“影像成诗——新影像 不止所见”开幕式现场

　　9月5日下午，艺术群展“影像成诗——新影像 不止所见”在上海当代艺术馆(MoCA)拉开帷幕，展览由上海当代艺术馆与国产科技领军品牌“华为”共同策划。十五位来自不同领域的艺术家，以HUAWEI P20手机为工具进行委任创作，三百多位素人创作者与艺术家们在空间中并置。参展艺术家有：韩娅娟、蒋志、Masha Ma、李元素、林畇恺、刘毅、彭杨军、沈楚楚、沈奇岚、宋晓军、王铃茈、许以、杨青青、杨泳梁、张晋硕。从上述名单中可见，受邀艺术家不仅限于当代艺术领域，还有来自设计界、时尚圈和文学界的领军人物加入。

　　通过此次展览，美术馆和品牌期望国内和艺术家和观众，能在日常生活语境中表现出约瑟夫·博伊斯提出的艺术宣言——“人人都是艺术家”。

韩娅娟作品《(X)~(X=X)》 展览现场

　　韩娅娟用16小时以上不间断地拍摄三万多颗染成5种不同颜色的彩粒，她记录着它们从无序到有序，再从有序到无序的过程。最终，单个视屏时长为5分零九秒，由8000多张照片剪辑合成。作品名称《(X)~(X=X)》指代空无的公式，以此对作品整个繁冗的创作过程进行了消解;五色泛指各种颜色，作为构成色块整体的一部分，每个彩色微粒占比不到三万分之一，却是极小又极重要的存在，它们在从无到有间往复，在有限与未知中推演，犹如生命个体在宇宙中的不断延续。

蒋志作品 展览现场

　　蒋志特别定制了4个充满温度与生活气息的生活空间，让观众可以沉浸在艺术的作品里，感知生活中的美。同时，艺术家还根据现场，定制一组旧颜摄影作品。何谓旧物故事?事物何旧之有?每刻之状，都是前所未有。刹刹如新，滔滔不驻。

Masha Ma作品《吸气》展览现场

　　Masha Ma的作品《吸气》呈现一种人的生活状态。它时而平静，时而激烈，时而深沉的，人生亦是如此。

　　李元素《合成2018》采用实拍上海的街景，艺术家将数字像素绘画与丙烯手绘进行拼贴和加工，最终呈现一个混合媒介的三联组画。这种“合成绘画”体现合成时代的精神，这也指代人们日常体验的世界——它已成为自然物、人造物和虚拟物的合成世界。

林畇恺《穿着连体衣的女孩儿》展览现场

　　林畇恺的《穿着连体衣的女孩儿》灵感来自人眼对光的反应。少女们也像色彩一样充满各种力量——虚妄的、狂妄的、自由的，艺术家尽量让她们进入一个纯粹的环境，来展现他们生命中最具色彩的某部分。

刘毅作品展览现场

　　刘毅作品《31天(20170801-20180831)》是艺术家的一段“记录”。自2015年4月14日起，刘毅坚持在手机屏幕上用手指画画，完成后分享在朋友圈中。这项“工作”每天都有，给其带来创作的喜悦与兴奋。

彭杨军作品《时光》 展览现场

　　彭杨军作品《时光》源自艺术家的一种记忆。他说：“我时常惊诧于对自己 5 岁之前很多场景的记忆，细节到某个人 的表情。一句话、一种气味、光线、甚至当时的情绪。我始终不明白，是什么让我选择记住那些并不重要且琐碎的场景。很多年后，我长大成人，为人父母，经历了普通人该经历的一切， 甚至更多，回过头来，这些年留在脑海里的，仍旧是那些普普通通支离破碎的场景和感受，气味和光线。于是我似乎开始明白， 那些穿越时光被记住的，才是真正珍贵的，重要的。”

沈楚楚、张晋硕《城市》展览现场

　　沈楚楚和张晋硕带来作品《城市》。这座“城市”的缩影被放置一方鱼缸中，城市的夜归人是鱼缸里一尾尾红鳞蓝鳍的鱼，建构在鱼缸里的生物链就好像环环相扣的城市生态。

沈奇岚作品《一个我们，不是两个你》 展览现场

　　沈奇岚作品《一个我们，不是两个你》意图捕捉最亲密的灵魂相处时的状态。沈奇岚拍摄了对她而言生命中重要的朋友。对其而言，重要的并非朋友的身份，也并非朋友的职业，甚至名字都不重要。对于真正的灵魂的朋友(Soulmate)而言，唯一重要的是她们如何在一起。

宋晓军《远方的夏天》展览现场

　　宋晓军作品《远方的夏天》描绘着一幅幅场景：沿着高原的脉搏，聆听生命的声音。每一种音乐，都与人与自然与心灵相通，回归了人之为人的本身。音乐是流淌在西藏人血脉里的语言。家家户户男女老幼，都会以歌曲来传达彼此的情感与情绪。

　　王铃茈作品《与光》以“自我”之名，构建神秘而独立的封闭世界。穿行在饱满而幻丽的色彩中，女孩犀利尖锐的眼神似箭穿透现世，或迷失，或窥探，或疑惑，或尝试，只为找寻一个未来的出口，一段看似真实不飘渺的故事。

许以《匿名无名氏》 展览现场

　　许以作品《匿名无名氏》是一组照片，以匿名的怪人和盟友在上海市展开。在相片中，他们被配对为情侣，以重现由肖像画和雕塑启发的亲密时刻。一些曾经是仍然是在承诺的关系，其他人是亲密的朋友。匿名的无名小卒尽量不给任何类别的人贴标签。

杨青青作品《我从不露出真相》

　　杨青青作品《我从不露出真相》是一组镜前的彩色脸谱自拍照片与戏腔声音交互装置。那些暗空间，如舞台，照片悬于空中，聚光灯于每个不同的人物图像。观众近作品时，即会触发交互控制的声音，空间有戏腔声此起彼伏。“在戏里，红脸、白脸、蓝脸、黄脸、绿脸、黑脸，每个脸色都是某个人物角色的程式化呈现，呜...哈…啊…哎…吚…呀…每个腔调都是某个情绪的程式化表达，没有真相——我如此。从不露出真相。”艺术家说。

杨泳梁《矿山》 展览现场

　　杨泳梁的作品《矿山》是在矿区附近拍摄的。人工开采和管理过后的土地分外荒凉，慢慢与自然融为一体。这些矿区，并没有艺术家想象中的一片狼籍，反倒有一种凄凉感。此次所呈现的画面，和艺术家以往的山水作品经过同样的拍摄、重新组合和拼贴的过程。不同的是，杨泳梁单纯地还原了这片土地的现状，并没有加入额外的东西。

　　“无论是海德格尔的《人，诗意地栖居》还是本雅明的《机械复制时代的艺术》，都聚焦在艺术化和诗意化地消解科学与技术。一个世纪走过，科技带给人们的生活体验，远远超越了人们的想象，科学与技术让生活回归美的本源。”上海当代艺术馆(MoCA)执行馆长孙文倩在展览前言中写道。当艺术与科学链接，不是对技术的屈服，而是对技术无限可能的延展，开启更多元路径的艺术形式和美学思考。

　　据悉，展览持续至9月15日。

来源：雅昌艺术网