​杨勋，《石头记》，布面油画，2013—2015，200x300厘米(图片由艺术家和方由美术提供)

杨勋于1981年出生于重庆，2005年毕业于四川美术学院油画系，获学士学位。现生活工作于北京。

杨勋的画面，编织出看似伤感的古典经验，但实质却是古典视觉的一次瓦解。其线索，首先就在于那些极致的细节描绘。这些细节，与古典视觉原则形成了一种感官上的悖论——符合空间性的细节在整体上消解了空间性，最终，平面反倒成为画面的感官特征。也即，杨勋以古典语言的细节消解了古典视觉的最终呈现。这是很有意思的尝试，因为将技术、语汇与其既有的审美经验分离后，我们会发现，视觉呈现本身较之假定的视觉意义，更加具有某种独立性，并因此更能够获得作为画面存在的单纯性。

正如，杨勋借助的东方园林、假山石等，这些看似具备明确意义的对象，其实，在他的画面中与细节的油画语言一样，都是“去意义”化的独立存在。所谓“去意义”化，说得简单些，就是这些物象、技术原本所具有的视觉意义，在新的阅读关系中失效。

杨勋借助足具干扰性的光源，来进一步破坏我们关于这些图像的习惯经验。我不知道，这种方式，是否受到了摄影中曝光效果的启发。但无疑，仿佛照片翻拍中出现的曝光点，在画面中以强光源的方式出现，使得杨勋的作品具有了一种再次阅读时足够遥远的距离感。当然，这种距离并非物理性的，而是心理性的。因为，物理距离只能干扰我们的视觉清晰度、准确度，而心理距离才能影响我们的视觉记忆、判断。所以，面对杨勋充满个人色彩的那道光源，我们记忆中的园林、山石，忽然间失去了历史，与之同时，那种关于古典再现主义的绘画记忆，也同样消失得难寻踪迹。

明白了这一点，我们就会很容易理解杨勋画面中的光，并非美学意义上的画面营造，而是对绘画作为观看方式的重新理解——它提供的是观看行为的过程，而非观看的结果。至此，在我的理解中，杨勋的工作就变得越来越有趣了——他提供了一种重新审视当下绘画创作的契机。因为，无论是观念艺术，还是主流艺术，绘画作为绘画似乎越来越不再重要，重要的是它能给我们带来怎样的主题、怎样的意义。在这种潮流中，艺术作为视觉存在的感官前提越来越模糊，乃至于它与“非艺术”失去了辨别性。