北京画院画家姚震西，多年来专注于通过笔墨描绘植物花草，玉兰、芍药、蜀葵、秋菊……这些平常花草的生命状态，在姚震西的笔墨中缓缓流淌，他喜欢在自然中寻找笔墨规律。

姚震西的绘画，往往是一两支平常花草，看似简约，笔墨却很丰富，温暖、鲜活，缓缓流淌而出，传达出一种与生俱来的散淡。他画绚烂的花卉，也画路边的闲花野草。他的绘画也受到中国传统中写意花鸟画的影响，潘天寿的《雁荡山花》，黄宾虹的《黄山野花》，都成为姚震西探寻笔墨的参考：

姚震西早年生活在广西，他对花草题材的钟情，也和南宁的植物药园相关，那里有数千种花草、植物。20多年里他从未间断，去药园，画花草，在自然世界里，寻找一种现实之外的宁静。

姚震西画画，更像是对自我心境的修炼。画家身份之外，他还是一个经验丰富的出版人，更是一个追求精神高度的思考者。他也会跳出绘画，从哲学的角度体会笔墨，寻找精神与实践的契合之处。

过往的经历，都成为印迹。在绘画里，姚震西更愿意到自然中去寻找规律。但是在很多时候，姚震西又是孤独的，他像一个哲人一样体会笔墨，一路走来，一路思考，一路寻找。

对话姚震西：

雅昌艺术网：姚老师您好，您疫情之后的创作是怎样的呢？

姚震西：2020年我在南宁待了近半年的时间，疫情期间哪儿都去不了，只能拼命画画，也画了一些长卷。这个期间也去了几次我经常写生的药园，持续画了几个月。疫情过去之后，又去了福建、西安等地。

雅昌艺术网：多地的游走对于您来说更重要的是什么？

姚震西：看上去这几个地方和我的画风没有太大关系，但是我想这恰恰是我想要找的距离感，从我熟悉的地方离开，找到一种陌生感和距离感，这种距离感恰恰对于我来说是新鲜的，给我带来一种新的感觉。当我回过头来再画熟悉的东西，会有一种不确定性，这种不确定的偶然会给我提供一些想法，这种想法对我的绘画特别有价值。

雅昌艺术网：那这些地方有没有带给您特殊的感受，举例说明一下？

姚震西：比如我去的雁荡山，是我向往很久的地方。因为画花鸟这个题材的初始点就是潘天寿的“雁荡山花”，对我的影响很大，所以我对雁荡山一直有一种向往，这次去也是向潘天寿先生致敬。

当然我也知道，去了雁荡山可能找不到我所向往的雁荡山花的影子，但是它在我心里积攒了那么久，已经非常完美了，重要的是完成一个向往的心愿。我觉得任何经历、角度，任何一次对自然事物的观看，都会对绘画有帮助，最好是一种不确定的，你意想不到的发现。

雅昌艺术网：您刚刚谈到潘天寿先生的《雁荡山花》对您的绘画有重要的影响？

姚震西：我现在画的“平常花草”系列就受启发于潘天寿的《雁荡山花》这幅画。

以前我们读书的时候，学习花鸟画都是很传统的方式，看到潘天寿的《雁荡山花》之后，我突然意识到原来花鸟画还可以选择山野的野花来组合画面，花鸟画还能这么画！从题材角度对我的影响是很大的。看过这件作品之后，我就开始寻找我想表达的花卉，渐渐思考，就有了我后来一直在画的平常花草。

还有黄宾虹的《黄山野花》对我也有影响，一路走来渐渐对前辈、对传统进行一种思考和选择，形成了我画《平常花草》的想法，至今20多年来，基本上就在这条路上不停地画闲花野草，也特别符合我的心境。

雅昌艺术网：潘天寿的《雁荡山花》和黄宾虹的《黄山野花》，这直接影响了您的绘画，也就是“平常花草”系列，能否和我们聊聊这个系列的绘画？

姚震西：可能很多人会觉得“平常花草”是不是是指某一种花卉，其实不是，其实传达的是我的一种状态、一种心境、一种表达方式，包含了我对社会的看法，对人性的看法，对自己很多经历的回望。我画玉兰，画芍药，画秋葵，画蜀葵，也画路边的闲花野草，只要我把它表现的很平常，它就是我心里的平常花草。

雅昌艺术网：“平常花草”这个系列和您所说要传达的心境还是挺符合的，总体看上去画面比较简约，能否聊一下绘画图像本身？

姚震西：“平常花草”基本上都是比较经典的图式。绘画主体之外就是留白，传达出一种空、虚的感觉，但其实在画面布局和构图上我并没有强行去创造什么。至于画面为什么会传达出这种散淡的氛围，我觉得应该是与生俱来的，这种散淡又凸显了画面的留白，也强化了空和虚的效果，其中的作用是相互的。

我也一直在思考，我为什么会那么迷恋这种简约、单纯的画面，可能和我早先的工作有关。我前二十年的工作经历是出版，出版是一项特别繁琐，特别复杂的工作，一个出版项目需要考虑太多方面的因素，比如作者、内容、市场、印刷，甚至是人际关系和各方感受，做编辑的时候是那种状态。所以画画的时候，我就尽量单纯，所以早年画画更多的是能够在工作之余让自己修身养性，和工作拉开距离，实际上也是一种自我调节。后来离开出版的工作之后，我依然寻求的是一种简单和单纯的状态，只要是简单和单纯的，我就觉得非常愉快，可能是出版工作的那种复杂感带给我内心的烙印。

雅昌艺术网：在出版社工作的那些年，您的绘画一直和当地的药园相关，能谈一下药园吗？

姚震西：药园原名叫广西药用植物园，里面有六千多种花草，很多都是药材，30年前的药园很荒芜，没有人造的景观。我在寻找画画工作室的时候遇见的，觉得特别符合我画画的需要。其实是一个药用植物园，我觉得叫药园好听，有古意。

药园的药材种植是非常丰富的，所以我经常画的花儿也都是药材。我喜欢里面那种花草植物的生长状态，非常自然，和《雁荡山花》《荒山野绘》那种状态很相似，所以那十来年，我基本是每一两个星期都会去一次，最初是去药园写生，收集素材。后来熟悉了，想画的场景和花儿都画过了，还会一直去，有时候可能也不画，带半壶水，在里面待个一天半天，就坐在那儿看，慢慢看，走到哪儿看到哪儿，休息到哪儿。那种体会比写生还要好，把自己融入到那个药园里，所以我对药园很有感情，即使到北京之后，每次回南宁都要去个一次两次，看看它有什么变化，看看自己熟悉的东西还在不在。

雅昌艺术网：您和药园的的缘分已经有近30年了，如今再回到药园，在创作上会有哪些和以前的不同？

姚震西：一直以来，我都想以药园为背景创作一幅长卷。最近两年终于开始实施，画长卷主要还是一种回忆的状态，更多的是翻翻以前一些画稿，画的过程更多的是把我脑子里想要的药园的状态画下来，所以这幅画最后引首题的是“药园杂意”，后缀题字是“诗意故园花又花”，实际上呈现的是回忆的状态，或者是乡愁。

当然现在交通太发达了，乡愁对于现在人来说是很淡的，但是在每个人的成长中，总会有家乡的某一个点给你留下记忆，或模糊，或清晰，那种印记总会在我画画的时候进入我的心里。

后来疫情期间我又画了一张长卷，引首用的是《药园写生卷》。因为疫情期间我又去了很多次药园，回来后立即画，在我看来这种状态更多的是一种写生，而不是回忆。这是我疫情期间的收获。

雅昌艺术网：您画花卉的长卷，和古人的花卉长卷有关系吗？

姚震西：其实最初画花卉长卷的欲望就是来源于古人的花卉长卷，古代的花卉长卷很多，对我影响最大的是徐渭的《杂花卷》，激起了我画长卷的欲望，当然我画长卷和徐渭的长卷完全不是一种方式，但是他画面中的气贯联动、笔墨随卷自由地散布是我想追求的，当然这很难，我画了五六张，最终选择了一张。

雅昌艺术网：绘画中，您更注重的是什么？

姚震西：我属于那种比较注重笔墨的画家，当然笔墨来源于传统艺术，但是在当下笔墨却不能只是遵守传统法度和固化的表达。所以我不仅仅满足于传统笔墨，我还喜欢在自然中去寻找笔墨规律。比如我看花草，即使是一两枝简单的花草，在我看来也可以有很复杂的笔墨组合，我希望呈现生动的笔墨。我认为笔墨始终是内心有了某种感受之后，通过手缓缓流淌出来的，尊重内心，笔墨一定会很鲜活。

有一年，我到杭州看黄宾虹的展览，在展览上我看到了黄宾虹一句关于笔墨的理解，大概是：笔墨就是手边缓缓流淌的温情。

当我在展览上第一次读到这句话的时候，我似乎有热泪盈眶的感觉，它就是这么多年来我一直在找的点，豁然开朗。感觉我训练了那么多年的绘画技法，我积累了那么多年的知识、笔墨，在这里可以融会贯通了。

这句话看似好像和笔墨无关，但是却瞬间让我理解了笔墨是怎么回事，让我看到了笔墨表现的最高点，这对我几十年来的笔墨形成产生了重要影响。我感受到，画花卉首先要有自然的情感，缓缓流淌出来的那种情感，笔墨才能有生命，才能鲜活，有温度。这句话也让我很自信地觉得，有时候可以暂时把笔墨忘掉，让花草自己诉说，所以我希望我笔下的花卉都不要有太多人格，就是自然的花卉本身即可。

雅昌艺术网：可能也有很多人看过这句话，只不过可能没有像您这样深刻的感受？

姚震西：其实这么多年来一直在这条路上思考，很幸运地看到了这句话，你思考了这么多年的问题，一下就解决了。从那到今天，我再也没有碰到更像这句那么通融的话，读了很多书，也不如这句话带给我的影响大。

雅昌艺术网：或许是在思想上深度和高度上的一种一致性。

姚震西：此前也会有类似的经验，以前读书的时候读了海明威《荒野的呼唤》，这本书对我影响非常大，当时我带着这本书去少数民族地区采风，当地一到晚上7点钟就关门了，很安静的环境，我晚上就沉迷于这本书，完整地阅读，我是在那种状态下完成这本书的阅读，至今感受依然特别深。

雅昌艺术网：可能您思考的深度会和黄宾虹关于笔墨的描述，也和海明威《荒野的呼唤》会有一种碰撞，可能也和您对学术和思想性的追求有关，感觉在这方面您是比较追求理想化的？

姚震西：这种思考可能是天生的，与生俱来的。后来我觉得我所有的学习都是在寻找，寻找一些与我契合、匹配的思考，找到了就会内心觉得有一种愉悦感，当然也有可能一辈子也找不到。

雅昌艺术网：找不到的话会有一种孤独感？

姚震西：对，或许人的孤独就是这么回事，找不到就要一直寻找，找到了就很喜悦。我记得我在“一幅画的诞生”里写到一句话：“艰难就是创作的状态”，艰难就是艺术家对待创作的一种态度，每一幅画必定是不容易的。

雅昌艺术网：您的笔墨表现和色彩也有很大关联，比如笔墨中丰富的色彩，是那种有血有肉的鲜活的视觉体验，在色彩方面您有哪些体会？

姚震西：我的色彩可能和从小受到色彩训练相关，我父亲是画西画的，我从小受到父亲大量的色彩训练，临摹印象派、后印象派的作品，对西画色彩体系进行了系统的训练，这是我色彩的基础训练。我一直认为，色彩其实是一种天生的感觉，对色彩的感受力是很重要的，小时候形成的对色彩的感觉一辈子都会存在。

后来画中国画，对中国画的材料形成了新的色彩认识。我的色彩大多都会在一种灰度上去表现，不会有太高纯度的色彩呈现，我画中所有的色彩都是复合色，原色用得不多，需要反复调色，调出我需要的灰度的色彩才画。墨我也当成色来画，色也当成墨来表现，所以我画中的色彩是有墨韵的，色彩画出来才能比较灵动，墨韵是我色彩中很核心的因素。我绘画中的色彩有时候指向性不是很明确，总有一种模糊不清和朦胧感，才是我追求的色彩观。

雅昌艺术网：那您20多年出版人的身份和您后来的艺术创作有关联吗？

姚震西：出版形成了人生的一种知识结构，这种知识结构特别重要。其实我曾经觉得，出版对于我画画的追求来说貌似是走了一个弯路，但是当我在创作中逐渐行进的时候，有一些重要的节点总能和我出版的积累发生交汇，慢慢我觉得，出版在我生命中是一个份量最重的阶段，也因此形成了我特殊的思考方式。首先出版书籍的过程中我积淀的文化艺术知识很综合、丰富，二十多年出版生涯里我吸收了太多知识；其次出版人看问题的角度也是比较具有包容性的，也需要考虑读者的感受，这养成了我多角度看问题的习惯。

雅昌艺术网：那从出版人到专职画家，除了身份的转换之外，您个人的内心经历了哪些转变？

姚震西：应该是从“养心”到“工作”的状态转变。在做出版的阶段，画画就是养心，但是到画院之后，在创作上有了自我追求，我需要有自己的风格、定位，要有阶段性的计划，当这种计划都清晰了之后，反而不自由了，不再随心所欲，这是创作身份转变之后面临的问题。

当然从另一方面来讲，能够从事专业创作，对于我对艺术的追求来说是很满意的，当创作成为我的一种日常生活，我可以长时间思考绘画问题，也很享受。从南宁到北京，虽然我的绘画还是同一种题材，也许别人也没看出来有何太大变化，但我自己觉得创作上的变化非常大，从笔墨、画面表达都有了非常大的进步。

雅昌艺术网：那在进入北京画院之后，在艺术教学中，您觉得更应该传达给学生的是什么？

姚震西：最重要的肯定是一种艺术的思想，一种人生的思想，我觉得这比传授技法更重要，对创作有帮助。当然传授技法是必不可少的。

雅昌艺术网：那您如何看待北京画院师傅带徒弟的教学方式？

姚震西：画院的教学方式是几十年慢慢沉淀下来的，是一种传统的教学方式，这种方式针对性特别强，对个性化的学生的教学更直接切入。这跟学院的教育体系不一样，当然两种教学方式应该相互包容。

雅昌艺术网：您如何看待技与道的关系？

姚震西：技与道是相互依存的，不会分得特别清晰。艺术创作中，训练技法的时候，道也是存在的，道反过来也会对技的表现产生直接的影响。当然“技”运用到极致的时候，也是一种道。对我来说，可能更多的是到自然中去找一种规律。