即便是从未研习过中国绘画史的观众，恐怕都会对马远的《寒江独钓图》略有耳闻。那幅取自于柳宗元《江雪》“孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪”诗意的画轴，在马远的笔下被描绘成大片空白，孤舟、独翁、寒江、雪营造出的萧瑟意境，在后世流传中被视为中国文人画的代表作。

如今，这幅传世佳作将在东京国立博物馆的“宋代绘画及其传播”中再次与公众见面。除此之外，被称作“宋画第一人”李公麟最重要的传世真迹，北宋以来马图的巅峰之作——《五马图卷》，被视为笔墨最少却最得李白神韵的上乘佳作——南宋梁楷《李白行吟图轴》，黄庭坚重要手稿墨迹——《宋黄庭坚书王史二氏墓志铭稿卷》，米芾早年之书——《宋米芾行书三帖卷》，马远《洞山渡水图轴》、（传）南宋赵昌的《竹虫图轴》等66件古画都将在此次展览中并列展出。此次展览部分展品分前后两期呈现，第一期展期为9月21日至10月16日，第二期为10月18日至11月13日。

●“宋画第一”《五马图卷》

作为仅存两件的李公麟真迹中的一件，《五马图卷》自北宋以来便被视为画马的巅峰神作，也是现存罕见有宋四家之一黄庭坚题跋的画作，被后世推举为“宋画第一”。存世的900余年中，《五马图卷》流传有序，它原为清宫旧藏，在上世纪二十年代流传日本，二战后在很长时间内都被认为毁于战火。在2019年，东京国立博物馆的“颜真卿：超越王羲之的名笔”展览中突然展出，震惊世人。这是这件举世瞩目的名作入藏东京国立博物馆后的第二次公开展出，也是其修复后的首度公开亮相。

此图画的是宋朝元佑初年天驷监中的五匹西域名马，马旁各有一名奚官或圉人执辔引领。画中无作者款印，前4马后，各有黄庭坚签题的马名、产地、年岁、尺寸，卷末有黄庭坚“李公麟作”题跋：这些由西域诸国进贡的骏马，马名依序是“凤头骢”、“锦膊骢”、“好头赤”、“照夜白”，第五匹马佚名，经考证可能为“满川花”。画中的5位马官，两位是汉人，其余的为外族，形貌、服饰、神情各不相同，但在气质上却有着微妙的类似之处。

《五马图卷》局部 李公麟 北宋

马是古代人类最亲近、最依赖的一种动物，无论平时的载物、交通，还是战争中的两军拼杀，都依赖鞍马。所以在古代的壁画中就有鞍马奔驰的形象。唐以后，就开始有独立的鞍马画，渐渐自成一体系，著名的画家有张萱、韩干等。

李公麟显然受其影响，年轻时初学画，便从画马入手。他极其重视观察和写生。传说他每次去朝廷的马厩观看国马，总是流连忘返至于忘我的境地，所谓“终日不去，几与俱化”。有高僧指点他不可长此，“恐堕入马趣”，他顿悟其旨，就改学道释人物画，居然又深得吴道子的笔法。

李公麟最初以画马出名，他非常重视对真马的观察研究，据说他每过皇家养马的太仆廨舍，“必终日纵观，至不与客语”，可见其专注用心的程度。所以他笔下的马，大都形神皆备，栩栩如生。据传，他画《五马图》中“满川花”这匹马时，刚完成马就死去，黄庭坚曾说：“盖神骏精魄皆为伯时笔端取之而去。”因此，那些养马人恐怕画家夺去真马的灵魂，竟恳求他不要再画了。

在这幅画中，画家在白描的基础上微施淡墨渲染，辅佐了线描的表现力，使艺术效果更为完善，体现了文人画注重简约、儒雅和淡泊的审美观。自此之后，几乎所有的白描人马画无不源出于李公麟的白描艺术。

五匹马体格健壮，虽毛色不一，姿态各异，但显得驯养有素，极其温顺。五个奚官则因身份不同，或骄横，或气盛，或谨慎，或老成，举手投足，无不恰如其分。李公麟虽由吴道子入门，但其线描功夫，称得上是“青出于蓝而胜于蓝”。李公麟以其“行云流水”般的线条，飘逸而行止如意，虽只是白描勾画，却非常具有质感。观看马的轮廓，似乎能感觉得到其骨骼肌肉，略加烘染后，又似乎能感觉到其皮毛、斑纹。人物的面部刻画很简单，但结构异常准确，状貌极其生动，须眉之间，不但可视其年龄、身份、民族，甚至从表情可以窥其内心。

● 南宋马远《寒江独钓图》

《寒江独钓图》中，一叶扁舟，上有一位老翁俯身垂钓，船旁以淡墨寥寥数笔勾出水纹，四周都是空白；令人觉得江水浩渺，寒气逼人。虽然具有极其强烈的文人趣味，但这并不是我们刻板印象中的“逸笔草草”的笔墨游戏，从画家谨严的笔法和萧索荒寒的意境中，我们也能大概感觉到，这并不是一幅那么轻松的绘画。这种观感和马远的人生经历有关。

靖康之变后北宋灭亡，赵构称帝，迁都临安，建立南宋。南宋王朝偏安一隅，曾经的大好河山成为乌托邦式的幻象。面对山河破碎、国土沦丧的现状，画家只好借助笔墨表达内心的苦痛；这种苦痛既包含着对南宋屈辱政权的慨叹，也包含着对昔日祖国统一时期繁华景象的追忆和眷恋。马远作为一名宫廷画家，为表达对国家破碎、山河不复的悲叹，取柳宗元《江雪》诗意创作了这幅《寒江独钓图》。

寒江独钓图局部

《寒江独钓图》删繁就简，去除一切琐碎的细枝末节，从题眼着手，刻画了一叶孤舟、一个钓者、几道水纹，仅此三个物象，呈现出一片萧寒、孤寂、疏离的审美心境。那种江天空旷、寒意萧索的气氛，很可能是马远的心灵世界，他在这样的境地中疗养自己。

寒江独钓图局部

有学者认为，马远在《寒江独钓图》中表现出“静照”的艺术心灵。“静照”的起点在于空诸一切，心无挂碍，和世务暂时绝缘。这时候，静观万象，万象如在镜中，光明莹洁，呈现着它们各自的充实的、内在的、自由的生命，所谓万物静观皆自得。在《寒江独钓图》中，空灵渺远的江面似乎展示了一片虚空。但是空明中有一点觉心，容纳万境，万境浸人人的生命，染上了人的灵性，空白的虚空使人与物象造成距离，不沾不滞，物象得以自成境界。萧条淡泊、闲和严静，是艺术人格的心襟气象。马远利用空白的表现手法将诗的意境融于画中，体现了诗与画所共同具有的空灵充实的美感；将《江雪》的意境融入绘画中，体现了艺术家的察赋诗心。

寒江独钓图局部

这种平和冲融恬淡的审美境界，正是宋朝时士大夫们所努力追求以达到的心灵解脱之途。也许受到这样的审美风潮影响，在构图方式上，《寒江独钓图》选择了平远，江水浩淼，远水无皴，平和冲融，正是人的精神得到自由解脱的状态。艺术精神冲破了画面的有限空间而向无限广漠的时空延伸，直到“恍兮惚兮，窈兮冥兮”的极远处。该作品营造一种平和冲融之境，更能抚慰人的心灵，把心灵引升到一种无限至上的境界。

● 南宋梁楷《李白行吟图》

梁楷是山东东平人，曾在宋宁宗嘉泰年间担任画院待诏。他嗜酒成狂，性情疏野，言行怪诞癫狂，淡泊名利，不拘小节。传说他把皇帝赐的金带挂于院中，不受而去，人称“梁疯子”。这样的性格催生了这幅《李白行吟图》，梁楷借李白表达他自己。

《李白吟行图》 梁楷 南宋

该图描绘了李白的形象，作者梁楷在画面上没有任何背景，只用寥寥数笔画出李白飘飘欲仙，冉冉欲举的形象。他不同于屈原行吟式的忧愤，也不同于杜甫行吟式的深沉，而是浪漫欹侧，嬉笑怒斥的“诗仙”。

《李白吟行图》局部

美术评论家钟文芳曾评这幅绘画：画家不抱泥于琐末细审，而是突出诗人的性格特征，选取最能反映诗人精神状态和思想情绪的瞬间动作，加以慨略的描绘。虽是逸笔草草，却言简意赅，以一当十，毫无雕琢造作之气。

的确，从《太白行吟图》的绘图构思能够发现，梁楷并未拘泥于形象的细枝末节，反而通过一气呵成、行云流水般的笔墨诊释了李白的诗人性格特征。而这样的性格特征与梁楷自身的形象也颇为贴合。画作对李白形象的概略描绘，仅以简单的笔法勾勒诗人在瞬息之间的动作与神态，更加突出了减笔画风的艺术精髓，逸笔草草，毫无雕琢造作之气，言简意赅地突出了人物神韵的艺术表达，留给观者更多的想象空间。

● 宋画为何能穿越千年？

关于此次展览，东京国立博物馆如此说道：“本馆收藏管理的中国书画藏品中，聚焦于自古以来作为古典在中国和日本特别受喜爱的北宋时期（960~1127）、南宋时期（1127~1279）的作品。以“宋代书画及其传播”为题，展出以高洁人格与深厚学识为映证的士大夫、禅僧的书画，以及以高超的技艺为支撑的优美宫廷绘画和佛教绘画。以期介绍这些宋代书画的高超艺术性及其对后人作品的影响。”

事实上，当将中国绘画以时间线索并列时，便能十分清晰地感到宋代绘画对中国传统绘画的深远影响。那么，问题是，为什么宋画能够拥有如此魅力？它又影响了后代绘画的什么？

今天人们普遍认为，宋代绘画是中国绘画艺术发展的高峰。它所反映的广泛的现实生活内容，在古代绘画史上是极为突出的。运用多采的优美的艺术形式，创造了很多的艺术表现手法，和社会有着密切的联系，元明清绘画中的风格样式及理论大多可在宋代绘画中找到根据，表现了中国绘画的成熟与高度繁荣。

宋代绘画艺术在技巧上有许多重要创造。着重挖掘人物的精神状貌及动人的情节，注重塑造性格鲜明的艺术形象。花鸟画、山水画追求优美动人的意境情趣，注意真实而巧妙的艺术表现，并努力进行形象提炼，有着高度的写实能力。文人士大夫绘画对于绘画艺术的繁荣提高也有促进作用，他们在主观的表达和笔墨效果的探索上尤有贡献。宫廷绘画在整个社会绘画的繁荣基础上得到高度发展，其艺术成就也不容忽视。

这种对现实的提炼，建立在宋代哲学对自然的物质材性有了本体性认识上。这便是宋代理学的哲学思潮在宋代绘画上的反映。宋代理学思想以理为万事万物的本源，又称为天理，承认事物的变化。但认为这是理的神秘力量所至，还阐述了天人关系等问题，坚持天人相与的命题。在世界观上，认为宇宙万物是由“理”和“气”两个方面构成，理先气后，是一种客观唯心主义观点。在认识论上，比较重视精致的先验论认识论，以格物致知为基本命题概念，讲求穷理。

宋代理学讲求对某一具体物进行凝视、概括、提炼，观察其本体的存在。但这种对现实的提炼，又往往是基于画家内在心性。也就是说，只有对人的内在心性，对自然的物质材性作适当、合理、有效的发挥与利用，符合天理秩序的道德社会，才能进而达到“天人合一”的境界。内在心性、物质材性与道德实践三者互为体用，是相生相成，彼此成就的关系。

今天我们看到的出色的宋画，诸如郭熙的《早春图》、马远的《寒江独钓图》等，大抵都符合这一特点。它们都是画家心灵世界的映射，是在遵循物理的基础上，对物进行内向情感的映射。它追求一种意境，已经超越了我们眼中的那人、那山、那水，突破了所有有形的东西。画家认真对待一截枯木、一片残雪、一个船工、一段羁旅，在困顿中浪漫，在缺憾中赞美，于山川小景、人物花鸟中，轻叩生命的价值。后世人们所认为的宋画中的这种精神上的超越，实际上建立在无奈和忧伤之上。这与外族的不断入侵有关，但却为后世的中国画在心灵性上不断发展，提供了非常丰厚的源泉。

因此，宋画将中国绘画的写意性推向了一个高峰，并由于其“格物”的理念，而对物质性具有扎实的研究。这也是为什么尽管元代绘画逐渐向肆意的流动方面发展，但却总不脱意象核心特点的原因。当然元代绘画并不是严格遵守现实物象逻辑，但它抓住的是对象的精神气质的精髓。这是建立在宋代绘画对物理的遵循之上，而对其精神性方面的继续发展。

正如美国学者高居翰所言：“在他们（宋代画家）的作品中，自然与艺术取得了完美的平衡。他们使用奇异的技巧，已达到恰当的绘画效果，但是他们从不纯以奇技感人；一种古典的自制力掌握了整个表现，不容流于滥情。艺术家好像生平第一次接触到了自然，以惊叹而敬畏的心情来回应自然。他们视界之清新，了解之深厚，是后世无可比拟的。”

清雅、含蓄、萧逸、风流、严谨的笔墨，宋画能穿越千年，在今天依旧能具有动人心魄的美。