赵跃鹏，一九六六年生于福建福州，号药朋，斋号甘棠馆，祖籍河南洛阳。一九九〇年毕业于中国美术学院中国画系。现为浙江画院专职画家，浙江画院花鸟画工作室主任，浙江美术家协会常务理事。

　　艺术生态应当是不断进步的，虽然人们总在以回望的名义不断重申传统的存在价值与重要意义，但进步却应该是最为值得被认识、肯定并警醒的。生态既包含了艺术本体，又囊括了艺术发展的方方面面，而无论如何，真正意义上的进步，绝非是一个简单可以藉时代或者年龄就解决的问题。

　　千余年来，中国传统绘画经历了从形似到神似的过程，对绘画的本体论认识随着时间的流逝而加深。元以降，绘画逐渐走向表现，明清以来，伴随写意之风大盛，就艺术本体认识而言，这意味着巨大的进步，但鉴于艺术家个人基础和修养的不足，所出现的粗枝大叶、胡乱涂抹的流弊却影响深远。

　　如果说文人画流于萎靡，是源于对写意的把握不当，那么，时至今日对于中国画的种种误读，则愈演愈烈。很难以一种具体的状态概括当代中国画的现状，中国画脱离自身规律与价值，被绑架于各种支离破碎近乎于野狐禅式的伪儒道释之学，并被掩盖于几十年来经济实力提升带来的全民性收藏热潮背后，不一而是。但显而易见的是，所谓放之四海而皆准的概念，往往意味着知识体系更大意义上的空泛与贫乏。

　　而作为一名中国花鸟画家，赵跃鹏以其独有的敏感与细腻，从绘画本体最自然的状态出发，诚实面对中国画于传统意义上的表现力和局限性，展现对万千自然天趣的感悟，他的创作源自个人内心深处的体察，精妙创真，从中更可以反映出中国传统绘画逾千年历久而弥新的无尽魅力。

　　言及中国画，无外乎传统与创新。一般认为，重传统者，多守成；重创新者，罔视传承，而能将二者集于一身，自传统入而青出于蓝者，更是寥寥。然而，首要的问题是：何谓传统？以花鸟画为例，如果将宋人作品视为高山仰止的传统的话，其中的精髓是什么？宋人于绘画中所在意的到底是什么？宋代绘画作品中真正的扛鼎之作又是哪些？今天如何正视其价值与意义？而于明清乃至近现代，花鸟画仿、临宋人者亦多，而难近宋人格调，原因何在？这些具体的问题，绝非仅仅是依赖于“传统”二字便可以解释清楚的。长期以来，中国画自身便处于尴尬的自相矛盾中，正如“圆凿而方枘，龃龉而难入”。

　　中国画有其自身存在发展规律，这种规律需要从业者以理性近乎于科学的态度和方式进行解读学习，而绝非常态意义上的“逸笔草草”，更不是理论家口中一系列的形容词。绘画的高级状态是表现，西方绘画中的表现性与中国画的写意性，两者在某种意义上都是崇尚于整合创造，这其中既有对万物的发现概括能力，也有点线面组合构成的审美发现。中国画家需要认识到的是，写意是一种绘画观念，而非仅仅是区别于工细一类的画种而存在的，实践者应当具备区别于理论家的理性，尤其是在艺术的纬度和时空的经度上。

　　相比较而言，赵跃鹏对于中国画有着高度的理性认识，他既不一味盲目迎合，也不简单肯定认同，而是更多将对艺术创作原理的理解，与自身体验相结合。他的创作，是在继承宋代以来中国花鸟优良传统的基础上，对于中国画本体构图、造型、素材上的突破，更在于将东西方绘画中的原理和共性观念，不露痕迹巧妙融合入进了中国画的创作中，从而形成了他个人法度完备、富于个人风格的绘画面貌。

　　绘画的表现性，无论东西方，极简远比繁复来的难，创作者依赖于冗多的元素和艺术手法丰满画面，却未必一定能使画面具备饱满的整体感。赵跃鹏的作品重在心灵与景物的对话，着眼于布局的洗练以及笔墨的自由，这在于他深谙宋代以来花鸟画的内在画理与笔墨规律，并在此基础上将西方绘画中的构成，与中国画中笔法、墨法与水法所组织起来浓淡干枯、线面关系统一起来，并娴熟运用于个人创作中，因此，画面丰富的细节之间紧密联系形成一种强大的张力，使他的画从远处看去，是黑、白、灰的组合，而细观之，我们会看到，画面的内容相当丰富，并且紧密联结在了一起。

　　与多数艺术家后期嫁接而来的气质所不同，闽文化中强烈的差异性与信仰、民俗文化的多样化，为儿时于福州城市周边长大的赵跃鹏，提供了特殊的观察视角。而他也没有忽视记忆中的某些神秘性与异样感，这些看似不经意的瞬间和经历，赵跃鹏在成长过程中不断通过对史料、原典的阅读加以丰富、认证，影响并转换成为了其个人的绘画情绪与状态。

　　艺术没有借口。数十年来，被奖项和市场充斥着的中国画界，画家们在自满与知足中顾影自怜并诩为寻道。而赵跃鹏的绘画所带给我们的，绝不仅仅是孤冷萧瑟的格调和雅俗共赏的画面气息，更重要的是可以引导我们正本清源，反思当代中国画发展中存在的种种误读。一定意义上，他始终站立于对中国画最本质的认识上，并从对本质的变革中进行突破寻找现实以外的另一个自我，为我们展现出中国画最高级别的境界——坚柔同质与巨微等量。

 

作者：王凯