3月18日，上海西岸区域同时开幕10场展览。如何看全它?雅昌艺术网为你制定一条完整的看展路线——从西岸艺术中心出发，沿着龙腾大道一路向北，保证你不走“回头路”~

　　第一站：西岸文化示范区

　　香格纳画廊西岸空间：“纱砂沙”梁绍基个展&胡柳个展“黑浪”

艺术家梁绍基为现场嘉宾导览作品

　　“纱砂沙”

　　今天，梁绍基个展“纱砂沙”与胡柳个展“黑浪”同时在香格纳画廊开幕，作品分别位于画廊的一、二层。

艺术家梁绍基

展览现场 图为梁绍基作品《月庭》

　　“纱砂沙”既呼应了艺术家在作品《月庭》中运用的实物砂，也象征着虚薄、宁和、空灵和历史的流逝。梁绍基欲通过主题“Sha”代表的多重意义，开启更多维度的对话思考模式。让人们虚渺之声中去感知时间流和生命神秘的潜动，即“生态、生命、生态环境和当代生态美学”的艺术观点。本次展览上，除了曾经在多哈展出过的《月庭》外，还有新作《爱琴海》等。它们诠释着艺术家在不同材料上的蚕吐丝之实践。

　　从上世纪八十年代开始，梁绍基开始以蚕为主要创作媒介，并在不同属性的材料上以蚕吐丝。当生命体蚕遇到不同介质的材料，它的攀爬行为，吐丝效果等能力出现不同的回应。梁绍基表示，其作品以蚕为源头，暗指“残”与“禅”，后两者与中国传统文化理念息息相关，也是艺术家对生命不断追问的结果。

梁绍基个展“纱砂沙”展览现场

　　“一直以来，我始终是循着蚕的自然生命规律而展开。我努力地去熟悉、探索蚕性，了解蚕的病理学及其症状，包括蚕在生长繁衍中对温、湿度、光的需求;它们在不同的节气的表现，和对不同的食物的接受程度;它们在不同情况下的攀枝能力等。在探索的过程中，我也会思考生命体能的极限，它们是否有未被认知、开发的领域，而这种可能性，是否能转换为艺术的可能性?这个问题，牵涉到生物、物理、以及人文。”梁绍基告诉雅昌艺术网。

艺术家胡柳

　　“黑浪”

　　画画是胡柳的世界，是她存在的方式，也是她任兴之所往。十余年来，胡柳始终选择用铅笔作画，她说，铅笔如同“魔杖选择巫师”一样。

　　展览“黑浪”展出艺术家从2007年到2016年的十数张代表性作品。观众可以通过游走的方式观看到隐藏于“黑色”背后的秘密。通过反复地涂抹，铅笔的痕迹形成一片浓密的黑色海浪，在不同的光线下折射出若无实有的线条感觉。

胡柳个展“黑浪” 展览现场

　　文艺复兴与宋代绘画对胡柳的影响颇为重要。在她的作品中，既保持着前者传承下来的透视法，又呈现后者“可居可游”的观看方式。胡柳的作品适合慢慢静赏，她仿佛穿行黑夜与银河，又保持初心一般的纯粹。

　　胡柳一直以来选择用铅笔作画，她说铅笔之于她如同“魔杖选择巫师”。

艾可画廊外景图

　　艾可画廊：“同轴共迹”小西纪行个展

　　艾可画廊推出的是小西纪行中国首展。小西纪行(1980)出生于日本广岛。2007年于武藏野美术大学研究生毕业后，开始创作生涯。

小西纪行中国首展 展览现场

　　展览涵盖了小西纪行近三年的最新布面油画和纸上作品。这些作品的灵感源于他的童年照片。画面在重现家庭教化和社会习得的过程中，呈现出一种私人而普世的亲密感和依恋，它们将过往的关系和记忆召回。作为作品的显著特征，模糊的面孔消解着个体之间的表面区分，直指至人类深处的基本通性。画面里，一种统一的匿名性产生了——通过这样的视角，他将美学研究从个体叙述推演至族群观察的范畴。

小西纪行中国首展 展览现场

　　雕刻般的人物线条、简单勾勒的形态，以及幽灵式的外观，是作品富有辨识性的表现主义特征。艺术家粗糙有力的笔触，穿透画面中的肖像，其生动鲜明而引人注目的几何规则，是内化社会结构的一个微妙隐喻。艺术家原始而富有情感的绘画风格，给予观众一次闪回有神论时代的机遇，从中一瞥人类的“原型意象”。而后者作为一种替代品，弥补了现代社会里神秘意义的缺失。

乔空间 何翔宇个展“乌龟、狮子和熊” 外景

　　乔空间：“乌龟、狮子和熊”何翔宇个展

　　何翔宇个展“乌龟、狮子和熊”是艺术家在上海的首次个展。展览既呈现艺术家正在进行中的柠檬系列绘画，也首次在中国呈现综合视屏装置《乌龟、狮子和熊》，它由多件玻璃柜中人和动物打哈欠的视频组成，这种无意识的嘴部动作的“传染性”，通过无限循环的哈欠影像，潜移默化地影响着观众。

何翔宇个展“乌龟、狮子和熊” 展览现场

　　口腔作为传递刺激的感官，何翔宇对其始终保持着深入关注，在与《乌龟、狮子和熊》一同展出的全新柠檬绘画中，他对此进行了更深入的探索。这些作品与他之前的“柠檬口味”系列作品相似，艺术家使用明亮的黄色颜料，覆盖了画布的大部分区域，激发了口腔对酸味的本能反应。在留出的空白区域中，他用铅笔勾勒出了柠檬的简单轮廓，创造出了白色的柠檬形态。他有意识地对这些“柠檬”进行了排布，让观众的视线无法自然而然地聚焦于某处，而这些白色的柠檬则仿佛在画面上跳跃和震动。

　　池社：来自薛冰的收藏：沃尔夫冈提尔曼斯

　　“池社”由新世纪当代艺术基金会联合创始人薛冰创办。“池社”源自张培力、耿建翌等艺术家在1986年创办的艺术团体的名称，薛冰借此向艺术家致敬，希望池社成为促进艺术交流互动的平台。

“来自薛冰的收藏：沃尔夫冈•提尔曼斯” 展览现场

　　2017年，新世纪当代艺术基金会将结合薛冰的收藏，在池社展出一系列国际知名当代艺术家的作品。首个展览是沃尔夫冈•提尔曼斯的个展。

　　在当代摄影领域，沃尔夫冈•提尔曼斯是最重要的名字之一。从上世纪八十年代末至今的创作生涯中，提尔曼斯重新定义了摄影，他对摄影的实践与观念深刻影响了全世界范围的后继者。提尔曼斯是迄今获得过泰特美术馆“特纳奖”(Turner Price，2000年)的唯一一位摄影艺术家。目前艺术家正在伦敦泰特现代美术馆举办回顾展。

梁硕项目“来虩虩” 瓷屋外景

　　瓷屋：梁硕项目“来虩虩”

　　走出池社，穿过一条马路，就可来到瓷屋。今天，新世纪当代艺术基金会在上海推出首个“瓷屋年度艺术家计划”，艺术家梁硕带来项目“来虩虩”。展览题目“来虩虩”取自《周易》震卦：“震来虩虩、笑言哑哑”，虩虩释为“恐惧”，全句意为君子以恐惧修省，面对反复无常的自然和人生抱有敬畏之心，同时坦然无惧。

梁硕项目“来虩虩” 现场

　　此次项目的灵感来自艺术家游玩秦岭翠华山的经历。艺术家从上海的二手家具市场收购几百件风格不一的家具，它们散发着时代审美和社会记忆的讯息，充满了人为“造化”的意味。这些人工“砾石”在艺术家手中洒落、碰撞、垒叠，最终构成一种怎样的同时具备时间和空间意味的地貌。

　　来瓷屋，来嬉戏、来修省。

詹妮弗·韦斯特的中国首展

　　第二站：余德耀美术馆

　　詹妮弗·韦斯特个展：“散场了吗，电影?”

　　从瓷屋离开，沿着龙腾大道向北走，来到丰谷路路口，便能抵达余德耀美术馆。今天，美术馆项目空间推出詹妮弗·韦斯特的中国首展，展览展出艺术家自2009年至2016年的5部代表影片，既有使用液体、痕迹等多种元素的触感强烈的作品，也有对胶片和回忆进行思考的近作。

詹妮弗·韦斯特的中国首展 展览现场

　　詹妮弗·韦斯特在1990年代美国西北部的DIY媒介运动中脱颖而出。她坚持通过自己的影片、装置、表演、讲座及写作介入人们对于记录性图像的认知、理解以及使用过程，探讨其整体认知、心理以及审美变化的复杂性。

　　韦斯特的创作借鉴了美国西北部地区的音乐与艺术运动，她将胶片与录像二者的特质融合在一起，以探讨物理意义上的材料或行为如何被转换到数字空间，也企图打破这个领域的专业壁垒。从始至今，她的研究项目总会涉及共同合作的部分——邀请参与者用胶片来表演或对其进行干预。在早期的合作实验里，韦斯特邀请了其他艺术家、家人(大多数也是艺术家)和朋友对电影胶片进行腌制、加工，用胶片进行表演，之后再把材料转成录像。

　　正如韦斯特所言：“我希望成为那种介于艺术、胶片以及电影之间的桥梁，转变对这些媒介的制作与认知。我想尽办法在胶片上留下自己的印记，用它来表达，反映它与世界、与那个介于艺术和影像之间的领域的关系。”

　　第三站：龙腾大道2879号

　　继续向北，步行可达龙腾大道2879号。过去几月，这里俨然已成为画廊的新聚集地——没顶画廊、马凌画廊、东画廊已相继入驻。今天，三家画廊同时启动了最新展览。

艺术家何岸（图片由没顶画廊提供）

　　没顶画廊：“深紫”何岸个展

　　没顶画廊推出何岸的全新创作个展“深紫”，这是艺术家继2014年之后在没顶画廊举办的第2个个展，展览不见“霓虹灯”，主装呈现艺术家的不同装置作品与相关文本。

何岸个展“深紫” 展览现场（图片由没顶画廊提供）

　　据介绍，“深紫”是一种黑中带紫的颜色。整个展览被一种神秘的灰黑色包围。此次展出的作品，也分别从隐匿的深处透露着这种感知力。其中，作品《零号机》和《深紫》分别利用金属架结构搭建出自我制冷和发热的装置，它们像是匍匐在展厅伺机攫取情感的有机体，冷的结霜与暖的光热，如同它们的人造呼吸一般，游移在灵体和死物之间。另一件作品《黑曼巴》，则承担着抒情的媒介功能，成为与冷热装置同样暧昧的存在。另外，两件《白光》作品对三维空间的正负形转换，从逻辑上延续并发展了他对外部世界的认识。何岸对于负形的关注，可以追溯到其早期表现文字负形轮廓的 LED 灯箱作品，也可以延伸到他此次写的展览文字。

何岸部分展出作品（图片由没顶画廊提供）

　　何岸说：“如果你具有了从现实中分离出来的能力，那么你会看到到处都是冷和热的变化，还有物质本来的刻度和温度。”这便是他看世界的眼光。

法国艺术家艾域克﹒柏达中国大陆首展“choo choo mama...” 展览现场

　　马凌画廊上海空间：“choo choo mama...”艾域克﹒柏达个展

　　马凌画廊上海空间带来2017年首个展览——法国艺术家艾域克﹒柏达中国大陆首展。柏达擅长挪用、改造、转换现成物，把日常生活中人们习以为常、视而不见的物件从其功能性中抽离出来，它们被孤立、被拆解、被堆积或被重组，产生新的语言指涉和审美意义。

　　柏达于1972年生于法国巴黎，在新一代法国艺术家中备受瞩目。柏达认为，被用过的物件是最好的艺术材料，因为它们避免了艺术中对材料的传统诠释，从而更好的呈现超越物质的精神层面。他认为：在大多数时候，不需要造新的“作品”。柏达永远处在对“物件”的搜索模式，从布鲁塞尔到迈阿密，再到上海的旧货市场，在世界各地寻觅可以被转化成艺术的现成物。日久天长落下的灰尘，使用过程中的破损，拥有它的人曾留下的印记，这些无意识的痕迹正是柏达对现成物着迷的原因。

艾域克﹒柏达的部分展出作品

　　展览名称“choo choo mama...”同样是现成物：这是英国摇滚乐队Ten Years After的一首歌，柏达在他个人电脑的音乐目录中随机挑选了这首歌，作为本次展览的题目。他喜欢把“choo choo mama”读出来时的音乐性和节奏感，但更重要的是，他试图避免让艺术的题目(展览的、作品的...)变成机智的比喻或明确的信息。他强调寻找物件、再将物件转化无非是他作为一个艺术家的日常。

东画廊

　　东画廊：“控制点”吕松个展

　　“吕松：控制点”是东画廊西岸空间首展，也是吕松在东画廊举办的首次个展。吕松，2006年毕业于英国伦敦艺术大学温布尔顿艺术学院油画专业，获硕士学位，次年归国，目前生活并工作于北京。

吕松个展“控制点” 展览现场

　　此次展出的作品均来源于艺术家近期的绘画实践。破碎的人物剪影、野蛮生长的巨大植物、建筑废墟相互纠缠……画面中的这些内容，叫人无法分辨艺术家究竟是在直觉地反映自己所处的生存环境，还是有意地带领观者逃离无所不在的日常秩序。由艺术家编造的这一题材在指向上十分暧昧，弥漫在画布上的复杂气氛既叫人向往，却又不免令人生畏。

　　艺术家对自己的绘画创作抱持着一种实验的态度，他倾向于以情绪带领肢体、再以笔触带领思维的操作方式，来检验其心理空间的范围。时不时出现的拓印或磨损痕迹，不完全来自于“控制点”的宏观把控，但也并非不具备任何目的性。艺术家热衷于在绘画创作中添加文学性的感受及蒙太奇的质地，在厚重且昏暗的色彩里映射出光感，灵活地体现与叙事性的对抗及与个人记忆的拉扯。

　　【结语】结束了“一路向北”的西岸艺术日，你最喜欢哪个展览呢~？

来源：雅昌艺术网 作者：谢媛,彭菲