新古典主义绘画大师安格尔有着极为扎实的素描基础，在他看来“除了色彩，素描是包罗万象的”，而且“素描要不断地画，当没有机会用铅笔画素描时，就用眼睛画。在你们未能把确切观察到的事物画出来之前，你们是创作不出真实美好的事物的”。

　　安格尔1818年素描《考尼茨三姐妹》，30.1×22.2cm

　　安格尔1816年素描《查尔斯·戴维南》，29.9×24cm

　　安格尔1820年素描《乌尔西·儒勒》，18.1×13.9cm

　　素描——这是高度的艺术诚实。

　　画素描绝不单纯是打轮廓;素描不是仅由线条所组成的。素描——它还具有表现力，有内在的形，有画的全局，是艺术的雏形。请注意在素描之后将产生什么吧!素描本身已包含着全画的四分之三强。如果要我在自己门上挂一块匾额，我将在上面写上：“素描学派”四个字，因为我坚信，一位画家是靠什么来造就的。

　　除了色彩，素描是包罗万象的。

　　素描要不断地画，当没有机会用铅笔画素描时，就用眼睛画。在你们未能把确切观察到的事物画出来之前，你们是创作不出真实美好的事物的。

　　依赖圆规的艺术家一定也信赖幽灵。

　　阿佩列斯说：“不要虚度哪怕是一天连一根线条也不画的日子。”他已经说得这样恳切，而我要向你们补充一句：“线条——这是素描，这就是一切。”

　　在研究描绘对象时，首先必须注意整体，向整体要答案，只有从整体出发。细节——应当是举足轻重的，而且是一些须使其本身就范的琐细事物。形式应当广泛，一定要宽阔些!形——这是一切的基础和条件。即使烟雾也必须用线来表现。

　　请注意模特儿相互之间的大小关系，这里包含着整体的特色。最好是让模特儿一下子使你们震惊，而你们则能立即产生深刻的印象。如果谁无视奉行这种方法，他只能在纸上搜索未定，什么肯定的东西也树不起来。你们蓄意要表现的形象应该先在你们的头脑里整体地展现在眼前，当你们描绘形象时才能和你们早在构思中已经掌握好的形象一样得到充分体现。

　　在画人物速写时，请首先努力把人物的动作特征牢牢抓住，并肯定下来。我还要经常向你们重复一句话：“运动——这是生命。”

　　要在你们创作的作品上看不出你们在运用技巧时表现轻松感的痕迹。最好在你们的画上只看到成果，而看不出你们所采取的表现手段。熟练的技巧应当利用，但切不可热衷于这种技巧的轻松感。如果它值十万法郎，那你们不妨花两个苏去取得它。

　　线和形愈是简练，就愈富有美和魅力。相反的往往是你们只顾分析形的局部，使局部彼此松散无力，而结果一定会把形弄得支离破碎。

　　人们为什么不创作庞大的单个人物?因为画一个大的造型，就等于少画三个小的人物。

　　刻画人物时如果基本线条未揭示出个性特征，结果所取得的只有以似是而非的形象为满足了。

　　塑造人物不要只抠细部，要同时兼顾全局，正如人们所正确指出的，画的是整体。

　　不要一门寻思捉摸创作什么美的人物个性。这种美的个性要在模特儿本身中去探索。

　　美的形体——就是最率直的圆周式的布局。美的形体——在这里一切都是富有弹性的和饱满的，在这种形体里的细节是不会损害庞杂众多的场面的总体面貌的。

　　形体必须是健康的。

　　形体的完整与否到作品最后完成时才显露出来。有些人仅满足于素描感觉;只要感觉表现出来了，他们便以为足够了。可是拉斐尔和列奥纳多·达·芬奇却向你们充分证实：感觉和准确性是可以调和起来的。

　　伟大的艺术家拉斐尔和米开朗琪罗在完成作品时，是坚持用线条的。他们再一次以细腻的笔触肯定了线条的意义，从而使轮廓显得生趣盎然。他们给素描注入了神经和激情。

　　在实践上，我们虽不像雕刻家那样来作画，但我们应当作出雕刻一般的画。

　　画家完全有权利要求自己的作品精雕细刻，但他必须赋予这种精雕细刻以感染力。感染力并不排斥精细。整幅画既包括严实的素描结构，同时也含有细腻的素描表现力。不管怎么说，绘画只不过是由坚实而自负的并具有个人特色的素描所构成的，即使一般的图画，也得靠其本身的优美感人来激惹观众，但单凭优美还不够，正如仅仅靠素描的功夫还不够一样，还应要求更多一些。即是说，要让素描的范围扩大到足以囊括一切。

　　如果创作时是用头脑去支配手的，则不管画面上有多少缺点，情况总是比较好的。这一点应在最初起稿时就要有所察觉。手的灵巧取决于经验，但感情的真挚和理解力却必须首先发挥出来，而且在某种程度上它们是可以替代其余一切的。

　　画素描要落笔精确，但要一气呵成。素描如果是干净利落而又深广的，这就是艺术了!

　　在开始上颜色之前，素描应该占更多的时间。只有当你打好了坚实的基础之后，你才可以安稳睡觉去。

　　一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识：撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确，那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。要使形象极端的准确，只有借助最充分的素描知识。所以，文艺复兴时代的艺术家们的卓越表现技巧证明了他们是伟大的素描大师。请注意一下拉斐尔的画吧!

　　这样看来，情感的表达和艺术的表现力——这是艺术的主要因素，它和造型是不可分割的。色彩的完美只起着一种从属的作用，正如最了不起的色彩大师也只能望情感表现大师的项背一样。如果对这种现象横加指责，就意味着对艺术缺乏理解力。我们不能对一个人要求对立着的两面。此外，作品完成得快对于保持色彩本身的吸引力是必要的，但它和那种为了达到造型的纯正所必需的深刻研究毫无关系。

　　一幅画的光照应该有力地落在某一特定的位置上，让观者的注意力集中到那个地方。同样，在塑造人物时，光的效果也应从人物的中心点产生，然后，有层次地加深各部阴影。至于形象，应当让占有全画中心地位的大的形象来吸引观者的视线，这包含着素描的主要性格特征。

　　要得到优美的形，应尽量避免用方形的或带棱角的轮廓，必须使形体圆润，并且形体结构内部的细节要防止“跳”出来。

　　如果画面上只有一个人物，就应认真雕琢使它富有立体感，这样，才能求得绘画的效果。

　　你们要经常随身带速写本，见到你们所感兴趣的景物，哪怕用铅笔稍稍画几下也要记下它来，如果没有充分时间作速写的话。但是如果你们有时间去进行一幅更准确一些的速写，那你们应该非常热情地去捕捉对象，仔细观察它们，并从各个角度去再现它们，这是为了把它融汇到自己的创作意识中去，使它在胸中酝酿成熟，成为你个人的产物。

　　我向来主张要熟练掌握骨骼的知识，因为骨头是决定人体的结构的，并确立身体各部间的长度。对于素描来说，骨骼就是固定不变的支点。我不大主张学肌肉的解剖知识，这方面了解得太多会有损于素描的纯洁，使人忽视个性表现，导致形象的庸俗化。不过，对于肌肉组织间的相互关系和规律多少还应有所掌握为好，否则会出现造型上(人体)的错误。

　　所有这些肌肉，都是我的朋友，但我对它们之中哪一部分都叫不出姓名来。

　　外部轮廓永远不应是凹形的，相反，它们都必须是向外凸的，呈圆弧状的，像一只柳条编的篓筐。

　　有人认为，标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物。比如，粗壮的脖子往往在体格强健的男子中十有九个都可以看到，所以这种脖子可被认为是美的标志之一。但是假如你的模特儿是个细脖子，那你可别把它画粗了，然而也应防止把它的瘦削夸大得过分。为了表现特征，一定的夸张手法是允许的，尤其是，如果需要揭示和强调美的某一因素时。

　　人的头和躯干相比，通常头是处在靠后的位置上，而胸脯则是靠前的。这是一种既大方而又正常的姿态。头若前倾，如果不表现运动，就会丧失掉整个人体的美质，仅反映出一种忧郁、疲惫或者醉态感来。

　　拉斐尔喜欢画他手下学画的学生们身上的衣服。当然，他们因此最熟悉用什么办法去摆弄自己的衣褶才可以使他们显得更美观些。应当准确地去学习这种示范，但应避免模式化。这种示范只能在画肖像时用，而且也只用于画那些带有细软饰物的妇女的服装上面。

　　显然，没有什么模式可循的，一旦发现人物披挂的织物具有一种华美的情调时，就应在肖像画上加以采用，给模特儿穿上这种事先构思好的服饰，并牢记这种服饰的皱褶的动势和各个细部间的铺排。

　　(节选自金城出版社出版的《安格尔艺术全集》，朱伯雄译，有删节，标题系编者所加)

来源：艺术国际业界动态 作者：安格尔