虽然贾德和海丝似乎已经够激进了，但至少他们还是在创造某种东西。后来被称之为观念主义者的艺术家们则直接消解了艺术客体本身，将极少主义的逻辑推向了一个极端。若是追根溯源，观念艺术可回溯至马歇尔•杜尚的观点：艺术创作应该是一种精神活而非物理活动。
最著名的美国观念艺术家约瑟夫•科苏斯（Joseph Kosuth，生于1945年）在1965年抛弃了绘画，开始和语言打交道。
受哲学家路德维希•维特根斯坦（Ludwig Wittgenstein，1889—1951年）的影响，他相信，语言可以将艺术从审美领域带人哲学冥想。他的《一把和三把椅子》（One and Three Chairs）展现了一把现实中的椅子、一张将那把椅子原比例放大的黑白照片以及字典里对于“椅子”一词的定义。这件作品引导观众从一把实际存在的椅子看到纯粹的语言学中的“椅子”，从而提出了一个问题：“哪一个才是最真实的？”
约瑟夫•科苏斯《一把和三把椅子》，1956年，木头折叠椅、椅子的照片、字典中对椅子的详细定义，82.2×37.8×53厘米；照片面板，91.4×61.3厘米；文本面板，61.3×62.2厘米。现代艺术博物馆，纽约。赖瑞•阿德瑞克基金会（393.1970A.C）。
许多观念艺术家使用他们的身体作为媒介，并将他们所参与的活动或者表演视为艺术品。有的人受到20世纪50年代的作曲家和哲学家约翰•凯奇（1912—1992年）的影响。凯奇将日常经验和纯熟偶然的经历融合到他的音乐创作之中。他提倡艺术的综合性——包括剧场、音乐、舞蹈以及视觉艺术。在凯奇的影响下，阿兰•卡普罗（Allan Kaprow，1927—2006年）从绘画转向了随心所欲的文字性的多媒体的偶然事件。同时，日本具体美术协会（Gutai Group）的艺术家们展示了一系列夸张的戏剧性的行为，他们将其称为行为艺术（Performance Art）。在1956年《投掷颜色》（Hurling Colors）中，他们将成瓶的颜料摔在铺在地板上的画布上。在巴黎，伊夫·克莱因（Yves Klein，1928—1962年）——他在1957年之后只用蓝色进行创作，因为他认为蓝色是最具精神性的颜色 在1960年创作了《蓝色时代的人体测量学》（Anthropometries of the Blue Period）。他在三个女人体模特的身上涂上蓝色颜料，然后指挥她们将自己身上的颜料印在铺在地上的巨大白纸上。克莱因的《单音交响乐》（Monotone Symphony）是这一行为表演的背景音乐，20分钟只演奏一个音调，接着沉默20分钟。在一定程度上，这是对波洛克的狂妄自大的行动绘画的讽刺，因为克莱因本人连碰都没碰画布。“我不喜欢艺术家将自己完全倾倒在他们的绘画中去。”他写道，“他们就像发泄自己一样，把所有腐烂的复杂难懂的东西都吐到画布上，这是给他们的观众增加负担。”
在1966至1967年，美国艺术家布鲁斯•纳曼（Bruce Nauman，生于1941年）在双关语和双关画的基础上创作了一组系列摄影作品，这个系列共有11张彩色照片。例如，在《作为喷泉的自画像》（Self-Portrait as a Fountain）中，艺术家光着上身，仰着头，用嘴把水喷到空中，颇有杜尚的遗风。他把自己当做了艺术作品，甚至把自己命名为“喷泉”，这正是对杜尚那件著名的小便池的模仿。
布鲁斯•纳曼《作为喷泉的自画像》，1966—1967年，彩色照片，50.1×60.3厘米。
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作者：中国当代艺术
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