中国艺术研究院青年艺术家推荐计划（第二批）

学术主持：中国艺术研究院创作委员会

主办单位：中国艺术研究院创作管理处

参展艺术家：（按姓氏笔画排序）

丁 鼎   尹思文   边 涛   刘 瑶   刘少宁

任 赛   孙逸文   苏 睿   李 振   张 冕

陆 璐   洪方舟   徐 端   皋 翱   韩 昊

前    言

韩子勇

（中国艺术研究院院长、中国工艺美术馆馆长）

弦歌不辍，薪火相传。中国艺术研究院汇聚诸多文艺名家，在党的坚强领导下，筚路蓝缕、跋涉挺进，勠力践行“百花齐放、推陈出新”七十载，赫然树起“前海学派”旗帜标范。新时代、新征程，青年艺术家坚持以人民为中心的创作导向，潜心治艺、精研深拓，倾情赓续前辈先贤优良艺风，逐步成长为颇具探索精神的创作生力军。

青年和艺术都令人回味。古今中外的优秀文艺作品大多是艺术家在青年时期创造出来的。艺术的生命力是人赋予的，青年是人生四季生命力、创造力最旺盛的时期。艺术天然地和青年站在一起，青年也最需要援助，援助青年艺术家就是援助艺术的未来。

“青年艺术家推荐计划”（第二批）遴选院内十五位青年艺术家。其中，苏睿、刘少宁、陆璐、李振以笔墨为媒书写世间百态、传递人性温暖、展现生命哲思；刘瑶、洪方舟、丁鼎以女性特有之敏锐赋予人物、自然以别样的状貌与意涵；任赛、韩昊外师造化、中得心源，在笔彩墨韵中营造出烟霞圣境、桃源仙梦；边涛于现实中寻找浪漫，孙逸文在变迁中发掘永恒，皋翱关注物象本身的精神，尹思文探索抽象语言的秩序；张冕在制造悬浮理想国的同时不忘现实根脉，徐端在漆艺与雕塑的融合中开辟新路。此次系列展览涵盖了国画、油画、雕塑等多个创作门类，以线上展览为窗口，以艺术作品为主体，并辅以个人纪录片和文本阐释，以期综合、系统地呈现青年艺术家们的成长轨迹，艺术理路和创作心悟。

本展是对中国艺术研究院青年艺术家植根传统、立足当代、面向未来、探索创新有益尝试的集体检阅，更是他们新时代勇攀艺术高峰接力出征的号角宣言。“展望未来，我国青年一代必将大有可为，也必将大有作为。”期待新青年们以此为新契机，续写“艺术前海”华彩篇章。

谨呈佳作，以飨观者。

青推计划系列个展

“李振作品展”

李振，中国艺术研究院美术研究所学术秘书、助理研究员，中国美术家协会会员，中国工笔画学会会员。2006年毕业于中央美术学院中国画系，获学士学位；2010年毕业于中央美术学院中国画学院，获硕士学位，导师田黎明先生；2010至2014年就职于中国艺术研究院研究生院美术学系；2017年毕业于中国艺术研究院，获博士学位，导师田黎明先生；2017至2020年为清华大学美术学院博士后，合作导师刘巨德先生。

点击观看线上展厅

我的创作画得比较虚淡，这其实是一个视觉和内心捉迷藏的游戏。在一幅作品开始之前，我常常在想画面如何与当下对接，当试图去接近情感的真实，就需要一层层剥离开现实的表象。在画面湿的时候一笔一笔画出，皴法、染法被水逐渐消解掉了视觉痕迹，笔墨本身是内心的观照，那么对于笔墨痕迹的剥离或许会更加专注于情感的真实体悟。应该说创作过程是时间的诉说，在虚构的情境中去逐渐建立真实的幻象，那么这一切也将在虚幻中一步步趋于饱满。画面不是时间的凝固，而是流动的印迹，它所承载的也应该是流动的思绪和诉说。

此次展览展现了我对笔墨的探索足迹。

第一展厅为近年新作，力求更加概括的形象和明确的氛围，在明晰的墨色与线条变化中寻找更加坚固的意义指向。

昼 绢本水墨 122×50cm 2021

晨曦 绢本水墨 240×200cm 2021

第二展厅以前些年的创作为主，画面以探讨人与空间的关系为主，进而探讨人处于都市的生存状态。

不欲 纸本设色 138×138cm 2016

第三展厅以水墨作品为主，通过墨色的交织、碰撞、叠加，构建一种水墨特质，在此中探索水墨语言。

黑手套 纸本水墨 57×69cm 2018

白夜 纸本水墨 110×68cm 2016

第四展厅的作品是读博士研究生期间的探索，从学院写生到创作需要一个重构的过程，这其中有延续，也有大胆的抛弃，在进入创作状态的时候，才能更加明晰自己的优势与不足，才能更加明确接下来的学习重点。

清屏 纸本设色 68×65cm 2015

第五展厅是近些年的风景探索。风景对于我来说没有太多负担，它是纯化绘画语言的一个手段，借由风景的创作，不断探索和提纯在人物画创作中积累的经验，正是这种轻松状态，收获了一些意外。

夏日牧场 纸本设色 50×139cm 2015

清澄 纸本设色 131×204cm 2016

清朗 纸本设色 130×180cm 2018

第六展厅的作品是以学生阶段的课堂写生为主，写生时锻炼造型和笔墨的重要过程。在田老师的指导下，通过写生进而探讨艺术本体的诸多问题，是接下来进行创作的根基。

人体写生 纸本设色 139×69cm 2008

鄂伦春人家 纸本设色 200×134cm 2012

第七展厅是平时的花鸟画练习，因学画之初是从花鸟画入手，所以在创作之余会经常以花鸟画来练笔，花、鸟、树、石等在传统中有着诸多的经典要素，通过花鸟画的创作能更直观地吸收传统中国画的经典要素，进而滋养人物画的创作。

望 绢本水墨 110×52cm 2021

在整理展览作品的时候，要求每幅作品都要写一段简述，开始很迷茫，但随着每一幅作品的梳理，反观当时创作的状态、思考，很多问题便明显的浮现出来，这是一个集中整理的过程，也是一个集中反思的过程。如何面对中国画根深蒂固的某些要素，如何面对中国画安身立命的根本，如何面对当下，如何面对多元文化的知识系统，如何面对自己的内心，诸多问题不得不去思考，也不得不去解决。一次展览便是一次检验，这次展览我选择了从本科毕业后到现在的每个时期的代表性作品，回望过去会使人清醒，似乎通过这次展览的作品梳理，明晰了一些作品的问题，明确了一些未来的创作方向。感谢中国艺术研究院提供的舞台，唯有在台下努力，才能在舞台上展现最好的自己。

白日梦 纸本设色 50×139cm 2015

师友评论

沉郁的虚像：李振的绘画

李振的绘画中始终萦绕着一种忧郁的气息，以至于我们会很容易联想到挪威艺术家爱德华·蒙克的画作，不过，相较于后者画面中带有强烈恐惧和死亡意象的浓烈的黑色、红色，李振趋于虚淡的水墨画更多表现出一种诗意的静默。虚淡，是李振近十年艺术创作的基本语言特征，其画面中的人物形象总像是被隐置于某种未可探知的迷雾中，因此更像是一种潜影，而不是对现实生活情境的再现。

虚设 纸本设色 85×69 2014

作为在中央美术学院接受扎实的写实性造型训练的艺术家，李振在创作上展现出的却是对写实性语言形式的回避，呈现了他在创作意识中尝试描绘人更为内在和本质形态的思考方向。这些可以被称之为胸像、半身像和全身像的画作，人物鲜有以群组的方式出现，她们的神态罕与观者交流：其中一些似乎在正视观者的眼睛，但在观者看来，她们的眼眶像是一扇敞开的门窗，观者的目光穿透过去，指向的却是空寥。李振为什么要画这么多青年女孩？显然她们都不是处于一种社交的状态，而更像是在自己的房间中独处，都使这些创作与“青春残酷”的文化思潮产生了关联，甚至可以追溯到“伤痕美术”思潮。这里，将李振的绘画视为对西方现代哲学、社会学、文学所描述的现代都市人孤独、焦虑的生存体验的图解显得恰如其分：如何面对现实生活中精神和思想的困境，是包括艺术家在内的所有人都不得不思考的问题。

惘纸本水墨 56×69cm 2018

在近三年的新创作中，李振相对弱化了此前不露笔痕，以晕染为主，营造出朦胧质感画面的画法，转而运用多层次的水墨在交织、碰撞、叠加时形成丰富的视觉肌理，使观者明显感觉到其创作意识似乎在从图像性转向语言性。2018年创作的《晚》《水声漫》《惘》《无怅》《黑手套》等，尤为突出地展现了他对水墨纯度和明度的新认识和新尝试，通过大面积的留白，很多笔触被直接保留下来，诸如《水声漫》肩头的墨点、《晚》身后的墨块等等。李振试图像南宋画家梁楷画《泼墨仙人图》那样以简逸的笔墨作画，但写实主义的绘画训练的身体记忆，使他并不能完全按照笔墨自由舒展的轨迹来作画，他还是要回到一种用笔墨塑造形体的状态中来。最新完成的《白炽》《漫漫》等作品中，李振刻画了明晰的线条和块面，他在追求更为准确的概括性的用笔，而不再将画面隐藏在一片朦胧的雾气之后。似乎是聚光灯一样的光源，使李振画面中的人物形象愈发立体，似乎与格哈德·里希特的“灰色绘画”有关，“她”的身后有些出现了阴影，“她”的形象也不再是我们所理解的照相式的写实，而更接近于波普艺术的造型特质。

白炽 绢本水墨 122×57cm 2021

在人物画创作以外，李振还有一些长卷式构图的风景题材作品。尽管这些画作都是以水墨的形式完成的，视觉形态上非常接近中国传统山水画，但以风景的概念来描述似乎更为准确。这些风景多取自远眺，是远处群山的轮廓。从李振对作品的命名《白日梦》《故园云山》《清灼》《响》等角度来看，他将之与梦境、记忆等视觉意象相关联，说明这些风景作品都与他对“远方”的预设有关。我们将这些风景视作其人物画的内心写照亦未尝不可，在这两个系列并置创作的过程中，皆承载着李振对于自我与现实世界关系的隐喻。相较而言，“忧郁女孩”系列是一种对自我内在性情的坦露，而“风景”则是对超越现实生活困扰的遥想。

——魏祥奇（中国美术馆副研究馆员）