祝延存自进入美术学院学习以后，便逐渐显露出对色彩的钟爱和体味方面的敏感，然而，从作业的实在效果看，也只是相当好地解决了写生造型的诸多问题，直到他攻读硕士学位以后，把水性材料的色彩表现设为课题，在“通联”了古今中外关于色彩方面的关系，特别是在东西方色彩观念上的比较以后，经过实验中的调整方法到调整观念，转折性地获得了大提升，有了一个大“觉悟”。

　　工作在版画系，他除去继续研究色彩和色彩教学，自己也开始做丝网版画。大约是在2005年，他让我看了他做的第一批丝网版画，是《帕米尔回忆》和《收青稞》以及《等待》系列。这些作品给我的最初的印象就是色彩上的“别开生面”，之后才是形象构成。我当时即认为以他的色彩表现的偏好和功力，选择做丝网版画是很恰当的。

　　丝网版画的优点，主要体现在色彩上，或许是制版时的自由度和制版手段上的相对快捷，使色彩的“语言”的表达得以充分发挥。但是，版画的色彩“语言”又绝非一般的色彩“语言”所能代替的（比如油画的）。本来在完成一幅丝网版画作品的过程中自可明了的、无需解释的问题，却长时间在美术学院教学中被质疑其“特殊性”，被“规律是一样的”这样一句话否定掉。“提纯”，或者说“非写实”，已经是现代绘画的“经典”认知，解决光影、质感等问题早已经被搁置或被锁定在初级技能的范畴。照搬自然形态的做法，在版画表现上最是“费力不讨好”，最是显得笨拙。

　　祝延存出手即到位，得益于当年的“觉悟”，再做版画，不过相得益彰而已。那以后，他已是依其规律行事，创作也就驾轻就熟了。

　　看他的《如歌的行板》、《梦回帕米尔》、《十五分之一秒》等等，恰到好处地运用不同工具的不同机理效果，使版画生动、有趣。这一点，也给了我很深的印象。

　　再有就是他的构思上的设置“悬念”，如《等待》什么？不完整的形象、《凝》、《在哪儿》的不清晰……总之，他在作“绘画”，而非做“文学”，尽管有时做“文学”的，虚构起来比绘画者更甚，更讲求语言的特色，到底还是不一样。

　　在中国，丝网版画开始于七十年代末、八十年代初，因为对于它的语言特性的陌生，初始，凡是做丝网版画创作的，无不运用木刻套色的办法，留下一个“主版”最后压上去。这样的画，基本上像木版画，却没有“刀味”、“木味”。现在，已经没有人再这样做，然而，能够达到此地步，是经过许多人在实践中摸索和总结经验的结果。祝延存参与进来，又把丝网版画语言的特性给予进一步的张扬。

　　丝网版画很早就运用了照相的办法，利用“阶调”的原理处理照片，压缩的色调给人以新鲜感，但是，形的绝对准确却与它形成了矛盾。消除了错误，避免了意外，使主体表达陷入“失语”。这种方法只有摄取的功夫，只有对它的加工，如果也只是这样的运用而已，就没有了意义。现今，仍有些创作是这样的，显然，是落伍的办法，尤其是在数码技术空前发达的今日。若将照相的办法在创作中适当地运用，或者打破时空限制做拼用倒是可以的。

　　照相的办法基本上的不可取，关键在“封闭”了创作者的想象空间，“剥夺”了创作者的自主表现的自由。比如对于自然形的提炼、概括，是没有可能的。看祝延存的丝网版画，明显的感到他在改造着形，比如《帕米尔回忆》之中的山，已经被处理成既是山，又不是山的地步，这画就好看了，而个性随之显现。一再地个性，风格也就形成了。

　　不为“诠释”什么去画画，只为“触动”去画画，倒是让他的画具有了“耐人寻味”。这个“耐人寻味”，也是新鲜感，一种全新的色彩表现。丝网版画滥觞自上个世纪的80年代，那个时期创作的特征就是我在上面提到的，木版画套色的习惯、照相的运用等等，唯独没能根本改变色彩的薄弱。如果，将这一时期的创作称为第一级，那么，祝延存的创作应该属于第三、四级，所以，就有了突破。

2010.06.29

作者：广军