"澄明·可染：朱可染作品展"近期在蓝顶美术馆顺利举行，也借这次的作品展的契机，她向世界交出了一张焕然一新的答卷，展览中包含了她的新作品《水何澹澹》和《云卷‧云舒》系列；如果你了解过她以前的作品如充满了文学叙事，有象征性的《物‧象》系列、《浴室》和《失乐园》，你会发现，现在她从日常图像转向了对大自然中的抽象性的关注。在中国古代的文人画中水、云、松是比较常用的题材，由此让我们会想到南宋马远的《水图》，日本艺术家杉本博司拍的《海景》系列，前者成为宋画传世的一种经典美学范式，后者成为当代摄影的重要作品，无论古今都会有艺术家用作品对这个永恒的自然题材去表达敬意。促使这个转变产生的原因是什么呢？不禁让人将这份转变与今年的“新冠”疫情联系在一起；张小涛老师评论说：往往人在一个孤独和封闭的环境中隔离其实是很烦躁，甚至是极度压抑的囚禁感，才会让她避开世俗化的物象符号，从而走向更加内心化、抽象化的一种表达，这就是从外部图像世界转向心理世界的变化，她的绘画变得超然物外，褪尽了人间的繁华，走向了朴素与极简。她的老师何多苓曾说：我在她的画里看见了想看见的东西。所以，不管有没观念，这是一幅好画。有人会说，画面上只有一个女孩，或站，或坐，或躺，或跳跃，如此而已。但我读到了更多的信息。凝重的表情，清冷的色调，白色的衣裙，纤细的手指，都指向一个个谜底。这还不是我所看到的全部。作为一个专业人士，我要看出这一切是如何画出来的，每一个笔触的精微与粗疏，每一根线条的得与失。我偏爱有这些信息的画。我认为，这样的画有血有肉，过程与结果融为一体。即使还未能完全做到，至少看得出作者有此动机，历经一番挣扎，不是光靠脑洞大开，而是穷尽内力方能画成。我自己是这一类画家，所以偏爱这一类作品。我还喜欢一句话:风格即所有技穷之处的总和。对于创作这一幅画的初衷是什么？当被问到《失乐园》时的创作缘由时，朱可染这样说到：“画中的旋木是真实存在的。“创作源于她的一次经历，有一次她开车翻越龙泉山，在山顶上无意发现了这座荒废的旋木。走近一看，上面爬满了藤蔓，一股忧伤油然而生，在夕阳的余晖之下，那一瞬间触动了她。于是把它画下来，纪念她逝去的童年。朱可染说：“我画的每一幅画都跟自身的经历是有关的。”她我的作品跟她个人的状态有关，不愿把自己的作品过于符号化，她希望观众首先看到一幅好画，而不是在说故事，看符号。因为她相信，好的作品都是会引起共鸣的，会在某一点，某一刻引起的颤动。石光华老师曾评论：在朱可染的作品中，我确实看到了生命的细微、弱小、羞怯、不安。来到世界，又怕被世界所伤。但是，我也从中看到了生长，看到了青春对世界的询问和渴望。即使，这种询问和渴望，是小心翼翼的。那时，无论她的纸本素描，还是布上油画，虽然，她总是用很细腻的叙述，让呈现缓慢下来，色彩低调下来。我依然能够从中听到明亮的声音，细致倾听，轻声的诉说中，柔软而有力量。朱可染曾经不断地柔软地打动我们，那是一颗虽然在压抑之中，但是，在出现，在来到，在生长的心，感受着世界。大家总会不经意间把“柔弱、敏感、唯美”这些词理所当然地放在女性艺术家身上，尽管事实如此，却不是所有的事实。如果没有非同一般的硬朗和坚决，女性艺术家的创作怎么去维持一个不错的状态？她们执迷于在个人的精神领域中深耕，较之于男性，未尝不是更加开阔。她们给人以锋芒的印象不多，但在不容退步之处，也更加勇敢和深情。什么样的绘画才能在艺术史中传世呢？绘画和今天的生存经验与文化现实有什么关系？观念性绘画是对绘画边界的拓展，是一种解放，是一个颠覆的过程，而我们解构经典以后究竟要建构什么新的美学范式？更多的问题与思考，让我们以面对面交流的形式探讨；在11月15日与大家在言几又成都IFS店展开一场关于艺术与创作的分享；届时到场的嘉宾还有：石光华老师、何多苓老师、谢礼恒老师；
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开放时间：
周二至周日 10:00 - 17:00（17:00停止入馆）
周一闭馆（节假日另行通知）
门票 20元/人/次，持学生证半价
导览讲解费额外收取
地址：
新馆.成都蓝顶艺术区 二期
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蓝顶三期工作室
作者：成都蓝顶美术馆
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