来更好的发展

2017年还有另外一位中国女性艺术家，与宝马艺术车开启了第一次的合作，她就是曹斐（合作机构：广东时代美术馆、A4当代艺术中心、维他命艺术空间、东京画廊+BTAP）。

曹斐第一次接触BMW艺术车的项目是在2014年的夏天，UCCA的田霏雨馆长将艺术车的项目介绍给她，并告诉她成为了下一辆BMW艺术车的创作者。当时曹斐并不了解这个项目，对于这个消息她的情绪从刚开始的懵懂，到惊喜，再到不解。

艺术家曹斐与第18辆宝马艺术车

安迪·沃霍尔、利奇滕斯坦、大卫·霍克尼、杰夫·昆斯（Jeff Koons）……从BMW艺术车的历史可以看到，宝马艺术车的美学风格经历了从极简主义到波普艺术，从原生艺术到观念艺术的演进与变迁。曹斐对能够成为艺术车的创作者感到高兴，但她又对BMW选择她的这个决定感到不解。“一般汽车的项目都会选择与男性艺术家合作，汽车的刚性与男性艺术家所表达的艺术有着某种天然的契合度。”曹斐说，“另外作为我个人来说，我没有车，没有驾驶执照，也不会开车。在这种状态下，如何找到与BMW汽车的结合之处，是我首先要解决的问题。”

曹斐与宝马的合作，是由全球12位杰出博物馆学者、馆长组成艺术顾问团，受宝马集团委托，经过慎重谈论最终选定的。对于这一决定，艺术顾问团也充满了信心与期待：“我们对两位艺术家非常有信心，相信他们独特的艺术表现力能够令BMW艺术车更加精彩。曹斐是中国非常具有潜力和胆识的新一代艺术家，我们非常期待她设计的第18辆艺术车能够充分表达出她那些天马行空的艺术创造力。”

宝马集团全球文化事业总监顾仕德讲到：“选定艺术家最终是由12位艺术馆馆长和策展人组成独立的宝马艺术车评审团决定的，前Tate Modern 馆长Cris Dercon就是强烈推荐曹斐的评审之一，他们认为曹斐擅长在不同维度进行艺术创作。BMW虽然没有参与决策，也很高兴与中国艺术家进行首次合作，期待她所带来新的惊喜。”

宝马艺术车

BMW之前合作的艺术家，大多数都有丰富的驾驶经验，并且有些艺术家本身就是汽车的爱好者。如上一辆BMW艺术车的创作者杰夫·昆斯，他是BMW汽车的粉丝，热爱汽车在路上驰骋的驾驶感和速度感。他所创作的艺术车强调了汽车的速度，由车头向车尾延伸的彩色线条将无形的速度视觉化。艺术家们作为驾驶者，用艺术的方式展示了他们的驾驶体验。

曹斐认为相对于其他艺术家的驾驶体验，她与汽车的关系就是作为乘客的体验。这是一种新的切入角度，她与汽车有着一种若即若离的距离，从这个距离出发也许能为BMW艺术车带来新的思考。

2005年艺术车的艺术家奥拉维尔•埃利亚松(Olafur Eliasson)是唯一在艺术车的创作上，没有展现宝马标志的艺术家。他把汽车的外壳去掉，铺满钢管的外壳，通过化学反应形成一层冰柱覆盖的“外衣”。埃利亚松以这样一种独特方式将高级汽车技术和工业设计下的产物变成了一件艺术品，反映出机动性、资源短缺性、可再生能源以及汽车生产与全球变暖之间的关系。艺术家通过他的作品，呼唤人们对未来以及能源的影响，同时也提出了关于如何保护美丽自然环境的思考。

第18辆宝马艺术车

曹斐也创作了一件“看不到”的作品。

VR影像技术是曹斐运用在创作的重要媒介，“我尝试用影像的方式去关注车的本身，而不是一个驾驶者的角度，我将汽车视为一个移动空间，通过这个空间去挖掘我与城市、社会的关系，形成一种电影感。”

她的作品里包含了很多她对社会、生活的观察，通过车这个移动空间展现了中国人的生活方式。她在做整个项目时，并没去思考如何处理汽车的表面，而是思考如何将整个社会的观察融入作品中。曹斐希望让艺术车的观看、分享用一种新的方式去转换，而不是只在车的表面做文章。

“过往艺术车中的绘画多是基于汽车表面的处理，在我接受这个项目时，思考第一反应就是是如何突破表面的处理。在新的技术环境下，用符合本时代的媒介去表现，而不再局限于过去。这同时设置了更高的难度，首先涂装车身变成不反光的哑光黑色、再用VR技术进行绘画、最后转换到AR增强现实交互的移动应用程序中。试想在隔了很多年后回顾时，我们能看到宝马艺术车历史上一个时代的划分——我们曾经历了一个怎样的技术时代。” 曹斐讲到。

她曾被邀请到华晨宝马的工厂，观看汽车的生产。关于工厂，曹斐的作品中经常用工厂来表现中国的社会发展，而在这次的BMW艺术车项目中，工厂有着同样的意义。并且她融入了亚洲人的宗教思考与移动空间的关系，通过VR影像去了解中国更深层次的文化内涵。

而在顾仕德看来：“BMW投入艺术预算的初衷是为了树立品牌形象、融入当地文化，能够给优秀青年艺术家带来好的发展，是我们最希望看到的。”