卢晓峰，1977年生于山东，1999年毕业于山东艺术学院，获学士学位，2003年毕业于中央美院国画系第一工作室研究生课程班，2006年获山东艺术学院意笔人物画教学研究硕士学位，2010年获中国美术学院中国画创作实践与理论研究博士学位。现为山东艺术学院美术学院副教授，中国美术家协会会员。

　　刘笑：五六十年代的绘画是功能性的、意识形态性的，特别是对于人物画来说，它可能承担的更多，从80年代开始，水墨人物走向了个性化，您的作品就就趋向于一种观念的自由表达。

　　卢晓峰：画画说是在表达观念或者实现功能论上的以文载道，承担政治或者经济方面的东西，我觉得画做不了那么多，它其实就是一个好玩的东西，从中获得乐趣。艺术从本质上来说就是一个游戏，我们都有这种游戏的本能或冲动，只是在社会文明的进程中逐渐被各种思想所武装。艺术承担了太多的负累就显得不那么纯粹。我把艺术当成一种游戏，其实就是想让艺术作为艺术而存在，把它还原到一种本能的创作冲动，让它好玩一点，自己有乐趣，别人也觉得有乐趣，这是挺好的一个状态。

　　刘笑：这种冲动中除了自我的东西，有没有想过把自我与时代的关联加进去？

　　卢晓峰：其实这个不用去刻意追求，因为你就生活在这个时代，你接触的人、接触的事，产生的感觉或想法从这里生发，本身就是非常当下的。只要真诚的对待绘画，任何东西不用刻意去做，自然而然地就会呈现在作品中。经常有上一代的老师们说70年代这一批画家的实践大都属于流行画风。流行乍一听会觉得有些贬义，因为流行的东西会让人觉得比较肤浅，但是它又代表了一种生命力，历史上的经典在当时都是流行的，他们引领了时代的方向，符合了那一代人的审美习惯。我们这个时代的开放性在于：你可以去探索具象写实或笔墨趣味，也可以夸张变形，也可以抽象无形，只要你表达了自己的东西。我的很多作品，比如公交系列，虽然做了一些变形处理，但它实际上是很现实主义的。人生百态其实都可以浓缩在画中。

　　刘笑：就您的创作历程来说，是经过了写实训练之后的意性探索，造型上的东西可以保证，但笔墨可能就丧失一部分，因为上一代人对人物画的发展在于在探索写实主义的同时，保证了笔墨趣味的纯正。

　　卢晓峰：对，为了服从表达的需要肯定会牺牲掉一部分。我相对来说偏于保守一点，始终认为笔墨作为基本功训练还是要有的，这一点在教学中我也特地强调。我觉得观念的东西的还是需要一个好的造型和笔墨基础为载体，相应的能力会使绘画获得相应的持久性，不至于流于空泛。我的想法是往前走两步，往后退一步。往前走是在探索，往后退就是去尊重传统，在传统中汲取养分。好像对大部分人来说，画中国画都要有两种能力，要有画创作的能力和画传统的能力。我也画大量的传统题材，包括古代仕女、高士等等，以古典人物来提高传统的功力，因为古人的褒衣博带可以更好地锻炼笔墨，节奏变化会更多，这对提高笔墨修养起到的作用特别大，不经意间出来的效果会令人欣喜若狂，自己也会越来越放得开，越来越大胆。然后把这种状态移植到自己的水墨创作中，会取得一些新的东西。现在我也在做一些实验，强调线条的变化，笔墨节奏的变化，在这个基础上，把自己的一些想法，或一些比较现代的形、色加进去，这样会更耐看一些。

　　刘笑：那您作为比较年轻的一代，对待中西绘画的态度也可能更为开放？

　　卢晓峰：抛弃其他一切外在因素来看，中国传统绘画的笔墨价值是独立的，是非常有魅力的，不会因为时代的发展而消磨了，是无法替代的。西方绘画的造型写实能力很强，色彩理论和实践的运用也很透彻，这是它吸引人的地方。在我这里，中画西画二者的界限不是特别大，我只看好的东西。中国画里面有很多不好的东西，也有很多好的东西，不会因为说它是中国画就觉得它老，它的价值就遭到贬值或埋没，好的东西应该拿过来，变通一下，保留它的优质感，不好的东西就要剔除掉，没有必要为保持一个中国画的身份，来硬接受它。各种画种、各种艺术形式，只要是好的都应该拿来用，就看你怎么把它糅在一块，变成一种中国式的。

　　刘笑：山水画和花鸟画在技法上可以直接从传统中寻求相互勾连的价值，但对意笔人物来说，离传统的距离比其他两者更大一些。

　　卢晓峰：我觉得这是一个坏事也是一个好事，在刚学画的时候可能觉得是个坏事情，但从长远来看这是个好事。当今人物的衣饰、发型、精神状态以及所思所想同古人相比已经有了巨大的差别，能够从古人实践那里可直接借鉴的东西相对较少，在继承少的同时包袱也少了，这样就可以最大限度地激活人们的创造力，避免迂腐的因循守旧，从当前人物画发展的状态来看，基本上已经摆脱这种窘境了。因为山水、花鸟的基本物象千百年来是没有什么变化的，又不可能完全按照传统的东西去画，想创新很难。我觉得画画要给自己一个定位，要站在一个美术史的角度来看，如果一直在重复，可能会做的很好，但从美术史的角度来看价值就不太大，美术史的书写者不是那些重复历史的人，而是创造历史的人，历史总是向前发展的，还是要站在创新的角度，把属于这一时代的那一环给扣上。

　　刘笑：您的博士论文是对整个传统人物画的系统研究，特别是人物面部表情，这个过程可能会对传统重新思考，其中有什么特别的收获？

　　卢晓峰：对历史上的人物画系统梳理后我发现了很多新问题，也掌握了一条相对清晰的发展脉络，可以说收获颇丰。当研究到元、明、清这一块时，我也开始重新反思文人画，它到底是好的还是坏的？我觉得最起码对人物画来说是不好的，直接制约了它的发展。文人本身就是一群业余画家，他们在修养上确实是高，在技术上最大的优势在于书法，但对人物画来说，书法离造型的距离还很远。画和写的关系可能很紧密，但实际上是两回事，不是说写得好就能画得好，要牵扯到造型和结构的问题，不仅仅是用笔所能掌握的了的，笔始终是要为形服务的，离开具体对象、具体结构，线可以勾得很好，一旦落实到特定物像上，就会束手束脚了。我很想有时间深入研究一下明清肖像画，特别是容像的这一块，无论从技法还是观念上来说，它对中国画做出的贡献远远低于我们对它的评价，因为不属于文人画的体系之内，不太符合传统的审美标准，大家好像都瞧不太起，但我觉得其实很值得研究。

　　刘笑：您的作品在人物造型、人物的表情上更加夸张，是要刻意去打破具象造型？

　　卢晓峰：我原来画画的时候特别喜欢写实的，觉得可以把对象塑造的非常深入，会比较有成就感，即使到现在，我也认为真正好的写实是更难的。但后来画着画着就觉得写实很难自由地体现我的想法，表达起来也不是特别贴切。就像我们说话一样，好多词用方言说出来味道更浓郁，更令人回味，但用普通话说就平了。为了把观念或想法强调出来，就相应在造型上，稍微变变形，拉长一点、压扁一点，这样画出来更有味道。

　　刘笑：那您在变形的过程中有什么原则或依据？

　　卢晓峰：其实变形和原型是脱离不了的，我认为夸张要比写实更像原型。达到一定高度之后，没有纯粹的写实或纯粹的夸张变形。事实上，变形在处理形上花费的时间和精力可能更大，因为要把形再重新加工，然后按照想要的味道，寻求对象散发出的感觉，把这两个加在一块的话，要思考的东西比画具象费得力气还要大。因为变形要夸张一点或几点是没有标准的，如果脱离原型的话那就没有意义，变形的造型里面有很多很微妙的东西，好和坏就在那一点之间，鼻孔、鼻翼往外扩张一点，往里收一点，感觉是完全不一样的，真正的大师和大家的差距可能就在那一点之间。

　　刘笑：从色彩或人物面部表情来说，总体感觉是比较忧郁的，不是那么透亮或鲜明，像是隔着一层。

　　卢晓峰：有一段时期，我也用纯色，但基本上都是局部的，整体上是用灰的。一方面，这和中国传统的审美心理有一定的关系，在中国绘画中，讲求富贵典雅，富贵要靠朱砂等比较亮一点的颜色，典雅需要墨色的增加，要降低纯度，这只是一个比较简单的理解。另一方面随着自己年龄的增长，在审美上，会寻求更沉稳、更厚重的表达，复色多一些，单色少一些，只在局部稍微跳一些。全是灰色的时候会显得特别闷，心情会有点压抑。我画人物的表情一般比较平静，也没有刻意的要求，可能跟我的性格有关系，高兴或愤怒都会采用一种比较平和的方式，人物很少有大喜大悲，表情强烈的东西不是那么好看，也会让人觉得肤浅，相对来说委婉一点的会更加深沉，更深刻一些。喜怒哀乐都是一种一闪而过的东西，平静一些是更常态的生活方式，

　　刘笑：您的早期作品中会加一些玩偶的装饰，现在画面好像越来越趋“简”了。

　　卢晓峰：随着这两年的积累，阅历的增加，开始往“简”里面走。我本身是喜欢复杂的，复杂的东西要把它放在一个“简”的结构性的场景里面。这段时间对繁简的认识更深刻了，以前是把各种东西都做得特别精致，每个地方都特别到位，现在开始拉大繁简的对比，简的地方再简一点，繁的地方再繁一点，繁到密不透风，这种画面节奏感会更强烈一些，之前用线的时候都是比较平均，线条的粗细浓淡干湿，尤其是比较枯的线和润的线对比比较少，从去年开始发现，有一些不完美的线要更好一些，如果什么东西都是漂亮的，放在一起就是不漂亮的，需要有些画坏的东西，显得更亲民，更容易让人走近一些，随着年龄的增长逐渐会有一些新的感受。

　　刘笑：您的绘画大多都是叙事性的，有故事情节在里面，应该都是从生活中生发出来的，可以看出您是一个很注重感悟生活的画家。

　　卢晓峰：我相对来说是个对生活比较敏感的人，经历不论好的坏的总会留下点东西，这对绘画来说是一笔财富。在逆境或顺境中，尤其是逆境中，会想得多一些，无论是绘画还是写作等方面，在逆境中会对生活认识得更深刻、更打动人。自己也经历过一些这样的过程，觉得那时候想的更深一些，生活的意义、生存的价值……一般人在高兴的时候都去高兴了，很少会静下心来想一些事情，绘画应该从生活中来，尊重一些真实的感受，真诚是一个比较重要事情。

　　也有很多画都是看书看出来的，有时候一个词就生发了一个画画的想法。大部分时候都是先想到观念再去画，根据我的观念再去找相应的表现形式，在现实中找对象、找原型，再去处理加工。生活里面可以画的东西太多了，画画的过程中可能又生发出新的想法，不管哪种途径都要真诚，真诚地对待绘画。保持一颗敏感的心和开放的思维的话，任何东西都可以画出好玩来，到处都是画，这可能就是毕加索说的“生活本身就是艺术”的境界。

　　刘笑：对于您的作品，也应该会遇到观者接受的问题，尤其是在表达一个观念或思考的时候，但在现代社会，这么多的展览和宣传，又必须要迎合观者的欣赏口味，这对画家来说是一个很现实的问题。

　　卢晓峰：经常会遇到这样的问题，画家通常面临两个方面，一个是学术，一个是市场。作为画家，心理上可能会刻意的回避市场，我觉得没有必要，这是一个很现实的东西。绘画自古以来就是与市场密不可分的，尤其在西方，我们看到的那些最伟大的作品都是市场的产物。在绘画的过程中，画是一件艺术品，你的想法、你的理解可以加入进去，一旦这个画下架之后，就成为一件商品，这是大家都需要面对的，是生存的本能。

　　我现在画的东西属于一个比较中间的状态，比我传统的是讲求笔墨、具象写实，跟他们相比我比较新，比起实验水墨、装置或综合材料，我又比较老了。大众的审美心理也是分成这三块，前卫的东西接受面可能特别窄，年轻的藏家会对这个比较感兴趣，传统的接受面多一些，中间的这部分要让大众普遍接受起来还会有一个过程，我希望我们这类的作品可以调和或引领大众的审美。

　　刘笑：您对自己今后的创作有什么规划、想法或者是目标？

　　卢晓峰：没有特别具体的路线，但有个相对明确的目标就是画好画。我一直都在用心的画，在这个过程中找问题，因为每个阶段的理解力和见识都会有不同的变化，真诚地面对自己，做出相应的调整。我没有想过最后要达到一个什么样的目标，就是多读书、多实践、多观察、多思考，要真诚、要用功。二十岁的时候会想把很多事情都做到完美，现在觉得把一件事做好，做到极致就好。但它又没有一个最好的标准，顺其自然就是最好的状态吧。黄宾虹先生90多岁每天还是按部就班地做事情，就像流水一样，每天流，每天流，最后汇集起来就是大家，这是一种比较好的状态。我很喜欢写东西，最近一直在写一个香港游记，有些想法需要写，上午写东西，下午、晚上画画，这种状态也很好。

　　访谈时间：2014年7月15日

　　访谈地点：济南卢晓峰工作室