3月2日，“和光·同尘”何多苓师友展在深圳·国风艺术馆拉开帷幕，展出何多苓及其挚友、学生作品数十件。众所周知，何多苓平日极为随和，尤其是对自己的弟子，在艺术创作上给予很多的指导，在事业上也有很多提携。平时的生活创作中，弟子们常以“何叔”称谓他。

何多苓此次展出的作品均以植物为写生对象，其成熟、顺遂的技法在画面中一气呵成，简单的题材却呈现出不简单的层次空间，“因为我画了40多年了，画到现在我觉得我开始进入比较新的境界，在对待客观世界、对待生命体时，不论人还是花草，我都觉得它们在宇宙中具有同等价值、同等权利，我都用同一态度去表现它们。此次的作品，是我原本的画法加上一些我所理解的中国传统绘画的元素、技法。我觉得就是表现一种对生命体的尊重和热爱吧，我想这个可能也是我绘画的初衷。”何多苓在现场谈到。

何多苓觉得自己在年轻的时候不太注意传统，那时候学习的是西画，对那些新鲜的技法、表现很是喜欢。直到90年代，可能跟年纪有关系，也有骨子里的文化基因在起作用，何多苓开始越来越多关注中国传统文化。“我这么多年就是致力于把中国传统的东西——不管是方法、意境还是美学内涵，跟西方的油画结合起来，这次展出的《杂花》也是其中的表现之一，即通过西方的写生方法，但试图表现出中国文人画那种花鸟画的意境。”

一直以来，中国很多著名的油画家，比如徐悲鸿、刘海粟等，到晚年的时候都会回归到中国画的创作中来。何多苓坦言自己连毛笔都不会使，更不会画中国画，但这并不妨碍他对中国文化的重新理解和回归。“现在学习中国传统的人很多，各有各的切入点。我一直是画油画的，现在亦是通过油画的画笔来表现我所理解的中国精神，因为我觉得对精神的继承应该是比较本质的，而不是形式上是油画还是国画的问题。”

除了何多苓的最新作品以外，现场还展出了他的挚友、学生的数十件作品，前来观展的深圳艺术家应天齐在现场表示，十分欢迎这一支浩浩荡荡的“川军”杀到深圳来，为深圳艺术带来不一样的感受甚至冲击。

53年出生的师进滇是何多苓的挚友，此次展览呈现了极为震撼的雕塑作品，他以钢丝为基本艺术手段，打破了常态雕塑的体量空间占位和逻辑性，另外他选用当下时代的材料作为创作媒介具有很强的当代性。其作品的高度精致与细密，直让观众叹为观止。为了这么“极致”的创作，师进滇已在四川青城山隐居了八年，他觉得唯有如此纯粹的“封闭”，才能发掘自己内心的潜能。

“60后”肖克刚的作品讲求无目的性，无观念性，也不考虑空间和视觉，而更加在乎去技术化后画笔碰触画布时的自然体验，他将技法和观念消解在看似肆无忌惮的横竖涂抹中，画面中呈现的是艺术家在无意识状态下宣泄的情绪轨迹，形成很强的视觉冲击力。

“70后”郭燕认为“绘画是一种感觉，而不是理解”。不得不承认，郭燕对绘画是很有感觉的，这种感觉不是来自于技法或手艺，而是源自她对于绘画作为一种表征关系或话语范式的自觉，而且她还拿起捏得如此到位。

“80后”曾朴近10年的作品大多为尺幅较小的青年男女头像和半身像，鲜有的描绘动植物的作品也透露出人的影子。这些人物形象大多取材于日常所见的报刊杂志、网络媒体、电影等，甚至还有个人主观臆造的。他所有作品的背景几乎都为纯白色，且大多仅画一个人物，画面里仅用几种色彩却变化极其丰富。曾朴更像是一个理性的旁观者，通过描绘各色人物独特的造型、微妙的神情、个性的衣着和发饰来表达人物独特的个性和丰富的情感。

出生于90年的熊璇是所有参展艺术家里最年轻的，从年龄来看是标准的90后，很难想象一个90后女孩会着迷于坦培拉这种古老的绘画技法。坦培拉是盛行于14至16世纪欧洲文艺复兴时期的一种绘画技术，其绘制程序非常复杂，没有足够耐心是无法驾驭的。这种绘画技术几近失传，她通过网络视频自学，反复试验才得其奥妙。她通过坦培拉这种原始的绘画技术描绘当代年轻人的精神状态，画面反而具有一种超越时空、虚幻而独特的气质。

何多苓觉得，把这群不同年龄段的艺术家作品放到一起，是一件非常有意思的事情，每一代人所关注的东西，他的时代背景、教养、经验所显示的东西都在作品中。“这样放在一起，我们可以明显地看出艺术在不断地变化发展。”

对话何多苓——

雅昌艺术网：您怎么看待现在颇为流行的“写意油画”的概念？

何多苓：写意画是中国画的一种方式，油画其实也有画得很流畅、很速写的那种，这是古已有之，也不是中国首创，所以我觉得这个“概念”不见得很准确。我的作品也不适合称为“写意油画”，因为我是学习写意画中的用笔、皴法，以及作画时手和笔的运动关系，你说写意也好，速写也好，我认为更多体现的是一种比较自由的精神。

我觉得国画的用笔是它的精髓，到了手跟脑、画的表现同一的地步，这是一种至高的境界，我一直在尝试往这个方向努力，比如空间的压缩、色彩的简化，我觉得都是比较偏东方的一些画法。印象派画一朵花是把纵深的空间背景全都画出来的，我不是这样，我是把背景简化成有一些留白，相当于中国画的留白，但因为画油画，这个留白是有色调的，尽量的简化压缩成二维。

 雅昌艺术网：因为之前您闻名遐迩的作品是人物肖像画比较多，现在开始《杂花》系列，是因为您觉得人物画到了一种很难突破的时期吗？

 何多苓：不是，人物肖像永远是最有魅力的。以前我倒是规定自己只画人物，后来随着年龄的增长也发生了一些心态的变化。我家里一直有个小花园，我观察了许久，一直有种想要画这些花草的冲动。大概2012年时，我开始画这些杂花写生，到现在都没有停过。过程很简单，我就对着这些花，然后很快地在大脑中处理一下，再很快反映到手上画出来，速度很快。我的题材没有限制，什么都可以入画，这也是一种自由。

雅昌艺术网：对很多观众来说，艺术好像比较小众，也总是会面临看懂或看不懂的问题，作为艺术家的您怎么看待这个问题呢？

何多苓：很简单，我就问观众喜不喜欢，如果他说喜欢或者是不喜欢，那就是看懂了，要不然不会产生这种喜欢或者是不喜欢的感觉。艺术品虽然是画家的自我表达，但也是挂出来给大家看的，一个画家不能站在旁边解释他的作品，当画挂出来的时候语言就应沉默了。

雅昌艺术网：您曾在采访中说过，您是一个不喜欢被贴上标签的艺术家。但现在艺术家也越来越有“明星化”得现象，您如何看待这个问题？

何多苓：我觉得标签肯定别人是要贴的，但贴标签不一定有意义。艺术还是个体的活动方式、工作方式，我到现在还是坚持这一点，我不介入任何潮流，硬要把我归入哪一种，这是观众或者评论家的权利，我也不能去反驳。

明星化，我个人不太喜欢。首先我是不愿意的，我认为明星是时代的产物，明星某种程度上自己就是前台的一个作品，但是艺术家是用画面来表现的，我们自己应该在后台，所以我不太喜欢有时候被采访的时候他们更多拍作者的照片，绘画反而退居其次了，这不应该是画家的方式。

雅昌艺术网：在现下全球经济发展、互联网连接更紧密的情况下，很多文化或者艺术都产生了同质化的问题，您怎么看待同质化这一现象？

何多苓：这都是正常的，因为现在媒体特别发达，艺术进入多媒体时代一定会有很多同质化的东西，很多相互冲突，表现的内容和方式都处于一种极端的多元化的状态，这是非常好的事情。

在最开始，绘画承担了很多功能，比如摄影、新闻、戏剧，但现在它不承担这些功能了，那么她存在的理由又发生了变化，如果我画的人和照片一个样就没意思了。我会有我的表现，我画出来的是我看到的这个人在我的大脑里投射的影子，我会用我的方法去诠释他的性格、形象，不能说完全像他，可能若即若离。

雅昌艺术网：这次展览可以说是四川艺术家的一次集体亮相，那您觉得艺术家的创作跟地域文化特色有关系吗？

何多苓：当然有关系，比如一个艺术家在深圳，他的表达肯定是不一样的，他处在更为现代的城市，他所获得的资讯又不一样；成都是一个相对封闭的地方，生活方式也有很大区别，在那儿的画家，他的创作风貌就是今天你们所看到的，在全国还是比较特殊的。个性是永远存在的，因为人就是有机的整体，成长以后其所处的地域、时代、生活、背景对艺术家的影响都非常大。

雅昌艺术网：何老师，我们现在回望上世纪80年代，可以说那是一个星光熠熠的时代，很多像您这样的画家都成名很早；但反观今天，现在的年轻艺术家可能没有这样的机会了。您怎么看待今天的年轻艺术家所面对的情况？

何多苓：他们面对的环境比我们复杂多了，所以我并不羡慕他们。他们首先生活压力很大，我的学生毕业以后很少有人能够靠绘画生活的，他们要找一个工作，然后再用业余时间画画，这是他们所面临的一个经济压力，不像当年我们20多块钱就可以过一个月，那会儿生活没有压力，当然那时候物质整体水平都相对低。

第二，现在的年轻人面对着太多的诱惑，有时候不容易沉下去做一件事情，不像当年我们环境那么单纯。我们学画画的时候不知道有艺术市场，只知道自己喜欢画画就去学，我是放弃工作考的美院，当时纯粹属于热爱，没有想到画可以成为商品，后来过了几年，中国艺术市场开始形成，那会儿知道原来画家可以靠画画来生活的。现在年轻人入学的目的性比较明确，纯粹学绘画的人也越来越少了，毕业以后就会面临生活压力，所以现在年轻人面临的问题比我们多。

当然，他们优势也很明显，比如资讯发达，智商、情商比我们高。不过，智商高有时候对于画画来说不一定是好事情，笨一点也许更好。